잘 들어봐요, 스놉 여러분. 만약 여러분이 레온 타라세비치에 대해 한 번도 들어본 적이 없다면, 여러분은 싸구려 철물점의 색상 샘플만큼이나 좁은 예술 세계에 살고 있는 것입니다. 저는 수십 년 동안 끈질기게 미술 시장이 강요하는 틀에 들어가기를 거부해 온 벨라루스 출신 폴란드 화가를 말하는 것입니다.
타라세비치는 아티스트를 포식자처럼 유혹하는 유럽 예술 수도들을 조롱하듯 벨라루스 국경에 가까운 비아위스토크 근처 그의 고향 마을 발리이(Waliły)에 정착한 겸손한 천재입니다. 그는 드문 볏닭을 기르면서 그의 그림은 세계 주요 박물관에서 여행합니다. 이 모순은 단순한 그림 같은 세부사항이 아니라 그의 예술 본질을 이해하는 열쇠입니다.
타라세비치에게 먼저 눈에 띄는 것은 색상 접근에서의 급진성입니다. 그의 그림들은 자신만의 생명을 가진 듯 맥박 치는 선명한 색채로 폭발합니다. 빨강, 노랑, 파랑, 초록, 미묘하고 자만하는 유행 선도자들의 음영이 아닙니다. 원색이며, 아카데미즘의 명치에 한 방 먹이는 것처럼 직접적입니다.
그의 기법은 집요합니다. 평행선, 반복되는 무늬들이 다른 화가들의 붓에서는 단조롭게 보일 수 있지만, 그에게서는 어지러울 정도로 강력한 추상 풍경이 됩니다. 그가 갈아엎어진 들판, 나무 줄기, 날아다니는 새를 그릴 때, 전통적인 의미에서 묘사하려는 목적이 아니라 그들의 리듬 본질과 영속적인 움직임을 포착하려는 것입니다.
타라셰비치의 예술은 자연 관찰에 깊이 뿌리를 두고 있지만 단순한 재현을 초월합니다. 그는 고향 지역의 풍경을 흡수하고 소화한 뒤, 모든 서사를 거부하는 다채로운 구조물의 형태로 다시 내놓습니다. “저는 자연에서 종종 믿을 수 없는 색상 패턴을 발견합니다,”라고 그는 고백합니다. “저는 파란색과 초록색을 조합하여 거의 빛나는 듯한 효과를 낼 수 있으면 좋겠어요” [1]. 이 빛남과 색채 강도의 탐구가 그의 작업 중심에 있습니다.
그러나 타라셰비치는 평범한 이젤 화가가 아닙니다. 그는 전통적인 틀의 한계를 재빨리 이해했습니다. 1980년대 중반부터 그의 그림들은 경계를 넘어 공간을 점령하기 시작했습니다. “저의 꿈은 그림이 절대적으로 관객을 지배하여 그의 주변 환경을 사라지게 하는 것입니다,”라고 그는 적습니다. “저의 그림은 모든 틀에서 해방되어 구속 없이 펼쳐져 관객을 스스로로 끌어들이는 것입니다” [2].
이 완전한 몰입의 욕망은 관객이 그림을 단순히 감상하는 것을 넘어서 문자 그대로 그 안으로 들어가게 하는 거대한 설치 작품들을 만들어냈습니다. 바르샤바 우야주도브스키 성, 2001년 베니스 비엔날레, 또는 바르셀로나의 플라자 레알과 같은 공공 공간에서 타라셰비치는 방 전체를 회화적 환경으로 변모시킵니다. 바닥, 벽, 기둥 모두가 그의 확장된 회화 비전을 위한 지지가 됩니다.
2006년, 그는 바르샤바의 국립자켄타미술관의 장대한 계단을 다채로운 얼룩으로 덮었을 때, 이는 단순한 도발적 제스처가 아니었습니다. 그는 관객이 자신의 그림 위를 걷고 물리적으로 작품의 일부가 되도록 강요합니다. 관찰자와 피관찰자 사이의 경계가 무너지고, 재현된 자연과 재현의 인공물 사이의 경계도 붕괴됩니다.
