よく聞いてよ、スノッブな皆さん。芸術の世界をサンアンドレアス断層の地震のように揺るがす女性アーティストについて話す時が来ました。1996年に中国の深圳で生まれた袁方は、まるでSF映画の中の変異植物のように空に向かって伸びるこのメトロポリスの、異国情緒を求める西洋のコレクター向けに媚びる典型的なアジア人アーティストではありません。
ブルックリンのアトリエで、シャーマンのトランスのように週6日制作に励む彼女は、ポロックを墓の中で踊らせ、リー・クラズナーをあの世から微笑ませるような抽象的な織物を紡ぎ出しています。彼女の巨大なキャンバスは、情熱的な恋人たちが終わりのないバレエで絡み合うように流れる曲線で爆発しています。まっすぐな線は一つもありません、友よ。彼女は率直にこう語ります。「曲線は女性の身体を模倣しています」。しかし誤解しないでください、これは単なる女性らしさへの賛辞ではなく、我々の時代の硬直性への宣戦布告であり、直角と予測可能な軌道に取り憑かれた世界の束縛を拒否する絵画宣言です。
もしシモーヌ・ド・ボーヴォワールが筆をペンの代わりに持っていたなら、彼女はもしかすると似たような作品を生み出していたかもしれません。なぜなら、ファンが私たちに提供するのは、女性の視点からの実存主義の本質的な探求であり、妥協を拒む女性の感受性を通して見た人間の条件の深淵へのめまいがするような没入だからです。彼女の絵画は世界の窓ではなく、私たちの集合的な状況の鏡であり、不安、激動、そして私たちの時代の予測不可能さによって歪められた自分自身の像を映し出す反射面です。
このアーティストは18歳で深圳を離れてニューヨークに移りました。彼女の荷物には神話的な中国への郷愁ではなく、世界で最も激しく都市化された都市の一つで育った生々しい経験が詰まっています。この意図的な根無し草の経験は、彼女の作品のあらゆる側面に色濃く反映されています。彼女の絵画には、文化とアイデンティティの間を綱渡りのような見かけ上の巧みさで航行する世代の物語が読み取れますが、その中にはグローバル化した私たちの世界の緊張と矛盾が宿っています。
彼女の早熟な成功は驚異的です。2022年には「Expanse (mask)」という絵画を88,900ドルで売却しました。同年、優等でビジュアルアーツスクールの修士号（MFA）を取得しました。しかし本当に注目すべきは、彼女が商業的に通用する作品を量産する機械になる誘惑に抵抗したことです。その代わりに彼女は自己の実践の限界を押し続け、安易な手法や既成の解決策を拒み続けています。
たとえば、2024年に上海のロングミュージアムで開催された彼女の展覧会「Flux」を見てみましょう。彼女のキャンバス上で渦巻く形は、ジル・ドゥルーズの「生成」(devenir) の概念を思い起こさせます。フランスの哲学者が理論化したように、生成とは単なるある状態から別の状態への変化ではなく、あらゆる固定性を拒否する連続的な変化の過程です。ファンの作品はこの哲学をほとんど実体感できるほどの切迫感で具現化しています。彼女の筆致は動きを描くのではなく、それ自体が動きであり、すべてが絶えず変化しているという根本的な真理の身体的な表現なのです。
このアーティストの色彩感覚は一見の価値があります。彼女は時間の経過によって伝統的な中国の壁画に残された色を取り入れていますが、それを現代的な大胆さで再創造し、純粋主義者たちをひやりとさせます。これはノスタルジアの演習ではなく、色彩的独立声明です。彼女の色彩の選択は、すべてが目に心地よくインスタ映えしなければならないという現在のトレンドに対するあてこすりのようです。彼女はわざと色を混ぜ合わせて調和させるのではなく、視覚的に電撃的な緊張を生み出す荒々しい対立を好みます。
ロンドンのスカーステッド・ギャラリーで発表された最近のシリーズでは、ファンはアイデンティティと移動についての思考をさらに推し進めています。彼女の絵画は帰属の概念そのものが問い直される戦場となります。ここで、ハンナ・アーレントの亡命と根無し草の思考が特に強い共鳴を見せています。アーレントが現代の人間の条件についての著作で強調したように、無国籍状態は単なる政治的な条件ではなく、私たちの時代を定義する実存的な経験です。ファンの作品において、この状態は目に見え、感知可能で、無視できないものとなっています。
彼女の技法は魅力的であると同時に困惑させるものです。彼女はしばしば鉛筆やパステルで下絵のスケッチを始めますが、これらのスケッチは単なる出発点であり、計画というよりは提案に過ぎません。キャンバスの前に立つと、彼女は最大で6時間連続することもある強烈な集中状態に入ります。この作業中、彼女の描き方はイヴ・クラインや白髪一雄のパフォーマンスを思わせる緊迫感を持っていますが、決定的な違いがあります。それは、彼女の動きが劇的ではなく、内省的であり、その強度はほとんど瞑想的であるということです。
彼女は創作過程について話すとき、しばしば武道の比喩を使います。”これはキャンバスと私との戦いのようなものです”と彼女は言います。この絵画における戦闘的なアプローチは孫子の『孫子の兵法』の記述を思い起こさせます。そこでは、勝利は必ずしも直接的な対決から生まれるのではなく、障害を機会に変え適応する能力から生まれるとされています。このため、キャンバスは領土的な争いではなく、表現の真実性をかけた戦いの場となります。
