잘 들어봐요, 스놉 여러분, 여기 여러분의 부르주아 거실을 꾸미기 위해 예쁜 그림만 그리는 예술가가 있습니다. 델 캐슬린 바튼은 30년 넘게 여러분의 내면을 사로잡고 놓아주지 않는 시각 세계를 펼쳐왔습니다. 1972년 호주 출신인 그녀는 여성 무의식 깊은 곳에서 뽑아낸, 매력적이면서도 불안한 이질감 사이를 오가는 강렬한 비전을 담은 작품을 구축해왔습니다.
그녀의 그림은 고정된 영화와 같습니다. 각 구성은 이야기를 전하며, 인간 형상과 혼합 생물이 뒤섞인 심리적 색채가 짙은 풍경 속에서 집착적인 색과 세부로 이루어진 시각 이야기를 펼칩니다. 바튼은 어릴 적부터 예술이 선택이 아니라 생존의 필수인 진정한 창조자들의 특징인 강박으로 그려왔습니다. “제가 할 수 있는 말은 이 작품이 저에게 엄청나게 중요하고, 생명의 원천과 같다는 것입니다,”라고 그녀는 숨김없이 고백합니다.
심층 정신분석 : 클라인과 창조적 퇴행 예술
델 캐슬린 바튼의 작품은 자연스럽게 정신분석 이론, 특히 멜라니 클라인이 고안한 우울 위치와 초기 대상 관계[1]를 다룬 이론과 대화합니다. 프로이트가 오이디푸스콤플렉스에 중점을 둔 반면, 클라인은 생애 초기와 정신을 구조화하는 원초적 환상에 집중했습니다. 이러한 접근은 바튼의 세계에서 여성 형상들이 박해 불안과 치유 사이의 영속적 대화에 갇혀 있는 것처럼 보이는 점과 놀랍게 맞닿습니다.
바튼의 인물들은 과장된 눈과 날카로운 시선으로 즉각적으로 클라인의 내부 대상 세계를 떠올리게 한다. 클라인은 아이가 부모 형상을 선하거나 악한 내부 대상으로 내면화하며 친절한 유령이나 박해자의 심리적 세계를 만든다고 설명했다. 바튼의 그림 속 이 역학은 시각적으로 강렬하게 나타난다: 그녀의 크고 투명한 눈을 가진 소녀들은 초기 관계의 모든 기억을 간직한 듯하다. “나는 아이나 아기에 대한 경험 없이 어머니가 되었고, 그들의 눈빛의 명료함에 감동했다… 그 눈은 크게 뜨여 있었고, 이것이 내 인생에서 가장 인상적인 경험 중 하나였던 것 같다,”라고 그녀는 아들에 대해 설명한다.
어머니됨의 경험은 바튼 작품의 중심으로서 정확히 이 클라인적 쟁점을 재활성화한다. 클라인에게 어머니는 이상화된 인물이 아니라 영양을 주기도 파괴하기도 하는 복잡한 대상이다. 바튼은 특히 2008년 아치볼드 상 작품의 가족 자화상에서 식물과 동물 형태가 얽힌 모습으로 두 자녀와 함께 자신을 표현하며 이 양가성을 탐구한다. 이러한 신체의 융합은 아동이 자신을 보호하거나 통제하기 위해 어머니 대상에 자신을 투사하는 클라인의 투사적 동일시 이론을 떠올리게 한다.
바튼의 기법 자체, 즉 집착적인 세부 묘사, 반복되는 모티프, 채도 높은 색상은 우울 불안에 대한 클라인의 방어 메커니즘을 연상시킨다. 그녀는 문자 그대로 캔버스의 빈 공간을 메우고, 사랑하는 대상 상실과 허무함을 암시할 수 있는 흰 공간을 거부한다. 혼종의 생명체들, 반은 여성, 반은 동물, 반은 식물인 이 존재들은 클라인이 모든 예술 창조의 원동력으로 보았던 창조적 치유 능력을 구현한다.
더욱 혼란스러운 것은, 바튼의 세계가 클라인이 “유대에 대한 공격”이라 부른 것에 의해 사로잡힌 듯 보인다는 점이다. 그녀의 인물들은 밀폐된 세계, 퓨전적이고 파괴적인 관계가 공존하는 정신적 버블 속에서 살아간다. 그녀의 인물을 연결하는 꽃의 촉수는 동시에 영양을 주거나 목을 조르며 보호하거나 가두기도 한다. 이 근본적인 양가성은 작품 전반에 걸쳐 흐르며, 불편하면서도 매혹적인 독특한 강렬함을 부여한다.
