잘 들어봐요, 스놉 여러분: 아직도 개념적 속임수 뒤에 숨지 않고 원초적 물질에 과감히 맞서는 예술가들이 있습니다. 1989년생 크로아티아 조각가 니콜라 부드락은 이 드문 유형에 속하며 이론적 수다보다 강철의 무게를 선호합니다. 리예카와 자그레브 아카데미에서 교육받았으며 2012년 최우수 학생에 선정된 이 금속공업 가문 후예는 철을 만질 수 있는 명상으로 변화시킵니다. 베니스, 몰타, 두바이에서 전시된 그의 기념비적 조각들은 신화, 형태, 시간과의 관계를 대담하게 탐구하여 현대 미술계에 신선한 충격을 줍니다.
부드락의 작품은 고대 그리스 신화를 재해석한 헤라클레스의 열두 과업, 코르텐 강철로 만든 기하학적 다이아몬드, 수천 개의 금속 막대를 용접한 Net-Work 시리즈, 그리고 공공 공간에서의 기념비적 설치 등 여러 시리즈로 전개됩니다. 그의 조형 어휘는 기하학과 물리학뿐 아니라 고대 이야기에서 영감을 얻어 장식적인 쉬움을 거부하는 조각 언어를 창조합니다. 60회 베니스 비엔날레에서 선보인 아틀라스와 프로메테우스 작품은 형식의 엄격함과 상징적 깊이라는 이중 요구를 구현합니다. 그는 관객을 매혹시키려 하지 않고 인간 조건에 관한 근본적인 질문에 직면하게 만듭니다.
플라톤은 부드락 작업실을 어렴풋이 맴돌지만 그가 항상 명시적으로 언급하지는 않습니다. 이데아의 세계와 감각적 현상의 세계를 구분하는 플라톤의 개념은 그의 작업에서 예기치 않은 해법을 찾습니다. 부드락이 빛이 녹슨 강철 껍질의 틈새에서 뿜어져 나오는 다이아몬드 조각을 만들 때, 단순한 형식 놀이를 넘어 이데아에서 감각으로의 전환을 구체화합니다. 이 조각작품들은 형상 이론의 작용하는 은유가 됩니다. 원자재이자 산업 소재인 강철은 이데아 자체를 상징하는 빛의 틀 역할을 합니다. 낮에는 작품의 거친 구조, 용접 자국, 중력감을 드러내고 밤에는 내면의 빛이 이들을 기하학적 도안, 순수한 빛의 추상으로 변모시켜 물질성을 거스르는 듯 보입니다.
물질과 이데아 사이의 이 변증법은 부드락의 모든 작품을 관통합니다. 몰타 최초 비엔날레에서 선보인 그의 헤스페리데스의 사과에서는 빛이 장식이 아니라 작품의 의미 자체입니다. 예술가는 창작 과정을 설명하며 플라톤과 아리스토텔레스를 분명히 언급하며 “오직 이데아의 상상 세계만이 완벽한 형태에 도달할 수 있고” 우리의 현실은 필연적으로 불완전하다는 점을 인정합니다. 이 철학적 통찰은 그가 접근 방식을 뒤집게 만들었습니다. 형식의 완벽함을 헛되이 추구하는 대신 금속 껍질을 만들어 빈 공간을 감싸도록 하여 빛, 즉 플라톤이 오래도록 지식의 은유로 삼아온 빛이 음의 공간을 채우게 합니다. 그 결과는 놀랍습니다: 낮에는 기념비적이고 거친 형태, 밤에는 우아한 빛의 선들이 마치 이데아가 문자 그대로 물질에서 솟아나는 듯한 효과를 냅니다.
코르텐 강철의 체계적인 사용은 철학적 차원을 강화합니다. Vudrag은 이 소재가 자체 부식으로 자신을 보호한다는 아이러니를 좋아하며, 보통 금속을 파괴하는 것을 보존 메커니즘으로 전환한다고 말합니다. 그는 이 귀금속과 평범한 금속의 혼합물을 “땅의 피, 호메로스 신화에서 신들과 티탄들의 피로 알려진 에테르 같은 체액인 이코르와 유사한 것”[1]이라고 묘사합니다. 재료에 대한 이러한 준애니미즘적 개념은 시적인 일화를 넘어 조각 작업을 물질 자체에 신화적 차원이 있는 우주론에 위치시킵니다. 강철은 기억과 의도를 담는 그릇이 되어, Vudrag이 재해석하는 고대 이야기들과 공명합니다. 세상의 무게를 짊어진 아틀라스, 불을 훔쳐 묶인 프로메테우스: 이 신화적 인물들은 코르텐이 풍화된 매개체에서 그들의 상징적 무게를 증폭시키는 매체를 찾습니다.
