잘 들어봐요, 스놉 여러분. 여러분은 탈구조주의 해체 논의로 현대 미술에 대해 다 안다고 생각하나요? 하지만 진정으로 브리티시 제국 훈장 기사인 그레이슨 페리를 아시나요? 그는 프릴이 달린 드레스를 입고 다니면서 여러분의 오만한 미소를 찢어 놓을 작품을 만드는 사람입니다.
페리는 단순한 예술가가 아니라 문화적 현상이며, 영국의 예술 기득권을 빅토리아 시대 토대까지 흔든 미학적 지진이다. 1960년 에식스에서 태어난 그는 런던 지식인들이 거의 노골적으로 경멸하는 지역에서 상상할 수 없는 일을 해냈다: 2003년에 권위 있는 터너상을 수상하고 도예를 현대 미술의 성소에 들여놓았다.
페리의 특징은 그의 작품 자체에 사회 비판을 날카롭게 짜 넣는 거의 초자연적인 능력이다. 고전적 형태의 그의 도자기들은 도발적인 이미지와 불경한 텍스트로 장식되어 있으며, 영국 현대 사회에 대한 무타협적 시각과 정교한 기술의 정면 충돌을 나타낸다. 바로 이 긴장이 그의 작업을 강력하게 만든다.
그의 태피스트리 시리즈 “The Vanity of Small Differences” (2012)를 예로 들어 보자. 윌리엄 호가스의 “Rake’s Progress”에서 영감을 받아, 페리는 영국 내 사회 이동성에 대한 신랄한 탐구를 제공한다. 이 여섯 점의 대형 태피스트리를 통해 그는 가상의 인물 팀 레이크웰의 상승과 추락을 따라가며, 그는 계층 간을 서투르게 오간다. 각 태피스트리는 브랜드 로고, 가정용품, 의복, 영국에서 계급 소속을 무자비하게 규정하는 사회적 지표들로 가득한 미시적 우주이다.
이 작품은 피에르 부르디외의 사회적 구분 이론을 상기시킨다. 이 프랑스 사회학자는 우리의 미적 취향이 단순한 개인적 선호가 아니라 사회적 위치를 결정하는 도구임을 보여주었다 [1]. “구별짓기” (1979)에서 부르디외는 우리의 문화적 선택이 기존 사회 계층 구조를 강화하는 데 기여한다고 설명한다. 페리는 팀 레이크웰이 계층 사다리를 오르며 문화 자본이 변모하는 모습을 뛰어나게 보여준다. 그는 저가 슈퍼마켓 장보기를 거쳐 고급 요리 만찬으로 이동한다.
“고급 취향, 그리고 고급 취향을 분류하는 자”, 부르디외가 썼듯이, 페리는 현대 영국 사회에서 이 메커니즘이 어떻게 작동하는지 정확히 보여줍니다. 이 태피스트리들은 우리의 음식, 가구, 예술, 심지어 몸짓언어에 대한 선호가 우리의 사회적 위치를 나타내는 지표임을 드러냅니다. 페리 자신이 말했듯이: “나는 우리가 소유하고 소비하는 것을 통해 우리 지위를 신호하는 방식에 관심이 있습니다” [2].
이 사회학적 성찰은 그의 태피스트리에만 국한되지 않습니다. 2011년에 대영박물관에서 선보인 설치작품 “The Tomb of the Unknown Craftsman”에서 페리는 이름이 역사의 흐름 속에서 지워진, 하지만 우리 박물관을 채우는 무명의 장인들에게 강력한 경의를 표했습니다. 이 작품은 우리가 예술과 공예에 부여하는 가치, 그리고 이러한 가치가 권력 구조에 의해 어떻게 형성되는지에 대한 깊은 명상입니다.
권력 구조에 대해 이야기하면서 페리의 변장에 대해 언급하지 않을 수 없습니다. 그의 또 다른 자아 클레어는 단순한 기행이 아니라 성별의 사회적 구성에 대한 도발적인 논평입니다. 19세기 개혁적인 가부장, “No More Art”를 주장하는 중산층 영국의 시위자, 항공모형 제작자, 동유럽 자유 투사로 자신을 소개하는 클레어를 통해 페리는 남성 예술가가 “그래야 한다고” 기대되는 모습에 대한 우리의 기대를 뒤흔듭니다.
이 성별 정체성 놀이를 통해 우리는 주디스 버틀러의 젠더 수행성 이론을 떠올리게 됩니다. 1990년 저서 “Trouble dans le genre”에서 버틀러는 젠더가 타고난 본질이 아니라 우리가 끊임없이 반복하는 사회적 수행이라고 주장합니다 [3]. 페리는 이 이론을 글자 그대로 구현하며, 젠더가 어떻게 구성되고 해체되며 재구성될 수 있는지를 보여줍니다. 클레어로서 그는 젠더 규범의 임의성을 드러내면서도 금지의 쾌락을 축하합니다.
