잘 들어봐요, 스놉 여러분, 당신들이 당신들의 신비로운 이론과 지적인 자세를 앞세워 현대미술 박람회에서 과시하는 모습들. 저는 1962년 타이페이에서 태어난 동 샤오후에에 관해 이야기하려 합니다. 그녀는 당신들의 자기만족적이고 나르시시즘에 빠진 예술계 규범에 단호히 굴복하지 않는 예술가입니다.
성난 설치미술과 공허한 개념미술이 넘치는 현대미술 풍경에서, 동 샤오후에는 조용하지만 혁명적인 힘으로 떠오릅니다. 그녀는 서양 인상주의와 도교 철학을 융합하여, 단순히 문화의 경계를 넘을 뿐 아니라 오늘날 예술 시장을 사로잡는 일시적 유행들을 초월하는 작품 세계를 구축했습니다.
그녀의 “Courtyard” 시리즈는 단순한 정원 그림 모음이 아닙니다. 그것은 속도와 끊임없는 변화를 집착하는 우리의 시대에 대한 시각적 선언문입니다. 이 작품들에서 그녀는 도시 현대화의 맹공격 속에서 사라져가는 타이페이 전통 내정의 본질을 포착합니다. 수백 년 된 나무와 이끼 낀 돌들은 그녀의 붓 아래에서 사라져 가는 수천 년의 지혜를 조용히 증언하는 존재가 됩니다. 각 그림은 발터 벤야민이 “아우라”라고 부른, 멀리 있지만 가까운 독특한 현상에 대한 심오한 명상입니다. 이 정원들은 단순한 향수를 불러일으키는 유물이 아니라, 우리의 도시 환경의 획일화 급속 확산에 맞서는 적극적인 문화 저항 공간입니다.
동 작가가 이 작품들에서 빛을 다루는 방식은 매우 드러나는 특징입니다. 순간을 포착하려는 인상주의자들과 달리, 그녀는 물체 자체에서 빛이 발산하는 듯한 광채를 창조합니다. 마치 모리스 메를로퐁티가 “눈과 정신”에서 “두 번째 빛”이라 묘사한, 외부에서 오는 것이 아니라 사물 자체에서 비롯되는 빛을 물질화한 것 같습니다. 이러한 독특한 접근법은 그녀의 그림들을 인식의 본질에 대한 진정한 명상으로 변모시킵니다.
그녀의 “Still Life of Black Table” 시리즈에서는 공간과 시간에 대한 성찰이 더욱 깊어집니다. 이 정물화들은 전통적인 장르를 넘어 마르틴 하이데거가 “존재의 개시”라고 부른 것으로 변모합니다. 그녀의 작품에서 반복적으로 등장하는 검은 탁자는 단순한 물체의 받침대가 아니라 존재적인 무게를 지닌 극장과 같습니다. 탁자의 깊은 검은색은 테오도어 아도르노가 “비가시성의 외관”이라 부른 것처럼 작용하여 관람자가 단지 표현된 물체들뿐만 아니라 세계와의 자신만의 관계를 반성하도록 초대하는 성찰의 공간을 만듭니다.
그녀가 작품 속 공간을 구성하는 방식은 기존의 모든 관습에 도전합니다. 그녀는 서양 원근법이나 중국 전통 회화의 규칙에 따르지 않습니다. 대신, 가스통 바슐라르가 “공간의 시학”이라 일컫는 개념을 창조하는데, 공간적 관계가 기하학적 규칙이 아니라 오히려 시적 논리에 의해 결정됩니다. 이런 접근법은 “The Golden Days in Courtyard”(2023)와 같은 작품에서 더욱 뚜렷하게 드러나며, 이곳에서 공간은 의식 그 자체의 은유가 됩니다.
그녀의 색채 사용도 혁명적입니다. 인상주의자들이 자연광의 진동을 포착하려 했던 반면, 동 작가는 색을 철학적 도구로 활용합니다. 그녀의 깊은 녹색과 벨벳 같은 검정색은 자연을 모방하기 위함이 아니라 질 들뢰즈가 말한 “감각의 블록”을 창출하기 위함입니다. 각 색조는 명상적 의도를 담아 관람 행위를 거의 영적인 체험으로 변화시키지만, 결코 쉬운 신비주의에 빠지지 않습니다.
그녀 작품에서 특히 주목할 점은, 평범함을 장엄함으로 변형시키면서도 현대 미술에서 흔히 볼 수 있는 화려한 인공 장치에 의존하지 않는다는 점입니다. “The Old Courtyard-Happy Flowerbed I-II”(2021)에서 그녀는 단순한 꽃밭을 우주적인 명상의 경지로 끌어올립니다. 이 평범한 것 속에서 비범함을 드러내는 능력은 조르주 페렉이 “비일상”에서 설명한, 너무 당연하게 여겨져 우리가 그 기원을 잊은 것들을 질문하는 필요성을 상기시킵니다.
그녀의 최근 작품에서 식물 모티프에 대한 처리 방식은 미셸 푸코가 말한 “사물의 질서”에 대한 깊은 이해를 드러냅니다. 그녀 작품의 식물들은 단순한 장식 요소가 아니라 철학자 프랑수아 쥘리앙이 말한 “형태 없는 거대한 이미지”에 참여하는 생명 있는 존재들입니다. 이는 “Plum blossoms in Courtyard I-II”(2023) 같은 작품에서 특히 잘 보이는데, 여기서 꽃들은 고요한 우주 드라마 속 완전한 역할을 하는 배우가 됩니다.