기념비적 조각은 긴 역사와 격동을 가지고 있습니다. 사소한 기념비, 전체주의 축하행사, 그리고 극적인 실패들이 그 역사를 채운다. Vudrag은 이 오랜 전통에 속하면서도 현대적 관심사로 방향을 전환합니다. 그의 니콜라 테슬라 기념비, 높이 12미터, 무게 2톤의 “전송선 조각”은 기능성과 미학, 도시 디자인과 국가 유산을 결합합니다. 이러한 유형의 공공 작품은 정적 계산, 20입방미터 콘크리트 기초, 10명 이상의 팀 조정 등 엄청난 기술적 숙련을 요구합니다. 대규모 야망을 내세울 수 있는 현대 조각가는 드뭅니다. 대부분은 일시적 설치물이나 은밀한 개입을 선호하며, 마치 기념비성이 원칙적으로 의심받는 것처럼 보입니다.
그럼에도 Vudrag은 이러한 규모를 거리낌 없이 주장합니다. 바다를 향해 솟은 그의 4미터 포세이돈, 지나가는 이들이 음을 연주할 수 있는 인터랙티브 바이올린, Čakovec의 중심 광장에 세워진 그의 엔소: 이들 도시 개입은 포스트모던 겸손을 거부합니다. 이들은 조각이 여전히 공공 공간을 구성하고, 상징적 기준점을 만들며, 집단적 경험을 불러일으킬 수 있음을 주장합니다. 이 야망은 역설적으로 미국 미니멀리스트, 특히 리처드 세라와 그와 여러 비평가들이 지적한 재료적 및 시각적 유사성으로 그를 근접하게 만듭니다. Vudrag의 코르텐 강판, 특유의 녹청, 당당한 물리적 존재감은 세라의 작품과 명확한 대화를 나눕니다. 그러나 세라가 순수 추상과 공간 지각 현상학을 중시한 반면, Vudrag은 인물과 신화적 내러티브를 재도입합니다.
이 차이는 주목할 가치가 있습니다. 1960~1970년대 미니멀리즘은 작품 자체 외부의 모든 언급을 배제했습니다: 조각은 오직 자신에 관한 것, 무게, 부피, 공간과의 관계에만 대해 말했습니다. Vudrag은 엄격한 기하학, 재료의 솔직함, 화가적 묘사를 거부하는 이러한 형식적 교훈을 계승하지만, 상징적 내용을 다시 주입함으로써 원칙적으로 그것에 반합니다. 그의 다면체 동물들, 신화적 인물들, Net-Work 시리즈의 가면들은 기하학적 처리에도 불구하고 알아볼 수 있습니다. 그는 이렇게 미니멀리스트 절제와 대표적 전통, 현대 추상과 고대 서사를 대담하게 융합합니다. 이 입장은 물론 두 진영의 비판에 노출됩니다: 순수 추상주의자들에게는 너무 구상적이고, 고전 조각 애호가들에게는 너무 기하학적입니다.
금속 공예 전통의 문제는 이 문제에 또 다른 층을 더한다. Vudrag는 그의 가족 계보를 꾸준히 강조한다: 그의 아버지와 할아버지는 금속 공예인이었으며, 그는 어린 시절 놀이를 통해 그들의 기술을 배웠다. 이 세대를 넘나드는 기술의 전수는 대부분의 예술가들이 자신의 작품 제작을 전문 작업장에 아웃소싱하는 현대에 결코 사소한 일이 아니다. Vudrag는 350평방미터 규모의 작업장, 이전의 산업 현장을 창작 공간으로 전환한 곳에서 직접 강철을 다룬다. 재료와의 이러한 물리적 근접성, 그 특성과 저항성에 대한 친밀한 지식이 그가 만드는 형태에 직접적인 영향을 준다. 예술가는 다른 이들이 실행할 조각을 설계하지 않는다: 그는 대장장이이자 조각가로서 생각하며, 재료가 창작 과정을 부분적으로 이끄는 것을 허용한다.