클라인 이론의 도움으로 바튼의 예술이 관객에게 이렇게 본능적 반응을 일으키는 이유를 이해할 수 있다. 그녀는 우리 무의식을 채우는 원시적 환상을 형태로 구현함으로써 우리가 극복했다고 생각했던 근본적 감정을 재활성화한다. 그녀의 작품은 각자가 자신의 내부 대상, 근본적 불안을 발견할 수 있는 투사 스크린으로 기능한다. 이 점에서 그녀의 작업은 단순한 미적 즐거움을 넘어서 클라인이 진정한 예술에 부여한 정화적 차원에 도달한다.
이 정신분석적 관점은 바튼이 최근 영화로 진화한 것도 밝힌다. 자신의 어린 시절 외상을 바탕으로 한 영화 “블레이즈”(2022)에서 그녀는 외상적 침입에 대응하는 방어기제 탐구를 더 심화시킨다. 영화 매체를 통해 외상의 시간성, 지속성, 재발을 탐구하는데, 이는 수리 이론에서 핵심 주제이다.
현대 호주 영화 : 여성 저항 미학
델 캐슬린 바튼(Del Kathryn Barton)이 그녀의 장편 영화 “Blaze”(2022)를 통해 현대 호주 영화계에 이름을 올린 것은 그녀 작업의 또 다른 차원을 드러냅니다. 그것은 그녀의 나라 영화 전통과 대화하는 차원입니다 [2]. 호주는 1970년대 이래로 젠더와 정체성 문제에 특히 주목하는 작가 영화계를 발전시켜왔으며, 이는 개척자 제인 캠피언(Jane Campion)과 같은 여성 감독들에 의해 주도되었고, 그들은 새로운 세대의 여성 창작자들의 길을 열었습니다.
현대 호주 영화는 집단적이고 개인적인 트라우마를 친밀한 서사를 통해 탐구하는 능력으로 특징지어집니다. 이 전통은 바튼이 “Blaze”에서 특히 완성도 있게 표현하는데, 이 작품은 어린이 성적 트라우마 문제에 정면으로 접근합니다. 폭력을 스펙타클화하는 상업적 영화와는 달리, 바튼은 시각적으로 표현하기 어려운 것을 표현할 수 있는 언어를 만들기 위해 애니메이션과 시각 효과를 사용하여 시적이고 은유적인 접근법을 취합니다.
이 접근법은 트라우마 경험에 대해 특정한 여성적 시각을 발전시킨 호주 여성 영화 감독들의 계보에 속합니다. 제인 캠피언은 “The Piano”에서 이미 매우 강렬한 시각 언어를 통해 여성 심리의 어두운 영역을 탐구한 바 있습니다. 바튼은 자신만의 미술가적 감수성을 더해 이 전통을 이어가며, 시각 예술과 영화 두 영역을 모두 차용하는 하이브리드 영화를 만들어냅니다.
“Blaze”에서의 애니메이션 사용은 어린 시절 트라우마에 대한 방어 메커니즘을 깊이 이해하고 있음을 보여줍니다. 애니메이션 장면들은 어린이의 상상력, 보호하거나 위협하는 생물로 가득 찬 내면 세계를 나타냅니다. 이러한 접근은 상상력이 견디기 힘든 현실로부터 피난처가 될 수 있다는 트라우마에 관한 현대 연구와 맞닿아 있습니다.
단편 영화 “RED”(2017)에서 어머니 역할을 맡은 케이트 블란쳇(Cate Blanchett)의 선택은 우연이 아닙니다. 호주 영화계의 아이콘인 블란쳇은 복잡하고 모호한 역할에 익숙한 여배우로서 이 프로젝트에 자신의 경험을 더합니다. 그녀의 존재는 바튼의 작업을 인간 경험의 가장 어두운 측면들을 탐구하는 것을 주저하지 않는 호주 영화 전통에 단단히 뿌리내리게 합니다.
바튼과 호주 영화 기관들의 협력은 여성의 창작활동에 우호적인 생태계가 존재함을 드러냅니다. Screen Australia의 지원과 여러 상 수상은 이 나라가 야심차고 독창적인 예술 프로젝트를 지원할 수 있는 구조를 발전시켰음을 보여줍니다.
