잘 들어봐요, 스놉 여러분, 이제 데릭 포드저 (1974년생)에 대해 이야기할 시간입니다. 그는 불안정을 시(poetry)로 바꾸고 신문지를 금으로 만듭니다. 그러나 투기꾼들의 금이 아니라 변혁을 이해하는 연금술사들의 금입니다. 그의 예술 세계에서 재료의 각 층은 의미의 층위를 이루며, 각각의 찢어진 자국은 계시가 되고, 각 퍼포먼스는 우리 공통의 조건에 대한 묵상이 됩니다.
Fordjour는 단순한 화가가 아니라, 취약성의 건축가이자 불확실성의 안무가입니다. 브롱크스의 작업실에서 그는 판지가 소중해지고 신문지가 섬세한 피부가 되는 시각적 교향곡을 연출합니다. 그의 기법은 바흐의 푸가(복종과도 같은 다성음악)처럼 복잡하여, 캔버스 위에 최대 열 겹의 재료를 쌓아 전통적인 회화의 평면성을 거스르는 울퉁불퉁한 지형을 만듭니다. 특징적인 연어색을 띤 Financial Times는 그의 대표적인 매체가 되었는데, 이는 결코 우연이 아닙니다. 이 신문은 세계 자본주의의 성경과도 같으며, 재활용되고 변형되며 전복되어 가치, 성과, 불안정에 관한 성찰의 바탕이 됩니다.
그의 최신 전시인 Petzel Gallery의 “SCORE”(2023)를 예로 들어보겠습니다. 제목 자체가 다중 의미를 갖는 의미론적 악보입니다: 점수를 내다, 기록을 유지하다, 음악을 작곡하다, 표면을 파다. 이 다의어성은 Fordjour의 다차원적 접근과 공명합니다. 이 전시에서 그는 회화, 조각, 설치, 퍼포먼스가 서로 연결되고 상호 보완하는 완전한 예술 생태계를 만듭니다.
“Wunderkammer” 설치 작품은 그의 사고를 특히 잘 드러냅니다. 두 층으로 구성되어 있으며 미묘하지만 신랄한 제도 비판을 보여줍니다. 위층에는 고급스럽고 세련된 조각들이 조명이 은은하고 통제된 분위기의 진열장에 전시되어 있습니다. 지하에서는 수행자들이 위층의 디오라마를 작동시키는 메커니즘을 힘겹게 조작합니다. 이 공간적 분리는 마르크스의 기반과 상부 구조 이론을 연상시키지만, Fordjour는 이를 현대의 끊임없는 쇼 시대에 맞게 재창조합니다.
“CONfidence MAN”(2023)에서는 우아하게 옷을 입은 흑인 남성이 다채로운 풍선을 들고 있습니다. 이 작품은 “confidence”라는 용어의 모호성을 활용합니다: 신뢰와 사기가 복잡하게 뒤얽힌 춤을 추듯이. 등장인물의 완벽한 수트는 1940년대의 “주트 슈트(zoot suits)”를 연상시키는데, 이는 스타일의 선언이자 문화 저항 행위였습니다. 그가 든 풍선은 열망의 상징일까요, 아니면 구명 부표일까요? 이 양면성은 프란츠 파농이 식민지인이 쓰는 가면, 즉 일상적 생존과 저항의 퍼포먼스에 관해 반성한 내용을 떠올리게 합니다.
퍼포먼스는 Fordjour 작품의 핵심이며, 단순한 주제가 아니라 존재 조건입니다. “Arena”(2023)에서 그는 흙바닥과 나무 관중석이 있는 원형 공연 공간을 만듭니다. 하루 두 차례, 안무가 Sidra Bell의 지휘 아래 무용수들이 개인의 취약성과 집단의 힘 사이 긴장을 탐구하는 동작 악보를 선보입니다. 이 작품은 안토닌 아르토의 잔혹극 이론을 반향하며, 퍼포먼스는 변형의 의식이 됩니다.
Black Banjo Reclamation Project의 Hannah Mayree 음악은 이 퍼포먼스를 동반하며 작품을 문화 저항 전통에 뿌리내리게 하는 음향적 차원을 더합니다. 반도 악기는 아프리카 기원으로 백인 미국 문화에 의해 채택되었으며, 여기서 본래 뿌리를 되찾으면서도 전적으로 현대적인 것을 창조합니다. 이는 Stuart Hall이 말하는 문화적 접속의 순간, 과거와 현재가 만나 새로운 의미의 가능성을 창조하는 순간입니다.
그의 그림에 등장하는 운동 선수들은 단순한 움직임의 형상이 아닙니다. “Swimming Lessons”(2023)에서는 포드저가 수영 배우는 장면을 전수와 생존에 대한 명상으로 변모시킵니다. 위험과 해방이라는 모순적인 요소인 물은 변형의 매체가 됩니다. 이 작품은 가스통 바슐라르의 물에 대한 물질적 상상 이론과 대화하며, 인종차별 시대 미국에서 공공 수영장 접근의 복잡한 역사를 참조합니다.
그의 흑인 기수들에 관한 시리즈는 역사와 현대적 우화를 교차시키는 방식에서 특히 강력합니다. 이 작품들은 19세기 말 아프리카계 미국인 기수들의 황금기와 이후 미국 경마장들의 체계적 배제를 상기시킵니다. “The Second Factor of Production”(2021)에서 기수들은 연속적인 움직임 속에 갇혀, 에티엔-줄 마레이의 시간사진처럼 그들의 실루엣이 여러 번 겹칩니다. 이 리듬감 있는 반복은 들뢰즈의 차이와 반복 개념을 떠올리게 하며, 각 반복은 미묘하지만 중요한 변화를 가져옵니다.