이 접근법은 현대 미술의 점증하는 비물질화와 강렬한 대조를 이룬다. 일부 예술가들이 개념, 지시문, 또는 디지털 파일을 생산하는 것에 만족하는 반면, Vudrag는 물질과의 물리적 대면이라는 고전적이면서 건설적인 예술 개념을 옹호한다. 그의 손은 이 투쟁의 흔적을 지니고 있다: 용접 화상, 베인 상처, 굳은살. 그의 전신은 힘과 인내를 필요로 하는 기념비적 작품 제작에 참여한다. 이러한 장인정신적 측면은 현대 기술에 대한 개방성과 함께하지 않는다면 구태의연하게 보일 수도 있다. Vudrag는 3D 스캔을 사용하여 자신의 조각을 문서화하고, 디지털 모델을 만들며, 다양한 규모의 버전을 계획한다. 그는 일부 작품에 LED 조명 시스템을 통합하여 디지털의 가능성을 활용하되 수작업의 우선성을 포기하지 않는다.
그의 최근 경력은 국제적 인지도의 증가를 보여준다. 바르샤바 자선 경매에서 “Sumeran Maiden from the NET-WORK cycle (2023)” 작품이 경매가 약 19만 유로에 낙찰되어 예술 시장에서 그의 가치를 확립하며 큰 반향을 일으켰다. 이 엄청난 금액은 의구심을 불러일으킬 수도 있다: 시장이 종종 가장 밋밋한 예술가를 찬양하는 것이 아닌가? 그러나 Vudrag의 경우, 상업적 가치 상승은 정당한 제도적 인정을 동반한다. 베니스 및 몰타 비엔날레 참여, 크로아티아 공공 주문, 파리의 저명 갤러리 전시, 크로아티아 유로 주화를 디자인한 그의 역할 등은 논란의 여지가 없다.
예술가는 상업적 성공의 위험성을 잘 인지하고 있다. 향후 계획에 대해 질문받았을 때 그는 언론의 소음에서 벗어나 규칙적으로 작업장에 틀어박혀 “고독, 내성 및 오래된 책들 속에서, 거의 이성과 광기의 미세한 경계 위를 걸으며 새로운 개인적 “에우레카!” 순간을 찾는” 필요성을 언급한다[1]. 이 표현은 통제된 이성과 영감을 받은 방임 사이의 불안정한 균형으로서 창작 과정을 예리하게 이해하고 있음을 나타낸다. Vudrag는 철학, 신화학, 과학사를 열심히 읽으며, 이 학식은 그의 작업에 생산적이지 않은 허세 없이 영양을 공급한다. 그의 조각품은 무엇보다도 그 물리적 존재감과 조형적 힘으로 시각적으로 말하며, 시간을 들여 해독할 관객에게 의미의 층을 전달한다.
그의 작품에 늘 존재하는 신화라는 문제는 여전히 남아 있다. 왜 그리스 신화 이야기를 체계적으로 사용하는가? Vudrag 자신은 이렇게 대답한다: “역사가 수천 년 동안 여러 형태로 반복되었다면, 주목해야 할 어떤 메시지가 있을 것이다. 결국 내가 해독하고 이해한 것들은 나 자신과 나를 둘러싼 세상을 더 잘 이해하는 데 도움을 주었다” [1]. 만약 그리스 신화가 실제로 무한한 심리적 원형과 보편적인 서사 구조의 저장소라는 사실을 잊는다면, 이 정당화는 순진하게 보일 수도 있다. 세계를 짊어진 아틀라스, 불을 훔친 프로메테우스, 열두 과업을 수행한 헤라클레스: 이 등장인물들은 오늘날에도 공명하는 근본적인 인간 경험을 구현한다. 조각가는 이들을 고고학적 호기심으로 다루지 않고 항상 활성화된 의미의 원형으로 다룬다.
아틀라스와 프로메테우스 듀오에 대한 그의 해석은 신화를 삶의 방식으로 접근하는 이 방식을 잘 보여준다. 아틀라스는 땅에서 솟아 나오며 고전적인 기둥을 붙잡는 손으로 변하며, 세계를 지탱하는 데 필요한 부담과 힘을 상징한다. 프로메테우스는 사슬에 묶인 손으로 축소되어, 반란과 끔찍한 대가를 치르면서까지 지식을 추구하는 것을 나타낸다. Vudrag는 이 두 인물을 인간 운명과 명시적으로 연결한다: 아틀라스는 이상적 세계의 자리인 머리를 지탱하며, 프로메테우스는 그 머리에 거주하는 의식적인 정신을 나타낸다. 그들의 영원한 스트레스와 압박이라는 공통된 운명은, 예술가에 따르면, 보편적인 인간 경험을 구성한다. 이 오래된 신화에 대한 실존주의적 해석은 단순한 우화의 함정을 피한다: 조각들은 기계적으로 미리 정해진 의미를 번역하는 것이 아니라 우리 조건에 대한 성찰의 공간을 열어준다.
