잘 들어봐요, 스놉 여러분! 지금은 우리 시대의 악마들을 드문 강렬함으로 춤추게 하는 예술가에 대해 이야기할 때입니다. 다미앙 데루베는 단순한 화가, 판화가, 조각가가 아니라 우리의 집단 무의식 속 괴물들을 추출하여 현대적인 죽음의 춤으로 캔버스 위에 행진시키는 시각적 주술사입니다. 파리와 룩셈부르크의 노스바움 레딩 갤러리에서 그 예술가와의 연이은 만남은 이 첫 인상을 확인시켜 주었습니다. 그의 작업에 대해 열렬하게 말하는 열정, 듀러의 판화, 메탈 음악, 중세 죽음의 춤 사이의 독특한 관계를 짜내는 방식, 숨겨진 층을 드러내기 위해 각 이미지를 해체하는 방법 등은 제 안에 떠나지 않는 예술에 대한 비전을 심어주었습니다. 이러한 만남들은 제 작품뿐 아니라 일반적인 예술 감상 방식까지 변화시켰습니다.
프랑스 동부의 파리와 메이센탈 사이 작업실에서 데루베는 중세 해골과 투명한 문어가 공존하며, 렘브란트의 앙상한 나무들이 메탈 그룹의 로고와 엮이는 기괴한 발레를 지휘합니다. 그의 작품들은 각각의 층이 우리의 문화사 속 새로운 층을 드러내는 시각적 증언으로, 마치 예술가가 우리의 집단 정신에 대한 고고학적 발굴을 실시한 듯합니다.
2014년의 그의 대작 “World Downfall”(268 x 410 cm)을 보십시오. 이 작품은 레이스 추가, 루네빌 자수, 망아지 가죽과 천 조각이 결합된 세 패널로 된 태피스트리입니다: 그 안의 형상들은 지옥의 안무 속에서 뒤틀리며, 중세의 죽음의 춤을 기이하게 떠올리게 합니다. 하지만 데루베는 단순한 향수병에 걸린 이가 아니며, 이러한 역사적 참조들을 본질적으로 현대적인 무언가로 전환합니다. 일그러진 두개골들은 오디오 헤드셋을 쓰고, 해골들은 스마트폰을 들고 있으며, 악마들은 다국적 기업 로고를 드러내고 있습니다.
데루베의 천재성은 바로 여기서 나타납니다: 시대를 가로지르는 아찔한 다리를 만드는 능력에 있습니다. 그는 자신이 자식을 먹어치우는 크론오스처럼 예술사를 게걸스럽게 삼키지만, 그가 다시 내뱉는 것은 항상 변모되어, 우리 시대에 대한 예리한 시선으로 변형됩니다. 17세기의 허무주의는 그의 붓 아래서 우리의 소비사회에 대한 신랄한 묵상으로 바뀝니다.
그의 작업은 철학자 발터 벤야민의 역사와 집단 기억에 대한 이론과 공명합니다. 벤야민에 따르면 과거는 단순한 사건들의 연대기가 아니라, 상호 빛을 비추며 시간 앞뒤를 뛰어넘는 예상치 못한 연결을 만들어내는 이미지와 순간들의 성좌입니다. 데루베는 마치 만화경처럼 자신의 작품에서 바로 그것을 해냅니다.
“Das große Glück”에서, 2008년의 거대한 목판화 작품에서, 데루베는 뒤러의 네메시스 도상을 재해석하여 권력에 대한 현대적인 우화를 창조한다. 날개 달린 신은, 독일 거장의 집착적인 정밀함을 떠올리게 하는 깃털 묘사와 함께, 다수의 유방을 가진 에페소스의 아르테미스와 혼합되어 있다. 이 시대착오적인 융합은 벤야민의 시간적 별자리로서의 역사를 완벽하게 구현하는 괴물 같은 형상을 만들어낸다.
국립도서관(BnF)에서 막을 내린 전시회 “En un jour si obscur”는 역사와의 대화를 한층 더 심화시킨다. 데루베는 자신의 작품들과 판화실의 보물들을 대조하여 시각적 공명을 세기를 넘어 이어간다. 렘브란트의 판화 한 점이 현대 설치미술과 공명하고, 뒤러의 한 디테일이 거대한 회화 작품 속에 되살아난다. 이러한 병치는 단순한 스타일 연습이 아니라, 우리의 시대를 이전 시대들과 연결하는 은밀한 지속성을 드러낸다.