이 제도적 측면은 단순한 에피소드가 아닙니다. 이는 전통적으로 남성들이 지배해온 분야에서 여성의 목소리를 지원하려는 정치적 의지를 드러냅니다. 회화에서 영화로의 바튼의 여정은 호주 생태계가 예술가들이 경계를 허물고 여러 예술 실천을 교차시키는 프로젝트를 발전시킬 수 있도록 하는 능력을 완벽히 보여줍니다.
바튼의 영화에서 발전된 미학은 자연스럽게 그녀의 회화 작업을 연장합니다. 동일한 시각적 집착들이 나타납니다: 색상의 포화, 세부의 축적, 형태의 혼합. 이러한 스타일적 연속성은 드문 예술적 일관성을 보여주며, 다양한 매체에 적응할 수 있는 개인적 시각 언어를 발전시킨 창작자의 모습을 드러냅니다.
보다 넓게 보면, 바튼의 영화감독으로서의 등장과 여성 작가 영화의 재정의라는 전 세계적인 움직임이 맞물려 있습니다. 셀린 시아마(Céline Sciamma)나 클로이 자오(Chloé Zhao)와 같은 감독들처럼, 그녀는 전통적인 서사보다 감각적이고 감정적인 경험을 우선시하는 영화 접근법을 발전시키고 있습니다. 이 새로운 세대의 여성 창작자들은 오랫동안 은폐되거나 주변화되었던 경험을 표현할 수 있는 독창적인 영화 형식을 발명하고 있습니다.
“Blaze”가 세계 영화를 대표하는 주류 영화계에 미친 영향은, 호주 예술이 국경을 넘어서는 작품을 생산할 수 있는 능력을 입증합니다. 이 영화는 트라우마에 대한 혁신적인 접근과 전례 없는 시각 언어를 창조하는 능력으로 찬사를 받았습니다. 이러한 국제적인 인정은 바튼을 세계 무대에서 독특한 비전을 확립한 위대한 호주 창작자들의 계보에 올려놓습니다.
재료의 연금술 : 인공과 진정성 사이
델 캐슬린 바튼의 기술적 접근은 자연과 인공, 진짜와 가짜 사이의 경계를 질문하는 예술 철학을 드러냅니다. 그녀의 팔레트는 전통적인 과슈, 산업용 글리터, 스팽글, 마커를 혼합해 귀하고 천한 재료 사이에 위계를 거부하는 시각적 질감을 만듭니다. 이 접근은 단순하지 않습니다: 그것은 전통적 미학 범주들이 산산이 부서지는 세상에 대한 그녀의 시각을 표현합니다.
그녀의 잡종 생물들은 자연주의적 논리가 환상적 생물학으로 대체되는 불가능한 생태계에서 움직입니다. 다중 유방을 가진 여성, 식물과 동물이 결합된 생명체, 과도하게 큰 눈을 가진 아이들이 꿈이나 악몽에서 튀어나온 듯한 사이키델릭한 풍경을 채웁니다. 이러한 잡종화 미학은 정체성, 성별, 종 간 경계에 대한 우리의 확신에 의문을 제기합니다.
바튼의 세부 사항에 대한 집착은 강박에 가깝습니다. 캔버스의 모든 제곱센티미터가 작업되어 시각 정보를 가득 채워 광학적 현기증을 만듭니다. 이 공허 공포는 강박적 메커니즘을 떠올리게 하며, 마치 예술가가 축적으로 불안을 몰아내려는 듯합니다. 그녀는 “내 그림들은 매우 개인적인 상징체계로 구성되어 있어… 반복되는 패턴에서 에너지 넘치는 시각적 질감이 있다”고 설명하며, 그 실천의 준치유적 차원을 드러냅니다.
과잉의 기술은 역설적인 효과를 낳습니다. 한편으로는 장식적인 기교와 즉각적인 시각적 영향으로 매혹하지만, 다른 한편으로는 측정의 거부와 침범 경향으로 불편함을 줍니다. 바튼의 작품은 평화롭게 감상되지 않습니다: 관객에게 완전한 몰입과 참여를 요구합니다.