그녀가 전통에 접근하는 방식 역시 매우 혁명적입니다. 많은 현대 미술가들이 하듯이 회화 유산을 일괄적으로 거부하거나 전통주의자들처럼 맹목적으로 따르는 대신, 그녀는 이 유산과 비판적인 대화를 나눕니다. 1993년에 저술한 장자의 철학에 대한 깊은 이해 덕분에, 그녀는 전통과 혁신 사이의 무의미한 이분법을 초월할 수 있었습니다. 그녀는 이렇게 해서 피에르 부르디외가 말했을 “독특한 예술적 아비투스(habitus artistique)”를 만들어내는데, 이는 완전히 동양적이거나 전적으로 서양적인 것이 아닙니다.
그녀의 최근 작품들, 특히 디프틱 시리즈에서, 그녀는 전통의 융합을 더욱 심화시킵니다. 중국 전통 두루마리에서 영감을 받은 두 개의 패널 구조는 그녀의 붓끝에서 시간과 공간에 대한 우리의 인식을 질문하는 정교한 개념적 장치가 됩니다. 이 접근법은 자크 데리다가 말한 “디페랑스(différance)”를 연상시키는데, 이는 의미를 생성하는 존재와 부재 사이의 생산적 긴장입니다.
오늘날 그녀의 작업이 특히 의미 있는 이유는 현대 미술 세계를 특징 짓는 과도한 상품화에 저항하기 때문입니다. 그녀의 작품들은 인스타그램 셀피나 극적인 경매를 위한 것이 아닙니다. 그것들은 우리의 지속적인 산만함 문화에 반하는 집중의 형태를 요구합니다. 이런 의미에서, 그녀의 예술은 기 드보르가 말한 “안티-스펙터클”이 되어, 조용하지만 효과적인 스펙터클 사회에 대한 저항의 한 형태가 됩니다.
그녀 작품의 여성주의적 차원은 명시적으로 주장되지는 않았으나, 그녀의 실천에 깊게 뿌리내려 있습니다. 시몬 드 보부아르가 지적했듯이, 아직도 남성 위주인 미술계에서 여성으로서 창작한다는 사실 자체가 정치적 행위입니다. 그러나 동은 한 발 더 나아갑니다. 그녀는 여성성을 완전히 수용하는 예술을 창작하면서도 성 고정관념을 초월하는 데 성공했습니다.
정물화에 대한 그녀의 접근은 이 점에서 특히 주목할 만합니다. 전통적으로 ‘여성적’이고 하위 장르로 여겨지는 정물화를 그녀는 깊은 철학적 성찰의 매개체로 만듭니다. 2023년작 “A Peaceful Day-Pink Camellia” 같은 작품에서, 단순한 꽃꽂이를 존재 그 자체에 대한 명상으로 승화시키는데, 이는 줄리아 크리스테바가 ‘여성의 시간’이라고 부르는 순환적 시간성으로, 가부장적 선형 시간과 대립합니다.
그녀의 최근 작품에서 추상 처리 방식 또한 주목할 만합니다. 현실과의 완전 단절을 지향하는 서구 추상과 달리, 그녀의 추상은 자연 세계에 대한 세심한 관찰에서 자연스럽게 발생합니다. 이런 접근은 프랑수아 줄리앙이 중국 사상에서 설명한 “형태 없는 거대한 이미지”를 연상시키는데, 여기서 추상은 구체의 반대가 아니라 그 자연스러운 연장입니다.
그녀 작품에서 음영 공간 활용은 특히 정교합니다. 캔버스의 공백은 단순한 부재가 아니라 구성 전체를 조직하는 능동적 존재입니다. 이 접근은 일본 철학자 니시다 키타로가 말한 “무의 장소”를 떠올리게 하는데, 이는 서양의 존재와 비존재 대립을 초월하는 개념입니다.
그녀가 “Courtyard” 시리즈 작품에서 기억의 문제를 다루는 방식은 결코 감상적이지 않으면서도 깊은 감동을 준다. 현대화라는 불도저 아래 사라져가는 이 정원들은 그녀의 붓 아래서 피에르 노라가 말한 “기억의 장소”가 되며, 집단 기억이 결정화되어 피신하는 공간이 된다. 하지만 많은 예술가들이 단순히 소멸을 기록하는 데 그치는 것과 달리, 동은 이 상실을 아름다움과 성찰의 원천으로 변모시키는 작품을 창조한다.
동 쇼-훼이는 과거를 거부하는 것이 진정한 혁신이 아니라, 창의적인 방식으로 현대적 비전에 통합하는 것임을 우리에게 상기시킨다. 그녀의 작품은 전통에 깊게 뿌리내리면서도 완전히 현대적인 예술을 창조할 수 있음을 보여준다. 그녀는 진정한 예술 혁명이란 확립된 형태를 극적인 방식으로 거부하는 데 있지 않고, 그것을 미묘하고 깊이 있게 변형하는 데 있음을 증명한다. 그녀의 작품은 스펙터클과 순간성에 지배당하는 세상 속에서도 예술이 여전히 저항과 성찰의 공간이 될 수 있음을 생생하게 보여준다. 그녀는 진정한 예술의 근본적인 혁신은 피상적인 도발에 있지 않고, 세상에 대한 우리의 시각과 사고를 변화시킬 수 있는 작품을 창조하는 능력에 있음을 우리에게 일깨운다.
그래, 너희는 계속해서 현란한 비디오 설치와 무의미한 퍼포먼스에 감탄할 수 있다. 하지만 그동안 동 쇼-훼이는 현재의 유행이 잊힌 후에도 의미가 남을 예술을 계속 창조하고 있다. 그녀는 진정한 예술은 소리 높여 외치지 않아도 들릴 수 있으며, 조용하지만 깊이 인간의 영혼에 말을 걸 수 있음을 우리에게 상기시킨다. 그녀의 작품은 조용하지만 강력한 저항의 요새로 남아 있다.