최근 작품에서 반복되는 문어 형상은 이러한 접근 방식을 완벽하게 보여준다. 2021년작 “Time”에서 두족류는 해골과 이색적인 수중 왈츠를 춘다. 그의 붓 아래 이 다형태 생물은 흐르는 시간, 적응 지능, 그리고 자연과의 불안한 관계를 상징하는 양면적인 상징이 된다. 연출된 연체동물과 해골의 싸움은 뒤러의 판화를 연상시키지만, 우리의 현대 생태학적 불안을 통해 여과되어 표현된다.
그의 작품에서 텍스트 사용은 특히 흥미롭다. 작품 안에 떠다니는 단어들은 단순한 주석이나 설명이 아니라 중세 원고처럼 이미지의 불가분한 일부가 된다. “Life”, “Time”, “Death”와 같은 단순한 단어들이 그의 시각적 드라마 속에서 독립된 행위자가 되어 구성 요소들 간의 의미적 다리를 놓는다.
이 접근 방식은 벤야민의 번역 이론을 떠올리게 한다. 의미는 단순한 메시지 전달에서 생기는 것이 아니라, 언어 간 차이와 공명에서 생성된다. 데루베는 중세부터 현대, 성스러운 것에서 세속적인 것, 역사적인 것에서 개인적인 것까지 다양한 시각 어휘를 끊임없이 번역한다. 각각의 시각적 번역은 새로운 의미 별자리를 형성하며, 시간과 역사에 대한 우리의 관계를 이해하는 새로운 방식을 제시한다.
“Homo Bulla”에서, 메이센탈 국제유리예술센터에서 만들어진 이 장대한 설치 작품은 마치 죽음의 태양계 속 행성들처럼 음침한 무늬가 새겨진 유리 방울들이 공간에 떠 있다. 각각의 구체는 15세기 죽음의 무도에서 유래한 형상들이 새겨져 있으나, 공간 내 배치는 미니멀리즘 설치 작업과 메탈 음반 커버를 연상시키는 현대적인 안무를 만들어낸다.
20점의 에칭으로 이루어진 “El origen del Mundo” 시리즈는 시간층 탐구를 더욱 심화시킨다. 각각의 판화는 역사적 참조들이 현재와 충돌하는 하나의 소우주이며, 형상들은 마치 시각적 영매술 세션에서 소환된 유령처럼 종이 깊은 곳에서 튀어나오는 듯하다. 이 시리즈의 제목 자체가 쿠르베의 유명한 그림을 가리키며, 이 시간적 얽힘에 추가적인 의미 층을 더한다.
그의 작품에서는 폭력이 만연하지만, 결코 무의미하지 않습니다. 그것은 체계적이고 구조적인 폭력이며, 예술사의 필터를 통해 본 현대 세계의 폭력입니다. “Gott mit uns” (2011)에서는 판각된 나무판과 동물 해골로 이루어진 기념비적인 설치작업으로, 드루베는 중세 무도회의 모티브와 현대 분쟁의 아이콘을 오싹한 대화로 엮어냅니다.
이 맥락에서 그의 판각 사용법은 특히 의미심장합니다. 이 고대 기술은 그의 손에서 디지털 이미지의 확산에 대한 저항 도구가 됩니다. 그의 기념비적인 목판화들은 시각 문화의 과포화된 직물에 남겨진 상처 같으며, 예술의 물질성을 상기시키는 물리적 흔적입니다. 반복적 동작과 제어된 폭력을 동반한 판각의 과정 자체가 역사와의 관계에 대한 은유가 됩니다.
“Garage Days Re-visited” (2016)에서, 피카소의 게르니카에 대한 반응으로 창작된 이 기념비적인 작품에서 드루베는 이 논리를 극점으로 끌어올립니다. 큰 나무 판각판들은 인쇄되지 않고 직접 전시되며, 행렬이 독립된 예술작품으로 전환됩니다. 이 급진적인 결정은 예술 과정의 물질성을 강조하는 동시에 예술사와 복잡한 대화를 창출합니다.
게르니카에 대한 언급은 우연이 아닙니다. 1991년 알레르 전시에서 태피스트리 형태로 본 이 작품이 드루베의 예술가로서의 소명을 촉발시켰습니다. 이 결정적인 순간은 과거와 현재가 상호 인식의 번쩍임 속에서 만나는 벤야민의 변증법적 이미지 이론을 완벽히 보여줍니다.
생에티엔 현대미술관에서 열린 “Headbangers Ball” 전시는 이 통합을 매우 잘 드러냅니다. 메탈 음악에 대한 언급은 예술사 인용과 뒤섞여 귀를 찢는 시각적 교향곡을 이룹니다. 머리들은 마치 상상의 메탈 음악 리듬에 따라 흔들리듯이, 현대의 무도회 춤을 만듭니다. 이 전시는 드루베가 겉으로는 양립할 수 없을 것 같은 참조들을 어떻게 시대에 맞는 일관된 시각으로 융합하는지를 보여줍니다.