바튼의 색채는 직접적인 감정 언어처럼 작용합니다. 휘시아 핑크, 산성 녹색, 금속성 금색이 이성을 배제하고 감정을 바로 자극하는 색채 조화를 창출합니다. 이러한 표현주의적 색채 사용은 마티스에서 호크니에 이르는 미술사 속 위대한 색채가들과 그녀 자신의 시각 문법을 발전시키는 데에 가깝습니다.
대조적인 비평적 수용
델 캐슬린 바튼의 작품은 대중을 매료시키는 만큼이나 비평가들의 의견을 분열시킵니다. 그녀의 반대자들은 일종의을지 과장법과 형태를 내용보다 우선시하는 경향을 지적합니다. “바튼이 때때로 회화에서 내용보다 형식을 중시한다는 비판을 받았다”고 한 비평가는 그녀 작품의 시각적 유혹과 개념적 깊이 사이의 지속적인 긴장을 지적합니다.
이 비평은 근거 없는 것이 아니다. 바턴의 미학은 즉각적으로 매력적인 차원 때문에 장식적으로 이용될 위험이 있다. 그녀의 작품들은 시각적으로 빠르게 소비될 수 있어, 그 어두운 면과 질문하는 차원을 가릴 수 있다. 이것이 바로 아름다움의 코드를 사용해 불안한 내용을 표현하는 예술의 모든 역설이다.
그러나 이러한 모호함이 아마도 그녀 작업의 주된 힘일 것이다. 아름다움과 추함, 쾌락과 불쾌감이라는 이분법적 대립을 거부하며, 바턴은 현대적 쟁점에 완벽히 부합하는 사이의 미학을 발전시킨다. 그녀의 예술은 확신이 흔들리고 정체성이 다양화되고 해체되는 시대의 복잡함을 표현한다.
그녀 경력의 최근 발전은 “RED”(2017)와 같은 명백한 여성주의적 관심사로 나타나는데, 이는 예술적·정치적 성숙을 보여준다. 그녀는 “RED는 내가 의식적으로 만든 첫 번째 여성주의 작품이며, 현재 전 세계를 휩쓸고 있는 여성 연대의 새 물결에 깊이 공명한다고 느꼈다”고 밝혀, 그녀 실천의 전환점을 나타낸다.
이렇게 자각된 그녀 예술의 정치성은 피상성에 대한 비판을 넘어서게 해준다. 현대 여성 해방 투쟁 속에 자신의 작업을 명확히 위치시킴으로써, 그녀는 혼합의 미학에 운동적 의미를 부여한다. 그녀의 돌연변이 생물은 여성의 몸과 욕망의 해방을 메타포로 바뀐다.
새로운 영토를 향하여
델 캐슬린 바턴은 기존 분류를 거부하고 새로운 시각적 언어를 창조하는 세대를 대표한다. 회화에서 영화, 애니메이션에 이르는 그녀 경력은 어떠한 한계에도 만족하지 않는 창조적 호기심을 보여준다. 그녀의 작품은 혼란스러움을 불러일으키면서도 동시에 매혹하여, 현대 예술의 미지의 영역을 개척한다.
그녀가 클라인파 분석과 나누는 대화는 그녀 창작의 치료적 차원을 드러내며, 가장 고대의 판타지에 형태를 부여하는 예술의 능력을 보여준다. 현대 호주 영화 속 그녀 위치는 새로운 감수성의 도입으로 예술 전통이 어떻게 새로워질 수 있는지 증명한다. 마지막으로, 그녀의 혼합 미학은 복잡한 현대 세계를 생각할 시각적 도구를 제공한다.
델 캐슬린 바턴의 예술은 아름다움이 결코 고전적 조화로 축소되지 않으며, 불협화음과 불안을 통해 태어날 수 있음을 우리에게 상기시킨다. 그녀의 불가능한 생물들은 우리 자신의 변화와 변신에 대해 이야기한다. 불확실한 시대에 그녀의 작품은 가능성은 낮지만 필수적인 미래로 향하는 길을 내비친다.
- 해나 시걸, “멜라니 클라인이 정신분석 이론과 실천에 기여한 바”. 여성과 정신분석의 역사, 『시대정신』, 1999년.
- 암스트롱, 질리언. “나의 빛나는 경력” (My Brilliant Career), 1979. 여성 감독이 연출한 새로운 호주 영화의 상징적인 작품으로, 마일스 프랭클린의 소설을 각색한 작품이다.