彼女の影響は多様かつ深遠です。彼女はしばしばポロックとクラズナーを「絵画の親」と称しますが、彼女の作品は単なるオマージュや影響を超えています。彼女は抽象表現主義の教訓を吸収しつつ、それを根本的に変革しました。ポロックが滴下技法を通じて普遍的無意識を表現しようとしたのに対し、彼女は私たちの時代特有の緊張、すなわち根無し草の状態、アイデンティティに関する不安、経験の断片化を探求しています。
彼女の絵画に対するアプローチには、テオドール・アドルノが「非同一性」と呼んだ、分類に抵抗する経験の還元不可能な部分に対する直感的な理解が見られます。彼女の作品は、無形のものに形を与え、見えないものを見えるようにしようとする繰り返しの試みです。彼女に作品の説明を求めると、彼女はただこう答えます：”これは絵画です”。この無防備なほどシンプルな答えは、ヴィトゲンシュタインの有名な言葉「示されるものは言い表せない」を彷彿とさせる哲学的な深みを隠しています。
彼女の作品における空間表現は絶え間なく再定義される領域です。彼女が作り出す形態は空間を占めるというよりもむしろ空間を生成しているかのようです。まるで一つひとつの筆致が、それぞれ独自の物理法則と独特の重力を持つ宇宙を創造しているかのようです。このアプローチは物理学者デヴィッド・ボームの暗示的秩序と明示的秩序の理論を想起させます。そこでは、見える現実はより深く根本的な秩序の現れに過ぎません。
スクール・オブ・ビジュアル・アーツで彼女の師であったマリリン・ミンターは彼女に2つの貴重なアドバイスを与えました。それは、過剰に仕上げすぎないことと、鑑賞者の目を導く焦点を作ることです。彼女はこれらの助言を受けて、単なる技術的な考慮をはるかに超える絵画の個人的な哲学に昇華させました。彼女の作品は野生の自由を息づかせつつも、完全な混沌に陥ることを防ぐ内的な構造を維持しています。これは繊細なバランスであり、真の自由は自ら選んだ制約の中にのみ存在するという知的な芸術的理解によって支えられています。
彼女の絵画の伝統との関係は複雑かつ微妙です。彼女は美術史への負債を認めつつも、それによって自分自身を定義させることを拒否しています。彼女の作品は過去との対話を確立しながらも、現在にしっかり根ざしています。この時間的緊張感は、彼女の絵画表面の扱い方に特に顕著に現れています。塗料の層は地質学的な堆積物のように積み重なるのではなく、過去と現在が絡み合う複雑な相互接続のネットワークとして現れます。
彼女の作品が現代アートのシーンに与えた影響はすでに大きい。ICAマイアミ、ラファイエット・アンティシパシオン、FLAGアート・ファンデーションのような主要な機関が、彼女の貢献の重要性を迅速に認識した。しかし真に注目すべきは、彼女の作品が通常の現代アートのカテゴリーを超越している点である。彼女は決して「アジアの」アーティストでも、「西洋の」アーティストでも、「グローバルな」アーティストでもなく、ただ単に彼女自身であり、その複雑さを含んでいる。
彼女の作品の政治的側面は、決して明示的ではないものの常に存在している。アイデンティティと帰属意識の問題がイデオロギーの戦場となっている世界において、彼女の作品は別の道を提案している。彼女の作品は、アイデンティティは守るべき固定的なものではなく、継続的に交渉し変化するプロセスであることを示唆している。この見解は、スチュアート・ホールが文化的アイデンティティを本質ではなく「立場づけ」として論じた著作を思い出させる。
彼女の最近の作品は、微細だが重要な進化を示している。形はより広がりをもち、より確信に満ちており、まるでアーティストが彼女の絵画言語に新たな自信の段階を見出したかのようだ。色彩も変化し、より大胆になったが、その繊細さを失っていない。まるでファンが技術的な熟練とジェスチャーの自発性の間に完璧なバランスポイントを見つけたかのようである。
今日、彼女の作品を特に重要にしているのは、東洋と西洋、伝統と現代、抽象と具象という簡単な二分法を超越する能力である。多くの場合、自らのクリシェに囚われているように見える現代アートの世界において、ファンは第三の道を提案している。彼女のキャンバスは、私たちの時代の矛盾を解決しようとはせず、むしろ敬意を強いる熱意をもってそれらを抱きしめている。
現代アートにおいて極めて重要な「真正性」という問題は、彼女の作品において新たな次元を受け持っている。ファンにおける真正性は保存すべき静的な特質ではなく、常に問い直し再定義する動的なプロセスである。各キャンバスは、私たちの時代を横断する多様な潮流の間を航行しようとする新たな試みであり、どれにも流されることがない。
彼女の急速な成功は単なる偶然や流行の効果と思われがちだが、それは重大な誤りである。ここに見られるのは、21世紀の抽象絵画の可能性を再定義する真正の声の出現だ。彼女の作品は単なる美術史への付け足しではなく、ゲームのルールを書き換えている。
彼女の近年の作品は、創造力の頂点にあるアーティストを示しており、不安と根無し草の感覚をポジティブな力に変えることができる。独創性が希少価値となっている世界で、彼女は真の革新は過去との決裂からではなく、その根本的な再発明から生まれることを思い出させてくれる。ユアン・ファンは単に絵を描くだけのアーティストではなく、アートが何であるべきかという私たちの理解を再形成する自然の力である。