Vudrag의 작품 생산 규모는 품질만큼이나 인상적이다. 10여 년의 경력 동안 그는 수십 점의 공공 조각품을 만들었고, 60개 이상의 전시에 참여했으며 여러 상을 수상했다. 이와 같은 꾸준한 작업 속도는 작업장의 엄격한 조직, 주문 및 기한의 정밀한 관리, 단순히 예술적 범위를 훨씬 넘는 능력을 요구한다. Vudrag는 또한 기업가, 관리자, 커뮤니케이터로서도 드러난다. 그의 미디어 친화성, 작업을 쉽게 설명하는 능력, 기관 및 수집가와 협상하는 솜씨: 이 비예술적 재능들은 분명히 그의 빠른 상승에 기여했다. 어떤 순수주의자들은 이것을 시장의 요구에 대한 굴복으로 볼지도 모르지만, 이러한 비판은 부당해 보인다. 공공 공간에 거대한 조각품을 만들고자 하는 예술가는 반드시 이러한 실용적 측면을 숙달해야 한다.
몇 가지 실마리를 찾을 때가 왔다. Nikola Vudrag의 작품은 수세기 된 조각 전통 안에 있으면서도 현대적 강점에 따라 방향을 틀고 있다. 가족으로부터 전해 내려온 강철과 수작업에 대한 그의 충실성은 우리 시대의 철학적이고 미학적인 문제들에 대한 날카로운 자각과 결합된다. 그는 미니멀리즘과 형상화, 기하학적 추상과 신화적 서사, 거대함과 친밀감 사이에 대화를 형성하여 현 조각계에서 독특한 공간을 창조한다. 향수를 불러일으키는 전통주의자도, 도발적인 아방가르드주의자도 아닌 Vudrag는 불편해 보일 수 있는 중도적 입장을 차지하지만, 결국 풍요로운 결과를 보여준다. 그는 개념적 깊이를 포기하지 않고도 야심찬 방식으로 물질을 조각하는 것이 가능함을, 화려하지 않으면서도 거대한 공공 작품을 만드는 것이 가능함을, 먼지 쌓인 학문주의에 빠지지 않고 고대 신화에서 영감을 얻는 것이 가능함을 증명한다.
그의 빛에 대한 조각적 요소로서의 사용은 감각적 세계에서 형식적 완전성에 도달하는 것이 불가능하다는 플라톤적 인식에서 출발하여 독창적인 해법을 발명한다: 음의 형태, 빛을 받아들이는 금속 주형. 이 반전은 단순히 철학적 사상을 설명하는 데 그치지 않고 그 사상을 물질 자체 속에서 작용하게 만드는 조형적 지능을 보여준다. 신들의 피에 비유되는 코르텐강의 보호적 녹은 단순한 화학적 특성을 넘어 파괴 대신 보존하는 시간의 작동하는 은유가 된다. 이러한 의미의 이동과 상징적 응축은 그의 작업의 본질이며, 그의 조각들이 투명한 우화로 축소되는 것을 방지하는 동시에 순수한 물리적 존재를 넘어선 의미의 두께를 부여한다.
니콜라 부드라그는 아직 젊은 예술가이다. 운명이 허락한다면 앞으로 수십 년간의 창작이 남아 있다. 그의 작품이 어떤 변화를 겪을지 예측하기 어렵다: 다른 재료, 다른 규모, 다른 주제들일까? 예술가 자신도 헤라클레스의 작업이 아직 마무리되지 않았음을 열정적으로 언급하며, 신화적 소재의 가능성을 다 사용하지 않았음을 시사한다. 그러나 그가 어느 방향을 선택하든, 21세기의 조각가가 시대의 편의성을 거부하는 엄격함으로 강철과 신화를 맞설 수 있음을 이미 입증했다. 개인적 비전을 추구하는 이 엄격함, 형식의 엄밀함과 상징적 너그러움을 조합하는 능력, 말하기보다 조각하기를 고집하는 태도: 이것이 바로 니콜라 부드라그에게서 찬사를 받을 만한 점이다. 나머지, 경매 기록, 권위 있는 비엔날레, 그리고 수상 경력은 오랜 시간 강철 속과 시간 속에서 묵묵하고 끈기 있게 자신의 길을 파 내는 작업 표면의 거품에 불과하다.
- 줄리앙 델라그랑쥬, “니콜라 부드라그와의 대화”, Contemporary Art Issue, 2024
