よく聞いてよ、スノッブな皆さん。週末は消毒されたギャラリーでぬるいシャンパンをすするばかりのあなたたちに話すよ。今日は陳文姫（1954年生まれ）について話すけれど、それはただの社交場での話のネタじゃない。
クリスマスツリーのように点滅するビデオインスタレーションに感嘆する人々がいる一方で、陳文姫は40年以上にわたり静かな革命を続けてきた。それは、もし本当に見てみれば、あなたたちの小さな確信を揺るがすものだ。急ぎのアート消費者の目ではなく、今の流行に麻痺していない脳の部分で。
最初の教訓：現実の体系的な解体。陳文姫は単なる人間コピー機のように現実を再現するアーティストではない。そのアプローチは、世界を括弧に入れてその本質を捉えることを説いたエドムンド・フッサールの現象学的還元に近い。1990年代初頭の静物画、『The Red Scarf』のような作品を見てごらん。単なる籐椅子と赤いスカーフに見える？よく見て。これは日常のものとの関係を外科的に解剖したもので、ごく普通のものが慣れ親しんだ文脈から引き離されると意味の乗り物になるという視覚的瞑想だ。
そして、これを”ただのリアリズム”だと言わないでほしい。カフカが”ただの虫の話”を描いたと言うのと同じことだ。陳文姫はニーチェが箴言を使うようにリアリスティックな技法を使っている。世界を描写するのではなく、内側から爆発させるために。布の皺一つひとつ、木の傷一つひとつが、私たちの絵画に対する前提を粉々に打ち砕く哲学的な金づちの一撃だ。
彼の作品を貫く第二のテーマは、私が言うところの虚無の幾何学化だ。2000年代から、陳文姫は幾何学的抽象の根本的な探求に取り組み、晩年のモンドリアンでさえ日曜画家に見えるほどだ。しかし注意してほしい、これは単なる無料の抽象ではない。家具のように形を並べるだけのあの抽象芸術ではない。これは中国の空虚の伝統と対話し、フランソワ・ジュリヤンの東洋美学における「無味」概念の考察に響き合う抽象だ。
彼の最近の作品は、ほとんど目に見えない線が走る単色の表面で構成され、禅の公案を絵画に訳したようなものだ。モーリス・メルロー＝ポンティの言う”見えるものの見えない部分”、すなわちあらゆる意味を生む物事の間の空間に私たちを直面させる。それは1960年代のニューヨーク風のポーズとは無縁のミニマリズムであり、むしろ現実の本質を瞑想する千年の伝統から引き出されている。
そして本当に魅力的なのは、陳文姫が常に進化しつつも絶対的一貫性を保つ方法だ。1970年代の中央美術学院での最初の版画作品から、現在の空間と色の探求に至るまで、彼は同じ金鉱脈を掘り進める鉱夫のように同じ筋を掘り続けている。
1990年代の「Supreme Series」を見てほしい。あの工場の煙突、旗竿、孤独な街灯。社会について何かを”伝えなければならない”という批評家のように単なる工業化批判だと見ることもできる。しかし陳文姫はそれを超える。ウォルター・ベンヤミンが呼んだ”弁証法的イメージ”、過去と現在、個人と集団の衝突点にこれらの物体を変えるのだ。
彼の光に関する作品はジェームズ・タレルの研究を思い起こさせますが、アメリカ人アーティストが没入型の環境を作り出すのに対し、陳文吉は絵画の物質そのものの中に光を捉えています。まるでフェルメールが物体への光の効果ではなく、光の実質そのものを描くことに決めたかのようです。
彼の最近の作品は「ミニマルすぎる」「十分に社会的に積極的でない」と囁く声がすでに聞こえます。芸術が価値を持つには社会的なコメントであるべきだというかのように！陳文吉は、芸術の真の急進性とは騒音を立てることではなく、思考がようやく呼吸できる沈黙の空間を創出することだと私たちに思い出させてくれます。
彼の色の使い方、あるいはむしろパレットの漸進的な縮小は特に示唆的です。多くのアーティストが色をインスタグラムのインフルエンサーがフィルターを使うように使う時代にあって、陳文吉は本質に立ち返ります。彼のグレーは悲しみや中立のグレーではなく、深い瞑想のそれであり、伝統的な書道の紙の上で乾く墨のようです。
彼が簡単な効果や表現主義的な身振り、ポストモダンのウィンクを拒否するやり方には深く反体制的なものがあります。現代美術がますますアミューズメントパークのようになっていく時代に、陳文吉はセザンヌの真の後継者たる要求を維持しています。それはスタイルではなく、絵画の真実を執拗に追求するその探求においてです。
彼の経歴は、現代中国美術の文脈を考えると特に興味深いです。多くの同時代人が市場の誘惑に負け、西洋の「エキゾチック」または「政治的」な中国美術への期待を喜ばせる作品を制作している中、陳文吉は稀有な誠実さを保っています。彼は常に進化しながらも自身のビジョンに忠実であり、螺旋状に成長しながらも決して根を失わない木々のようです。
彼の空間に対する関係の変化は特に魅力的です。演劇的でほとんど舞台的だった初期の静物画から、絵画の実質そのものとしての空間の概念へと移行しました。彼の最近の作品はもはや空間を表現するのではなく、空間を創り出し、調整し、敏感な膜のように振動させています。
陳文吉の最も好きな点は、同時代性を追い求めることなく現代的であり続けることです。彼は時代の流れに合わせようとせず、自らの時間、自らの空間を創造しています。これがジョルジョ・アガンベンが言う「非時代的な同時代者」であり、自らの時代をよく知りながらもそこから距離を取ることで、まさに時代の一部である者です。
彼の作品は、芸術が深遠であるために壮観である必要はないことを思い出させてくれます。純粋な瞑想の瞬間を提供し、時間が止まったかのような空間を作り出します。それは忍耐を要し、そして報いる芸術であり、長い時間のエアレーションを経てその複雑さを明らかにするワインのようです。
雑誌の表紙を飾り、ソーシャルメディアで話題を巻き起こす芸術を好む方もいるでしょう。しかし、皆さんが最新のトレンドを追い求める間も、陳文吉は絵画の基本を静かに探求し続けています。芸術はスピード競争ではなく、深く潜ることだと彼は私たちに思い出させてくれます。
彼の絵画の物質性の扱い方は特に教育的です。多くの現代アーティストが絵画を概念の目的を達成する単なる手段とみなすのに対し、陳文吉はそれ自体を探求のテーマにしています。各作品は、絵画の性質、その本質的に画像ではなく純粋な視覚体験を生み出す能力についての瞑想となっています。
彼の作品は、真のアバンギャルドとは容易な挑発や新奇さの追求にあるのではなく、芸術の根本的な問題への忍耐強い深耕にあることを思い起こさせます。最も先進的な芸術とは、伝統の重みを完全に受け入れつつも内部からそれを超えるものです。
陳文吉は、根深く根付いたものでありながら、根本的に新しい芸術を創造することが可能であり、何千年もの伝統に根ざしつつも現在に語りかける芸術を示しています。彼は、真の芸術的革新とは過去を完全に一掃することではなく、常に現在の光の下でそれを再発明することであることを思い出させてくれます。
彼の芸術は、展覧会の合間に急いで消費されるためのものではなく、哲学的なテキストが複数回の読み返しの末に意味を明らかにするように、ゆっくりと体験し、瞑想し、吸収されるためのものです。陳文吉は、芸術的誠実さと知的深さの稀有な例であり続けています。彼の作品は、芸術が依然として思考と瞑想の場であり得ること、時間が止まり精神が自由に呼吸できる場所であることを思い起こさせます。
