잘 들어봐요, 스놉 여러분. 현대 미술의 이 세련된 세계에도 순수한 감정이 상업적 계산과 개념적 포즈에 맞서 여전히 유지되는 보호된 영역들이 존재합니다. 니콜라 데 마리아가 바로 그 끈질긴 수호자입니다. 1954년 포글리아니세에서 태어난 이 남자는 40년 넘게 전 세계의 벽에 시와 건축이 만나는 색채의 우주를 펼치며, 회화가 틀을 넘어 공간을 침범하고 우리의 장소에 대한 관계를 재창조하게 합니다.
알고리즘만큼 빠르게 유행이 바뀌는 이 미술 시장에서 데 마리아는 당황스러울 정도로 일관성을 유지합니다. 1980년대에 시작된 그의 연작 Regno dei Fiori[1]는 오늘날까지 신성에 가까운 집착으로 계속해서 꽃피우고 있습니다. 이 “꽃들의 왕국”은 단순한 그려진 정원이 아니라, 예술가가 원색과 양식화된 별, 상징적인 집들로 이루어진 개인 신화를 펼치는 정신적 영역입니다.
데 마리아의 여정은 저항에서 시작됩니다. 정신과 전문의 과정을 밟았으나 결코 그 일을 하지 않고, 1977년 투린의 70년대 개념적 분위기 속에서 모두가 회화의 죽음을 선언하던 때에 회화를 선택했습니다. 첫 저항 행위는 같은 해 밀라노에서 그의 첫 벽화를 창작하고 파리 비엔날레에 참가한 것입니다. 분야와 매체의 경계를 거부한 예언자적 제스처였습니다.
그가 아킬레 보니토 올리바가 이론화한 트랜사방가르디아 운동에 1979년에 합류하면서 인정을 받습니다. 산드로 키아, 프란체스코 클레멘테, 엔초 쿠키, 밈모 팔라디노와 함께 데 마리아는 독특한 길을 보여줍니다. 동료들이 아이러니한 구상 혹은 신표현주의를 탐구할 때, 그는 집단 무의식에서 끌어오는 서정적 추상을 발전시킵니다. 이 차이는 단순한 일화가 아닙니다. 그는 기원부터 꼬리표를 거부하며 자신의 길을 파고드는 예술가임을 드러냅니다.
집단 무의식
니콜라 데 마리아의 작품은 칼 구스타프 융[2]이 이론화한 집단 무의식의 메커니즘을 직관적으로 이해하고 있습니다. 그의 작업에서의 이 정신분석적 차원은 보편적 상징을 단순한 장식적 용도로 사용하는 것을 넘어 융의 원형을 진정으로 활성화하는 데 이릅니다. 융은 집단 무의식을 “인류가 공유하는 기반으로, 신화적 이야기와 예술 창작물에 나타나는 보편적 모델인 원형들을 포함한 것”으로 묘사했습니다. 데 마리아 작품에서 이 이론은 희귀한 일관성의 회화적 적용을 찾습니다.
그의 별들은 단순한 장식적 모티브가 아니라 융이 인간 존재의 근본적인 것으로 꼽은 거대한 정신 세계에서의 방향 찾기라는 내면 우주 원형의 표현입니다. 그의 작품 여기저기에 흩어진 집들은 개성화 과정이 이루어질 수 있는 신성한 공간인 temenos 원형인 피난처를 연상시킵니다. 그리고 만연한 꽃들은 자연과 정신을 지배하는 영원한 순환, 끊임없는 부활의 원형을 구현합니다.
이 융 해석은 예술가의 벽화 기법을 관찰할 때 더욱 풍부해진다. 그의 “Space Paintings”는 갤러리 벽을 가득 채우며 융이 기술한 개성화 과정을 재현한다: 관객은 이런 다채로운 환경에 몰입하여 자기와 공간 사이의 경계가 일시적으로 해체되는 변형의 경험을 한다. 이 해체는 병리적인 것이 아니라 치료적인 것으로, 개인 무의식이 집단 무의식과 대화할 수 있게 한다.
데 마리아가 원색을 사용하는 것은 이 원형적 논리 안에 자리한다. 빨강은 융의 의미에서 생명 에너지, 리비도를 떠올리게 한다. 파랑은 영적 무한, 초월을 소환한다. 노랑은 태양 의식, 깨달음의 명료함을 발산한다. 이 색들은 고대 프레스코 기법에 따라 두껍게 칠해져, 색채의 정교함을 추구하지 않고 정신에 원초적 충격을 주려 한다.