하지만 오해하지 마세요, 페리는 단순히 충격을 주려는 도발자가 아닙니다. 그의 작업은 예술사에 대한 깊은 이해와 뛰어난 기술적 숙련도에 뿌리내리고 있습니다. 그의 도예는 그리스 도자기부터 민속 예술에 이르는 다양한 전통을 참조하면서도 완전히 현대적입니다. 그가 꽃병을 만드는 데 사용하는 코일링 기법은 수천 년 된 것이지만, 그 표면을 꾸미는 이미지와 텍스트는 명백히 21세기 것입니다.
전통과 현대의 융합은 특히 15미터 길이의 대작 “The Walthamstow Tapestry” (2009)에서 두드러집니다. 베요 탭스트리와 “인간의 일곱 단계”에서 영감을 받은 이 작품은 출생에서 죽음까지의 여정을 소비의 흔적을 통해 그립니다. 디자인은 윌리엄 모리스(월섬스토우 출신)를 참조하지만, 실행은 확실히 현대적이며 컴퓨터 제어 직기를 통해 디지털로 제작되고 직조되었습니다.
이 태피스트리는 기 드보르의 《스펙터클의 사회》에 대한 명상을 떠올리게 합니다. 1967년 동명의 저서에서 드보르는 소비가 진정한 사회적 관계를 대체한 방식을 비판했습니다 [4]. 페리는 아기 기저귀부터 장례 서비스까지 우리의 삶이 로고와 브랜드로 점철된다는 점을 보여주며 이 비판을 현실에 맞게 재현합니다. 이는 상업에 의해 매개되는 심지어 가장 사적인 순간들까지도 담은, 현대 생활에 대한 냉소적이면서도 깊이 통찰력 있는 시각입니다.
페리를 특별하게 만드는 것은 그가 이러한 깊은 질문들을 유머와 접근성으로 다룰 수 있는 능력이다. 대중을 배제하려는 듯한 많은 현대 예술가들과 달리, 페리는 넓은 대중과 소통하기 위해 적극적으로 노력한다. 그의 TV 다큐멘터리들, 예를 들어 “All In The Best Possible Taste” (2012)나 “Grayson Perry’s Big American Road Trip” (2020)은 계급, 성별, 국민 정체성과 같은 복잡한 주제들을 지능적이면서도 접근하기 쉽게 탐구한다.
페리는 미술 이론가 아서 단토가 “예술의 종말”이라 부른 것을 구현한다. 이는 예술 생산의 종말이 아니라, 예술이 ‘그래야 한다’고 정의하던 큰 서사의 종말이다 [5]. 어떤 스타일이나 매체도 우대받지 않는 탈역사적 세계에서, 페리는 모든 전통에서 자유롭게 영감을 얻고, 고급문화와 저급문화를 섞으며, 예술과 공예의 경계를 흐린다.
이 자유로움은 FAT 건축 사무소와의 협업 작품인 “A House for Essex” (2015)에서 특히 두드러진다. 이 집은 가상의 에식스 여성 줄리 코프에게 바쳐진 사원 같은 건축물로, 비잔틴식 예배당에서 빅토리아 시대의 건축적 광기까지 대담하게 혼합된 영향들이 섞여있다. 그것은 예술 작품이자 휴가용 주택이며 평범한 삶의 열망과 비극에 대한 논평이다.
그 집은 녹색과 흰색 타일, 선명한 빨간 목재 장식, 그리고 금빛 지붕으로 장식되어 있어 좋은 건축 미학의 관습을 깨는 색채 폭발을 이룬다. 내부에는 줄리의 이야기를 담은 태피스트리가 있는데, “1953년 홍수에 휩쓸린 캐너비 섬에서 태어나 지난해 콜체스터에서 카레 배달부에게 치인” 이야기다. 그것은 페리의 최고 작품들처럼 기괴하고 감동적이며 깊이 인간적이다.
이처럼 상이한 프로젝트들을 연결하는 것은 개인적 및 집단적 이야기들에 대한 페리의 관심이다. 롤랑 바르트(페리가 의도적으로 인용을 피하는데, 아마도 예술계에서 너무 유행이기 때문일 것이다)처럼 그는 우리가 문화적 신화들을 통해 살아간다는 것을 이해한다 [6]. 그러나 많은 컨셉추얼 아티스트들이 이러한 신화를 임상적으로 다루는 것과 달리, 페리는 날카로운 공감을 가지고 접근한다.
예를 들어, 그가 어린 시절 가지고 있던 곰 인형 Alan Measles의 사용을 보라. “Tomb of the Unknown Craftsman” 같은 작품에서, Measles는 신성한 존재, 혼란스러운 세상을 항해하기 위해 페리가 만든 개인 신으로 등장한다. 그것은 감동적이고 유머러스하며, 우리 모두가 삶에 의미를 부여하기 위해 자신만의 신화를 창조한다는 인정이다.
개인적 이야기에 대한 이러한 집중은 웬디 존스와 함께 쓴 페리의 자서전 “Portrait of the Artist as a Young Girl” (2007)에서도 분명하다. 제목은 제임스 조이스의 소설을 참조하지만, 내용은 겸손하며 페리의 어려웠던 어린 시절과 예술가이자 변장자로서의 성장 과정을 이야기한다. 이는 예술 세계를 넘어 울림을 주는 생존과 변형의 이야기다.