포드저의 창작 과정 자체는 통제된 취약성의 퍼포먼스입니다. 그가 더하는 각 층은 아래를 질식시킬 위험이 있습니다. 그가 내는 각 절개는 표면의 온전함을 위협합니다. 구축과 파괴 사이의 이 긴장은 일본의 긴츠기 개념을 상기시키는데, 긴츠기는 물체의 금이 간 부분을 감추지 않고 금으로 강조하는 기법입니다. 포드저의 작품에서는 표면의 찢어짐과 긁힌 자국이 폭로가 되며, 더 깊은 진실로 들어가는 입구가 됩니다.
“Chorus of Maternal Grief”(2020)에서 그는 맘미 틸-모블리부터 타미카 팔머까지, 슬픔에 잠긴 어머니들의 초상 연작을 통해 집단적 애도 문제를 다룹니다. 이 작품은 고대 그리스 비극의 울음 애인(pleureuse)들을 떠올리게 하며, 이 여성들이 공공의 애도를 통해 집단적 고통에 목소리를 부여했습니다. 그러나 포드저는 더 나아가, 이러한 고통의 인물들을 저항과 존엄성의 아이콘으로 변모시킵니다.
포드저의 색상 팔레트는 거의 환각적인 강렬함으로 진동하며, 전통적인 색채 관습에 도전하는 예상치 못한 화음을 만듭니다. 로스앤젤레스 MOCA를 위한 그의 대형 벽화 “Sonic Boom”(2023)에서 색상은 시각적 팡파레처럼 폭발하여, 박물관의 외관을 전통적으로 흑인 대학의 팡파레 축하 행사로 변화시킵니다.
그의 공간 접근법 또한 혁신적입니다. 세인트루이스 현대미술관에서의 설치작품 “SHELTER”(2020)에서는 파도 모양 금속판과 다진 흙으로 이루어진 몰입형 환경을 창조했으며, 기계장치를 통해 빗소리를 모방했습니다. 이 작품은 멸균된 박물관 공간을 통제된 불안정성의 장소로 바꾸어, 방문객들이 물리적으로 불안정한 땅과 협상하도록 만들었습니다.
그의 작업의 교육적 측면 또한 간과해서는 안 됩니다. 예일 미술학교 교수이자 쿠퍼 유니언의 알렉스 카츠 의장 전임자인 포드저는 전수의 중요성을 이해합니다. 그의 최근 프로젝트인 Contemporary Arts Memphis는 취약한 커뮤니티 출신의 젊은 예술가들에게 기회를 창출하는 것을 목표로 합니다. 이 이니셔티브는 요제프 보이스가 예술가의 사회적 역할과 사회 변혁의 동력으로써 예술에 대해 한 고찰과도 상응합니다.
포드저의 인형극 작업, 특히 “Fly Away”(2020)는 그의 공연과 통제에 대한 탐구에 또 다른 차원을 더합니다. 인형극 연출가 닉 리한과 협력하여 권력과 자율성의 역학을 질문하는 공연을 만듭니다. 이 공연들은 하인리히 폰 클레이스트의 인형극에 관한 이론을 떠올리게 하는데, 그곳에서 은총은 의식적인 통제를 포기함에서 기묘하게 탄생합니다.
데이비드 코르단스키 갤러리에서 열린 그의 최근 전시 “Magic, Mystery & Legerdemain” (2022)는 환상과 권력에 관한 이런 성찰을 이어갑니다. 블랙 허먼과 같은 미국 흑인 마술사들의 역사를 영감으로 삼아, 포드저는 마술을 사회적 특권의 은유로 탐구합니다: 누가 공개적으로 속일 권리가 있는가? 누가 관객의 불신을 잠재울 수 있는가? 이 질문들은 W.E.B. 두 보이스의 아프리카계 미국인들의 “이중 의식” 분석과 공명합니다.
그의 가장 최근 설치 작품에서, 포드저는 현실과 환상의 경계 탐구를 더욱 확장합니다. “Score”는 관객과 참여자 사이의 경계를 흐리는 라이브 퍼포먼스를 통합합니다. 이 접근법은 바우하우스의 실험들을 떠올리게 하는데, 그곳에서 예술, 공연, 건축이 융합되어 총체적 경험을 창조했습니다. 하지만 바우하우스가 모더니스트 유토피아를 추구했던 반면, 포드저는 우리 시대의 복잡함과 불확실성을 포용합니다.
포드저의 작품은 우리로 하여금 취약성에 대한 근본적인 재고를 촉구합니다. 힘과 통제의 외양에 집착하는 세상 속에서, 그는 우리의 인간성이 바로 공통된 연약함을 인식하고 받아들이는 능력에 있음을 상기시킵니다. 에두아르 글리상(Édouard Glissant)이 썼듯, 세계와의 관계는 우리 자신의 불투명성, 어둠과 불확실성의 영역을 수용함으로써 형성됩니다.
소박한 재료를 눈부신 복잡성의 작품으로 변모시키고, 불안정을 저항과 축하의 춤으로 안무하며, 포드저는 깊이 개인적이면서도 보편적으로 공감되는 예술을 창조합니다. 그의 작품들은 이상적인 세계를 엿보는 창이 아니라, 모든 균열과 아름다움을 지닌 우리의 모습을 되비추는 거울입니다. 그의 작업은 공유된 취약성이 우리의 가장 큰 힘이 될 수 있음을 일깨웁니다.