융은 “원형들은 때때로 가장 원시적이고 순진한 형태(꿈 속)로 나타나기도 하고, 때로는 의식적 가공으로 인해 훨씬 더 복잡한 형태(신화 속)로 나타나기도 한다”고 관찰했다. 데 마리아의 예술은 끊임없이 이 두 극 사이를 오간다. 그의 종이 위의 드로잉은 꿈의 즉흥성을 유지하는 반면, 벽 설치 작품은 복잡한 신화적 구성을 이룬다.
이 정신분석학적 영역이 데 마리아 작품이 관객에게 독특한 효과를 내는 이유를 설명한다. 이 작품들은 단순히 눈에만 호소하는 것이 아니라 융이 집단 무의식에 위치한 “종(種)의 기억”에 호소한다. Regno dei Fiori 앞에서 우리는 단순한 장식적 추상을 감상하는 것이 아니라 현대 만다라를 경험하며 가장 깊은 정신 구조를 활성화한다. 데 마리아 자신은 “손에 물든 색으로 시를 쓰는 자”라고 정확히 표현하는데[3], 이 표현은 화가가 단순한 회화 기법을 넘어 보편적 언어를 끌어내는 의식을 드러낸다.
Angeli proteggono il mio lavoro(1986) 설치 작품은 미국 첫 전시를 위해 제작되었으며, 이 접근법을 완벽하게 보여준다. 전시 공간의 벽과 천장에 직접 그림을 그려 데 마리아는 건축물을 색채로 물든 모태 자궁으로 변모시키고, 관객은 보호와 재탄생의 원형으로 긍정적으로 퇴행하는 경험을 한다. 이 작품은 장소를 단순히 꾸미는 데 그치지 않고, 보호받는 장소에 대한 집단 기억을 활성화해 공간을 다시 신성화한다.
영적 영역으로서의 건축
데 마리아 작품의 두 번째 근본 차원은 건축과 공간성에 대한 혁명적 관계에 있다. 이 접근은 이탈리아 벽화 전통에 뿌리를 두되, 르네상스 이탈리아 건축 연구를 반영하는 현대적 논리로 재창조한다. 15세기 브루넬레스크가 “건축을 건물 각 부분 간 비례 관계를 결정하는 규칙에 종속시킴으로써 건축 예술에 혁명을 일으켰듯”, 데 마리아는 작품과 공간 환경의 관계를 완전히 재고하는 회화 시스템을 발전시킨다.
데 마리아의 혁신은 건축을 단순 지지체가 아닌 창작 파트너로 다루는 데 있다. 그의 벽화는 벽 표면을 차지하는 데 그치지 않고 벽의 본질을 변형시킨다. 갤러리 벽과 천장을 그릴 때, 그는 공간을 장식하지 않고 상징적으로 재구성한다. 이 접근은 미술사학자들이 “평면의 엄격함과 절제를 특별히 추구”하여 “매우 조화로운 시각 효과”를 창출했다고 평가하는 브루넬레스크 혁명을 떠올리게 한다.
De Maria가 주장하는 프레스코 기법은 이탈리아 르네상스 거장들과 직접적인 연결을 세우지만, 거꾸로 된 논리로 이루어져 있습니다. 르네상스의 프레스코 화가들이 평면 위에 깊이의 착시를 만들려 했던 반면, De Maria는 순수한 색채를 사용하여 전통적인 건축 공간 인식을 없애버립니다. 그의 색칠된 벽들은 더 이상 소실점으로 향하지 않고 관객에게 발산하여 공간 확장의 효과를 만들어내며 건축을 내면의 우주로 변모시킵니다.
이 공간 혁명은 그의 공공 설치 작품들, 특히 토리노의 Luci d’Artista를 위해 제작된 Regno dei fiori: nido cosmico di tutte le anime (2004)에서 가장 완성된 형태로 표현됩니다. 산 카를로 광장의 가로등을 빛나는 꽃으로 변형시킴으로써 De Maria는 드문 대담함의 건축적 행위를 성취합니다: 그는 도시 조명을 시적인 체계로 재창조하여 공공 공간에 대한 지각을 변모시킵니다. 이 개입은 단순히 광장을 미화하는 것이 아니라 그 숨겨진 영적 차원을 드러냅니다.