페리의 예술은 그의 개인적 경험에 깊이 뿌리를 두고 있지만, 자서전을 초월해 보편적 문제들을 다룬다. 그의 도자기는 트라우마로 가득한 어린 시절, 성적 환상, 사회적 관찰에 대한 참조로 덮여있지만, 더 넓은 인간 조건에 대해서도 말한다. 그는 스스로 “나는 미술관에 가지 않는 사람들을 위해 예술을 만들고 싶다”고 말했다.
이러한 접근성에 대한 의지는 그의 작업이 단순하다는 것을 의미하지 않습니다. 반대로, 그의 작품은 역사적, 문학적, 대중적인 참조로 밀도 있게 층을 이루고 있습니다. 예를 들어, “The Vanity of Small Differences”에서는 각 태피스트리가 종교적 걸작을 떠올리게 합니다: “갇힌 전사들의 숭배”는 동방박사의 경배를 연상시키며, “#Lamentation”은 서구 미술에서의 수많은 그리스도의 애도 장면을 참조합니다.
이러한 참조들은 단순한 지적인 눈짓이 아니라, 평범한 것을 신성한 것으로 승격시키는 수단입니다. 페리는 현대 생활의 의식들, 축구 경기, 가족 저녁 식사, 쇼핑 외출 등이 수 세기 동안 서구 미술을 지배해온 종교적 장면들의 현대적 대응물임을 보여줍니다. 비록 소비주의와 계급 편견이 스며들어 있지만, 이러한 일상적인 순간들에는 존엄성이 있습니다.
평범한 것에서 아름다움과 의미를 발견하는 이러한 능력은 미셸 드 세르토가 일상 실천에 대해 쓴 작업을 연상시킵니다. “일상의 발명”(1980)에서 세르토는 평범한 사람들이 종종 문화 엘리트가 강요하는 구조를 전유하면서 일상 활동을 통해 의미를 창조하는 방식을 탐구합니다[7]. 페리는 평범한 사람들의 삶과 취향을 예술의 지위로 끌어올린다는 점에서 유사한 작업을 합니다.
그러나 페리는 대중문화를 이상화하지 않습니다. 그는 중산층의 허세나 엘리트의 거만함만큼이나 노동계급의 편견과 맹목성에도 비판적입니다. 그의 작업은 그가 현재 속해 있는 미술계 세계를 포함하여 영국 사회의 모든 계층의 모순과 위선을 드러냅니다.
내부자이자 외부자라는 이중적 위치는 페리에게 독특한 관점을 제공합니다. 현재 그는 그레이슨 경으로서 기득권의 일원이 되었지만, 그 기득권의 특권과 가정에 대해 비판적인 시선을 유지합니다. 그가 재치 있게 말했듯이: “나는 이미 오래전에 기득권의 일원이 되었고, 스스로 논쟁적이라 생각하는 사람들도 이제 기득권의 일원이라는 사실을 발견할지도 모릅니다.”
이러한 양가성은 페리의 매력의 핵심입니다. 종종 난해한 엘리티즘과 단순한 대중주의로 양분되는 예술계에서, 그는 드문 균형을 찾습니다. 그의 작업은 지적으로 자극적이면서도 감정적으로 접근 가능하며, 기술적으로 뛰어나면서도 시각적으로 즉각적이고, 정치적으로 참여적이면서도 결코 교훈적이지 않습니다.
그레이슨 페리를 중요한 예술가로 만드는 것은 그가 우리 세계를 새로운 눈으로 보게 한다는 점입니다. 계급 편견이든, 성별 불안이든, 소비의 의식이든, 페리는 우리 삶을 형성하는 보이지 않는 구조를 보여줍니다. 그리고 그는 유머, 공감, 기술적 전문성을 결합하여 이를 수행합니다.
그러니 다음에 영국 TV에서 플라운스 드레스를 입은 남성 인물을 보게 된다면 채널을 돌리지 마세요. 가발과 주름 뒤에는 우리 시대에서 가장 통찰력 있고 재미있는 사회 평론가 중 한 명이 숨어 있습니다. 도자기를 사회 풍자로, 태피스트리를 계급 논평으로, 자신의 삶을 정체성과 진정성에 관한 명상으로 바꾸는 예술가. 모방자가 가득한 세상에서 진정한 독창가입니다.
- Bourdieu, Pierre. “구별짓기: 판단의 사회비판.” 에디션 드 미뉘, 1979.
- Perry, Grayson. “가디언” 인터뷰, 2021년 11월 9일.
- Butler, Judith. “젠더 문제: 페미니즘과 정체성 전복.” 라틀리지, 1990.
- Debord, Guy. “스펙터클의 사회.” 부셰/샤스텔, 1967.
- Danto, Arthur. “예술의 종말 후.” 쇠이유, 1996.
- Barthes, Roland. “신화론.” 쇠이유, 1957.
- de Certeau, Michel. “일상의 발명, 1: 행위의 기술들.” 갈리마르, 1980.