타라셰비치가 현대 예술계에서 매우 중요한 이유는, 이 매체가 여러 차례 죽었다고 선언된 시대에도 회화의 힘을 굳건히 믿기 때문입니다. “회화는 과거에도 그리고 지금도 사회 상태를 결정적으로 시험하는 척도였다,”고 그는 고집스러운 확신으로 말합니다. “만약 회화가 사라진다면 모든 문명은 매우 빠르게 쇠퇴할 것이다” [3]. 이 발언은 과장되게 들릴 수 있지만, 타라셰비치의 비전이 담긴 본질적인 진실을 드러냅니다: 그에게 회화는 단순한 예술 매체가 아니라 문화적 저항의 형태입니다.
폴란드 미술사에서 그의 독특한 위치는 주목할 가치가 있습니다. 그는 1980년대 초 타데우시 도미닉 스튜디오에서 바르샤바 미술 아카데미에서 교육받았으며, 폴란드가 정치적·사회적 격변에 휩싸인 시기에 등장했습니다. 그의 세대의 많은 예술가들이 직접적인 정치적 논평을 담은 새로운 표현으로 전환하는 동안, 타라셰비치는 더 미묘하지만 덜 하찮지 않은 길을 선택했습니다.
그는 벨라루스 뿌리를 주장하고 폴란드 내 소수 민족 문화에 헌신하는 것이 그의 전기 속 주석이 아니라, 그의 예술 실천에 깊이 영향을 미치며 국경, 정체성, 소속에 관한 명상으로 읽힐 수 있게 합니다. 1999년, 그는 바우이스토크 시장 예술상을 거부했는데, 이는 지역 당국이 폴란드인과 벨라루스인 공동체 간 갈등을 부추긴다고 보았기 때문입니다. 그의 예술은 이렇게 정체성 협상의 공간이 되어, 정치 지도상의 영토를 구분하는 뚜렷한 경계는 유동적인 색채장으로 녹아듭니다.
타라세비치의 주요 영향은 정교회 미술의 유산으로, 그 색채의 풍부함과 빛과 관련된 영성에서 비롯된다. 어린 시절, 그는 그로덱 정교회에서 예르지 노보시에스키와 아담 스타로니-도브잔스키의 다채로운 채색에 깊은 감명을 받았다. 추상화와 성상화 사이를 오가는 폴란드 회화의 거장인 노보시에스키와의 이 연계는 타라세비치 작품의 거의 의례적인 차원을 이해하는 중요한 해석의 열쇠를 제공한다.
그러나 이러한 특정 문화적 참조를 넘어서, 그의 작품은 서양 미술사의 주요 흐름들과 대화한다. 그의 감정적인 색채 처리에서는 후기 인상주의의 울림을, 그림을 행동의 장(field)으로 간주하는 개념에서는 미국 추상 표현주의의 흔적을, 그리고 자연스럽게 통일된 회화 표면을 추구하는 점에서는 폴란드 단일주의와의 친화를 감지할 수 있다.
타라세비치의 특징은 이러한 다양한 영향을 즉시 알아볼 수 있는 시각 언어로 통합하는 능력이다. 그의 규칙적인 색띠들은 그의 시그니처가 되었으며, 공간을 캔버스의 자연스러운 연장으로 다루는 방식 또한 마찬가지다. 이러한 형식적 일관성은 쉬운 공식에서 비롯된 것이 아니라, 그림의 가능성을 엄격하고 지속적으로 탐구한 결과이다.
문학과 회화는 수세기 동안 복잡한 관계를 맺어왔으나, 타라세비치에게 이 관계는 거의 역설적인 특이한 양상을 띤다. 내러티브를 단호히 거부하고 작품에 제목조차 붙이지 않는 그의 태도는 문학적 부정의 입장으로 해석될 수 있다. 그는 언어로는 번역할 수 없는, 의도적으로 단어의 함정에서 벗어난 예술을 창조한다. 미술 비평가는 그의 작품에 대해 “레온 타라세비치의 작품은 묘사와 분석에 도전한다. 단어와 언어는 그림이라는 낯선 세계에 비해 부적절하다. 그 주제는 내러티브가 없는 그림이지만 현실과 분리되지 않은 그림이다”[4]라고 썼다.