De Maria의 공간적 접근법은 분석가들에 의해 “전통과 혁신을 결합한다”고 평가받는 현대 이탈리아 건축가들의 연구와 맞닿아 있습니다. 현대 건축이 유리와 강철을 사용하는 반면, De Maria는 건축적 재료로서 순수한 색채를 사용합니다. 전통 프레스코 기법에 따른 자연 색소는 공간의 빛과 음향 특성을 문자 그대로 변화시키는 표면을 창조합니다.
이러한 건축적 차원이 De Maria가 종종 중립적인 화이트 큐브보다는 역사적 장소에서 전시를 선호하는 이유를 설명합니다. 그는 자신의 공간적 비전을 드러내기 위해 기존 건축과의 대화가 필요합니다. 궁전, 교회, 개조된 산업 공간에서의 그의 개입은 고대와 현대, 성스러움과 세속성 간의 생산적인 긴장을 만들어냅니다.
그에게 있어서 색채는 진정한 건축 언어가 됩니다. 각 색조는 고유한 공간적 기능을 지니는데, 빨강은 공간을 확장하고 따뜻한 친밀감을 만들며, 파랑은 영적 무한대로 올려 보내고, 노랑은 내부의 빛으로 밝힙니다. 이러한 기능적 색채 사용은 재료가 심리적 효과를 주는 현대 건축 연구를 상기시키지만, 순수한 회화적 논리에 따라 적용됩니다.
De Maria에게 설치 작품은 회화, 건축, 시를 포괄하는 총체적 예술이 됩니다. 그의 작품명은 종종 길고 시적이며 작품을 설명하는 것이 아니라 그 말로 된 확장입니다. “La testa allegra di un angelo bello”나 “Universo senza bombe”는 관객의 공간 인식을 이끄는 만트라처럼 작동합니다. 벽에 그려지거나 쓰여진 이 단어들은 종교 건축의 신성 삽화들을 연상시키는 문학적 공간 차원을 만듭니다.
이 공간에 대한 총체적 접근법은 De Maria에게 예술이 삶의 변형이라는 개념임을 드러냅니다. 그의 작품들은 단순히 감상되는 데 그치지 않고 우리가 장소에서 경험하는 바를 물리적, 심리적으로 변화시킵니다. 그런 의미에서 De Maria는 순수하게 예술적 수단으로 거주자를 변화시키는 공간을 창조하는 현대 건축의 꿈을 실현합니다.
감성의 저항
예술 시장이 신선함과 도발에 집착하는 가운데, De Maria는 같은 근본적인 질문들을 끊임없이 심화하는 탐구의 꾸준함을 제시한다. 그의 1990년 베니스 비엔날레에서 소개된 “Teste Orfiche”[4]는 폭이 5미터가 넘는 거대한 캔버스로, 그의 집착을 온전히 수용하는 예술적 성숙함을 드러낸다. 이 작품들은 도발이나 유행을 노리지 않으며, 순수한 회화적 감정의 문제를 끊임없이 파고든다.
미국 평단은 때로 De Maria가 포스트모던 아이러니와 비판적 해체를 거부하는 점을 비판했다. 그러나 이 오해는 오히려 그의 독특한 입장을 드러낸다. 감정에 대한 불신이 지배하는 예술계에서 그는 예술의 변형적 힘에 대한 흔들림 없는 신념을 유지한다. 2000년대와 2010년대 그의 작품들은 “Universo senza bombe”나 “Salvezza possibile con l’arte”와 같은 명확한 제목으로 이 방향성을 확증한다.
이 입장은 순진하지 않다. 현대 예술의 문제들에 대한 특별한 통찰에서 비롯된다. De Maria는 진정한 전복이란 오늘날 냉소주의가 부정한 미학적 가치를 재평가하는 데 있음을 이해한다. 그의 원색 사용과 단순한 형태는 퇴행적인 원시주의가 아니라 정교한 문화적 저항 전략이다.
그의 최근 작업 진화는 이 방향을 확인시킨다. 그의 종이 작품들은 시적인 표상을 다양하게 활용하며 음악적 참조를 포함해, 각 색상이 음에, 각 형태가 리듬에 대응하는 시각적 악보를 창조한다. 이러한 자각된 공감각은 De Maria를 Kandinsky와 Rothko부터 이어지는 위대한 색채주의자들의 계보에 놓아, 회화를 총체적 예술로 만들고자 했다.