그가 설치작품에서 공간을 다루는 방식도 의미심장합니다. 파리 사냥과 자연 박물관에서의 “오르페우스의 가방”에서는 작품들이 관객이 서로 다른 시간대를 오가도록 초대하는 몰입형 환경을 만듭니다. 원시 동굴 재현은 색채가 강렬한 그림들과 대형 목판화와 나란히 놓여 시간의 미로를 만들며, 각 회전마다 새로운 의미의 별자리를 드러냅니다.
벤야민의 영향은 드루베가 진보 개념을 다루는 방식에서 특히 감지됩니다. 철학자와 예술가 모두에게 진보는 전진하는 승리의 행진이 아니라, 역사 천사가 공포로 직시하는 폐허의 축적입니다. 역사 조각들이 충돌하는 드루베의 구성은 이 시각을 완벽히 구현합니다.
“Der Schlaf der Vernunft” (2011)에서 드루베는 고야의 “괴짜들”을 직접 참조하는 설치작업을 창조하면서 현대 문화 요소들을 통합합니다. 이성이 수면 중에 겪는 괴물들은 더 이상 환상 속 생물이 아니라, 환경 파괴, 체계적 폭력, 디지털 소외라는 우리 시대의 실재하는 악마들입니다.
데루베(Deroubaix)의 작품이 오늘날 여전히 매우 의미 있는 이유는 그의 예술이 역사에 깊이 뿌리내리면서도 확고하게 현대적이기 때문입니다. 그는 단순히 과거를 인용하는 것이 아니라 그것을 재활성화하여 현재와 시급하고 필수적인 대화를 나누게 합니다. 그의 작품들은 우리의 시대를 역사의 프리즘을 통해 바라볼 수 있게 하는 타임머신과 같습니다.
“Tina’s Daughter” (2015)에서, 마거릿 대처의 유명한 슬로건 “There Is No Alternative”를 참조하는 이 작품에서 데루베는 복잡한 현대 자본주의의 우화를 창조합니다. 날카로운 이빨을 가진 말들이 화덕 주위에 모여 있고, “A NN AA”라는 글자가 장면 위에 떠다니며 동시에 신용평가등급 AAA와 나치의 ‘나흐트 운트 네벨(Nacht und Nebel)’ 명령을 암시합니다. 이렇게 역사적 및 현대적 참조의 응축은 우리 시대의 경제적 폭력을 강력하게 표현하는 이미지를 만들어냅니다.
데루베의 작업에서 특히 인상적인 것은 다양한 참조에도 불구하고 미학적 일관성을 유지한다는 점입니다. 판화, 회화, 태피스트리 또는 유리 작업을 하든 그의 시각 언어는 인식할 수 있습니다. 그것은 동시에 우리의 과거와 현재를 말하는 언어로, 문화사의 연속성과 단절을 볼 수 있게 해줍니다.
그의 캔버스를 가득 메우는 괴물들은 단순한 환상적 존재가 아니라 우리의 내면 악마, 집단적 두려움, 현대적 불안의 실체입니다. 고대 메소포타미아 신과 현대적 요소가 혼합된 거대한 목판화 “EA Lord of the Depths” (2011)에서 데루베는 시간을 초월하는 이미지를 창조하여 고대의 두려움을 현대의 불안과 연결합니다.
그의 작품은 예술이 단순히 미학이나 기술의 문제가 아니라 세계와 우리 위치를 생각하는 방식임을 상기시켜줍니다. 예술사와의 끊임없는 대화, 전통 기법의 재적용, 그리고 우리 시대에 대한 예리한 시각을 통해 데루베는 뿌리 깊고 급진적이며 역사적이면서도 현대적인 예술을 창조합니다.
현대 미술이 종종 역사와 단절된 듯 보이는 반면, 데루베의 작품은 과거와의 대화를 유지하는 것이 얼마나 중요한지 상기시켜줍니다. 단지 향수나 학식 때문이 아니라, 우리가 어디에서 왔는지 이해해야만 우리가 어디로 가는지 알 수 있기 때문입니다. 그의 작품들은 현재의 불확실한 물살을 헤쳐 나가게 도와주는 시간의 나침반이며, 어제의 괴물들이 여전히 우리 곁에 다른 모습으로 존재한다는 사실을 상기시켜줍니다.