언어에 대한 이러한 불신은 참조 기능에서 벗어나 순수한 물질성 탐구를 추구한 모더니스트 시인들의 입장을 떠올리게 한다. 타라세비치는 색채와 형태를 동일한 방식으로 다루어 묘사적 역할에서 해방시키고, 자율적인 존재로서의 존재를 허락한다. 여기에는 침묵의 시학, 즉 구체시나 시각시 전통과 공명하는 일화적 내용을 거부하는 설득력 있는 거절이 담겨 있다.
건축과 회화 사이의 관계는 타라세비치 작품에서 또 다른 근본적인 축이다. 그의 기념비적 개입은 이 두 분야의 전통적 구분을 초월한다. 갤러리 벽에 직접 칠해 바닥부터 천장까지 공간을 덮거나, 2011년 켈체의 예술가 광장에서와 같은 미로 같은 경로를 만들 때, 그는 색채에 거의 건축학적인 접근을 취한다.
2003년 바르샤바 우야즈도프스키 성 현대 미술 센터에서의 설치 작품은 전시 공간의 대부분을 차지하는 복합 구조물로, 시멘트로 색칠된 벽 모방물, 복도, 다리로 구성되어 이 분야들의 융합을 완벽하게 보여준다. 건축은 회화의 지지가 되고, 회화는 건축적 경험을 재구성한다. 관람객은 더 이상 벽에 걸린 그림만을 수동적으로 바라보지 않고, 색채가 공간을 정의하고 변화시키는 공간 구성을 신체적으로 탐험한다.
그의 작업에서 건축적 차원은 2015년 카토비체 실레지아 미술관을 위한 “Art For a Place: Modry” 프로젝트에서 특히 분명합니다. 이 목조 타워는 여러 톤의 나무로 구성되어 건물의 홀 전체를 차지하며 광산의 갱도를 연상시킵니다. 여기서 타라세비치(Tarasewicz)는 지역의 산업 역사를 직접적으로 대화하며, 집단적 기억을 환기시키는 추상적인 기념물을 창조하지만 문자 그대로의 묘사에 빠지지 않습니다.
타라세비치의 미술사에 대한 태도는 존중과 유신론적 태도를 동시에 지닙니다. 그는 고전 거장들과 폴란드의 컬러리즘과 유니즘 운동에 대한 부채를 인정하지만, 고정된 전통에 자신을 가두는 것을 거부합니다. 그의 실천은 깊은 신념에 뿌리내리고 있습니다: “저는 예술이 항상 장소와 시간을 반영한다고 믿습니다. 이것은 창작 과정에 내재되어 있으며, 작가 자신도 항상 이 관계를 인지하는 것은 아닙니다. 제 그림에는 현실을 참조하지 않는 것은 없습니다” [5].
이러한 주장은 그의 작품이 종종 추상적으로 인식되는 예술가에게서 나왔다고 해서 역설적으로 보일 수 있지만, 그것은 그의 접근법이 깊이 현상학적임을 드러냅니다. 타라세비치에게 추상은 현실로부터 도피가 아니라 그 기저 구조, 본질적 리듬, 근본적 빛을 포착하려는 시도입니다.
최근 작업의 진화는 새로운 회화적 표현 양식을 끊임없이 탐구하는 그의 추구를 확인시켜 줍니다. 2016년 포즈난 에고 갤러리에 전시된 그의 아크릴 박스 조명 작품들은 색상과 빛의 관계에 대한 새로운 탐험을 나타냅니다. 이 빛나는 회화적 오브제들은 인식이 다양한 요인들(하루의 시간, 관객의 위치, 개인의 시력 능력 등)에 의존하며, 시각 지각의 본질에 대한 그의 성찰을 더욱 깊게 만듭니다. 갤러리는 이를 다음과 같이 설명합니다: “우리가 이 작품들을 더 많이 보고 생각할수록, 그에 대해 더 많은 것을 알아차리게 되고, 그들의 입체적인 표면이 우리의 눈앞에서 녹아내리며 연속적인 층과 반사들이 드러납니다” [6].
2018년 폭살 갤러리에서 열린 그의 전시회 “Jerozolima”(예루살렘)는 동명의 도시 방문에서 영감을 받아, 중요한 진화를 보여줍니다. 갤러리 공간은 강렬한 노란빛으로 구성된 작품으로 가득 찼습니다. 폴란드 회화 역사에서 드문 색인 노란색은 여기서 은유적 의미를 획득합니다: “노란색과 그 다양한 색조는 빛의 색입니다. 기독교에서, 하나님은 영혼에 침투하는 빛입니다. 예루살렘은 세 종교의 성스러운 도시입니다” [7]. 이 설치는 신앙의 본질, 신의 일치성과 종교 간 분열에 대해 깊은 질문을 던지며, 색이 신학적, 철학적 성찰의 통로가 될 수 있음을 보여줍니다.