그의 최근 설치 작품들은 주제를 배반하지 않으면서도 그의 주장을 풍부하게 하는 생태적 차원도 발전시킨다. Regno dei fiori musicali. Universo senza bombe(2023)는 공간을 감각적인 완전 환경으로 바꾸는 음향 요소를 통합한다. 총체적 예술로의 이 발전은 항상 학문 간 경계를 거부해온 예술가의 깊은 논리를 존중한다.
De Maria의 긴 경력, 주요 국제 기관에서의 전시, 공공 컬렉션에서의 지속적인 존재는 유행을 넘는 인정을 보여준다. 그의 예술은 미학, 영성, 생명력과의 연결이라는 인간학적 지속적 욕구에 호소하기 때문에 세대를 넘는다.
변동이 심한 예술계 내에서 이 지속성은 De Maria의 예언적 적실성을 드러낸다. 40년 전, 터닝 개념미술 속에서 회화를 선택한 것은 시대착오적으로 보였다. 오늘날 새로운 세대가 영성 및 자연과의 연결의 필요성을 재발견하는 가운데, 그의 작품은 선견지명으로 보인다. 그의 “꽃의 왕국”들은 점점 비인간화되는 세상에서 심리적 피난처를 제공한다.
세속적인 기도로서의 예술
Nicola De Maria의 작품은 유치한 신비주의에 빠지지 않으면서 예술의 영적 차원을 재평가하는 놀라운 업적을 이룬다. 그의 설치 작품들은 관조적 미학과 명상적 체험이 만나는 세속적 성찰 공간을 창조한다. 이 영적 차원은 어떤 종교적 교리에서 비롯한 것이 아니라, 아름다움의 치유력에 대한 근본적인 신뢰에서 나온다.
De Maria가 “Regno dei Fiori”를 그릴 때, 그는 꽃을 그리는 것이 아니라 관람자에게 정신적인 개화를 일으키는 조건을 만듭니다. 그의 순수한 색채는 마음의 동요를 진정시키고 자연의 리듬과 다시 연결하는 시각적 만트라처럼 작용합니다. 예술의 이 치료적 기능은 현대 예술치료 연구와 일치하지만, 순수하게 미학적인 수단으로 완성됩니다.
같은 별, 집, 꽃 모티브의 집요한 반복은 최면 효과를 만들어 의식의 변형 상태에 쉽게 접근할 수 있도록 합니다. 이 반복은 단조로움이 아니라 점차 이해를 깊게 하는 창조적 되새김입니다. 새로운 “Regno dei Fiori”마다 이 무한한 시적인 우주의 새로운 측면을 드러냅니다.
그의 그림 안에 시적 단어와 문구를 적는 것은 경험을 풍부하게 하는 문학적 차원을 더합니다. 그 텍스트들은 이미지를 설명하는 것이 아니라 명상에 안내하는 언어적 대비를 창조합니다. De Maria가 “La montagna mi ha nascosto la luna, cosa devo fare?” (산이 내게 달을 숨겼다, 나는 무엇을 해야 할까요?)라고 쓸 때, 그는 일화적인 질문을 하는 것이 아니라 우주의 광대함 앞에서 인간의 근본적인 존재적 불안을 표현합니다.
이 영적 차원은 De Maria의 작품이 매우 다양한 관람객을 끌어들이는 이유를 설명합니다. 그의 설치 작품은 현대 미술 애호가뿐 아니라 영적 탐구자, 어린이, 노인을 모두 끌어들입니다. 이 횡단성은 그의 직관의 정확성을 드러냅니다: 진정한 예술은 모든 인간 안에 있는 보편적인 것에 호소합니다.
De Maria의 예술은 현대적 허무주의에 대한 구체적인 대안을 제안합니다. 환멸에 빠진 세상 앞에서 그는 아름다움을 통한 신성 경험의 가능성을 생생하게 유지합니다. 그의 “폭탄 없는 우주”는 순진한 유토피아가 아니라 평온한 존재 방식을 실험하는 실험실입니다. 그의 설치작품에서는 잠시 동안 세상의 폭력이 멈추고 연약하지만 진정한 조화로 대체됩니다.