타라세비치의 전체 작품을 고려할 때, 가장 두드러진 것은 자기만족을 단호히 거부하는 태도입니다. 그는 분명히 인지 가능한 미적 공식을 쉽게 활용하여 색띠 구성을 변형한 무한한 변주를 생산해 탐욕스러운 시장을 만족시킬 수도 있었습니다. 그러나 그는 끊임없이 실천의 한계를 넘어서며, 단지 회화 관습만이 아니라 작품, 공간, 관객 간의 관계에 대한 관습마저도 도전하였습니다.
1996년부터 바르샤바 미술 아카데미 교수로서, 그는 신세대에 이러한 엄격한 실험 정신을 전하고 있습니다. 그의 영향력은 광범위하며, 자신의 작품뿐 아니라 멘토이자 까다로운 예술 개념의 옹호자로서 폴란드 예술계에 큰 기여를 하고 있습니다.
그가 받은 여러 상들인 폴리티카 여권상(Prix Passport de Polityka, 2000), 얀 치비스상(Prix Jan Cybis, 2000), 문화 공로를 위한 글로리아 아르티스 은메달(2005), 폴로니아 레스티투타 기사 십자가(2011), 비아위스토크 대학교 명예박사(2022)는 그의 중요성에 대한 제도적 인정을 증명합니다. 그러나 진짜 중요한 것은 그의 예술이 직접 경험하는 이들에게 미치는 영향입니다.
타라세비치의 예술은 무엇보다도 하나의 경험입니다. “나는 타라세비치 전시를 봤다”는 식의 일화적인 경험이 아니라, 마치 살아있는 물질로서의 색채와의 신체적이고 감각적이며 거의 육체적인 만남입니다. 루블린의 성삼위일체 예배당 바닥을 다채로운 사각형으로 덮을 때, 그것은 단순한 미학적 개입이 아니라 성스러운 공간에 대한 우리의 관계를 근본적으로 변화시키는 것입니다.
타라세비치는 회화를 “단순한 붓과 물감이 아니다. 그것은 우리가 환상을 창조하는 색채화된 요소다. 과거에도 그랬고 지금도 그렇다” [8]고 상기시킵니다. 시대와 유행을 초월한 고대의 환영술적 실천으로서의 회화라는 이 관념은 그의 예술적 비전에 깊이 자리 잡고 있습니다.
레온 타라세비치를 현대 미술에서 중요한 인물로 만드는 것은, 피상적인 새로움에 집착하는 미술 세계에서 일관되게 급진적인 회화 실천을 유지하는 그의 능력입니다. 그는 진정한 혁신은 유행에 따라 매체를 이리저리 옮기는 것이 아니라, 개인적인 시각 언어의 가능성을 끈질기게 탐구하는 것임을 증명합니다.
점점 덧없고 화려한 것들이 지배하는 문화적 풍경 속에서, 타라세비치는 물질, 공간, 인식과의 장기적인 몰입으로서의 예술 개념을 옹호합니다. 그의 강렬한 색채 평원들은 시간을 거스르며 계속 맥동하고, 회화가 과거의 유물이 아니라 변혁적인 미학적 경험의 장이 될 수 있음을 상기시킵니다.
그러니 다음에 타라세비치의 작품을 마주칠 때에는 간단히 흘려보내지 마세요. 그 안으로 완전히 몰입해 색채가 시야를 가득 채우도록 하고 그의 패턴의 리듬이 당신 안에서 울리는 것을 느껴보세요.
- Culture.pl, “Leon Tarasewicz”, 아티스트 소개 자료
- InGart.pl, “Leon Tarasewicz”
- Culture.pl, 위와 동일한 출처
- Labiennale.art.pl, “To Paint”, 2001, 전시 책임자: Aneta Prasał-Wiśniewska.
- Culture.pl, 전거.
- Culture.pl, 전거.
- Culture.pl, 전거.
- Culture.pl, 전거.