이 작품은 예술이 상품화되었음에도 불구하고 모든 회수 시도에 저항하는 영적 변형의 힘을 아직도 갖고 있음을 상기시킵니다. 이 신성한 예술의 차원을 생생하게 유지함으로써 Nicola De Maria는 중대한 문화 저항 행위를 완수합니다. 그는 21세기에도 지성을 저버리지 않고 영혼을 고양시키는 작품을 창조하는 것이 여전히 가능함을 증명합니다.
창조의 영원한 현재
분명한 사실이 드러납니다: 우리는 앞으로 수십 년간 더욱 인정받을 위대한 예술가와 그의 작품을 마주하고 있습니다. 오천 년의 그림 전통을 생생하게 유지하면서도 현대적 쟁점에 적응시키는 그의 능력은 드문 예술적 숙달을 보여줍니다. 쉬운 개념적 해결과 무료 도발을 거부하는 그의 태도는 현대 미술을 존중하는 윤리적 엄격함을 증명합니다.
Nicola De Maria의 작품은 진정한 전위는 때로 현대성이 파괴하려는 것을 보존하는 데 있음을 가르쳐 줍니다. 예술과 영성, 회화와 건축, 개인과 집단 사이의 연결을 생생하게 유지함으로써 그는 필수적인 문화적 보존 작업을 완수합니다. 그의 “꽃의 왕국”들은 우리 시대가 너무 빨리 포기한 미학적이고 영적 가치를 지키는 피난처입니다.
이 작품은 또한 현대 미술 평가 기준을 재고하도록 초대합니다. 형식적 새로움, 비판적 도발, 아이러니한 해체가 유일한 예술적 품질 기준은 아닙니다. 인내심 있는 탐구의 심화, 시적 비전에 대한 충실, 감동과 고양 능력은 동등하거나 어쩌면 더 높은 정당성을 가집니다.
니콜라 드 마리아는 포스트모던 시대라는 환멸에 찬 맥락 속에서도 인간의 가장 높은 열망과 화해하는 예술을 창조할 수 있음을 증명해줍니다. 그의 설치 작품들은 일상의 거칠음을 상쇄하고 우리 시대 대부분의 사람들이 은밀히 느끼는 “아름다움에 대한 갈망”을 채워주는 은총의 순간들을 선사합니다.
그의 작품들 앞에 서면, 진정한 예술은 세상을 단순히 묘사하는 데 그치지 않고 숨겨진 잠재력을 드러내어 변형시킨다는 것을 깨닫게 됩니다. 드 마리아의 “폭탄 없는 세계”는 도피처가 아니라 아름다움이 폭력을 이길 수 있는 가능한 세상의 예시입니다. 이런 의미에서 이 예술은 가장 높은 예언적 기능을 수행합니다: 더 나은 미래에 대한 희망을 유지하고 그것을 건설할 영적인 수단을 제공합니다.
니콜라 드 마리아의 작품은 모든 역사적 우여곡절에도 불구하고 예술이 여전히 신성에 접근하는 특권적 길임을 상기시켜줍니다. 전통적인 영적 기준을 잃은 세상에서, 그의 설치 작품들은 누구나 인간다움의 본질인 초월적 차원과 접촉할 수 있는 기도와 묵상의 공간을 제공합니다. 20세기 아방가르드들이 완전히 폐기되었다고 여겼던 예술의 이러한 인류학적 기능은 드 마리아에게서 놀라운 현재성을 되찾아 우리 자신의 영적 욕구에 대해 질문을 던집니다.
따라서 자신의 시대의 미학적 논쟁을 훨씬 뛰어넘어, 니콜라 드 마리아는 현대 예술과 그 영원한 소명을 화해시키는 위업을 완수했습니다: 세계에 숨겨진 아름다움을 드러내고 인간에게 희망의 이유를 제공하는 것입니다. 이미 다섯 개의 십년을 넘긴 이 작품은 앞으로도 한동안 현대적이면서도 시대를 초월한, 정교하면서도 접근 가능하고, 지역적이면서도 보편적인 예술을 함께 찾는 우리의 여정에 동행할 것입니다.
- Galerie Lelong & Co., “Nicola De Maria – Regno dei Fiori”, 전시 도록, 파리, 1988
- 칼 구스타프 융, 인간과 그의 상징들, 로베르 라퐁, 파리, 1964
- ABC-Arte, 니콜라 드 마리아와의 인터뷰, 토리노, 2018
- 라우라 체루비니, 플라미니오 구알도니, 레아 베르지네 (편집), 베니스 비엔날레 – 이탈리아관, 공식 도록, 베니스, 1990
