잘 들어봐요, 스놉 여러분, 로렌 퀸은 각 붓질마다 전기의 폭발 같은 계시를 담고 있는 듯이 그림을 그린다. 그녀가 사는 컬버 시티의 거대한 식물 풍경 속, 예전 묘목장에서 자라는 여섯 그루의 거대한 야자수가 번성하는 그곳에서, 이 33세의 여성 예술가는 어떤 형태의 해결도 완강히 거부하는 추상 회화를 발전시킨다. 그녀의 때로는 너비가 4.5미터에 달하는 기념비적인 캔버스들은 물리적 시각법칙을 도전하는 듯한 채도가 넘쳐난다. 이 작품들은 공간을 단순히 차지하는 게 아니라 그것을 집어삼키며 질서와 혼돈 사이에서 지각이 흔들리는 영역으로 바꾼다.
로렌 퀸의 창작 과정은 베르그송의 지속 개념을 기묘하게 떠올리게 하는 방법론적 접근을 드러낸다. 앙리 베르그송은 과학의 기계적 시간과 구별되는 삶 속에서 체험하는 지속을 구별하며, 시간의 양적 측정과 대비되는 질적 경험을 제시했다[1]. 퀸이 자신의 “튜브” 형태의 물감을 연속적으로 겹쳐 바른 다음, 물감이 마르기 전에 버터 나이프로 새기는 행위는 베르그송이 진짜 지속이라 부른 그 특정한 시간성을 작품 자체에 새긴 것이다. 각 화필 동작은 시간적 긴박성의 흔적을 지니며, 예술가가 “운동선수 같은” 과정이라고 묘사하는 시간의 흐름에 이끌린다. 이 접근법은 베르그송이 “절대적인 구별 없는 연속성”이라 부른 개념을 직관적으로 이해함을 보여주는데, 여기서 각 순간은 흐르는 연속 속에서 다음 순간과 서로 침투한다.
퀸의 기법은 흥미로운 시간적 역설 주위를 중심으로 전개된다: 그녀는 일부러 만족스럽지 않은 무언가를 만든 뒤, 그것을 완전히 덮고 빼내는 방식으로 드러낸다. 이 누적과 발굴이 동시에 이루어지는 방식은 베르그송의 순수 기억 개념을 떠올리게 하며, 이는 과거가 현재와 공존하면서도 절대 현재로 축소되지 않는 의식의 깊은 층이다. 그녀가 아직 젖어 있는 물감에 반복적인 문양을 새길 때, 전 층들이 드러나면서 무아레 효과를 만들어 표면을 쌓인 시간성 속에서 각 층이 서로 대화하는 시각적 증언으로 변화시킨다.
이 중층적 시간 관점은 베르그송의 의식 분석에서 놀라운 공명을 찾는다. 베르그송에게 의식은 결코 고정된 상태가 아니라 현재와 과거가 끊임없이 상호 침투하는 과정이며, 각 순간은 모든 선행 기억으로부터 풍부해진다[2]. 퀸의 회화는 이 개념을 구체화한다: 그녀의 컬러 “튜브”는 번갈아 등장할 때마다 동일하지 않고, 전체 구성 내 위치에 따라 변하며, “경쟁적 다양성”이라 부르는 현상을 만들어 각각의 요소가 영원히 지배하지 않고 시선을 사투한다. 이 영구적인 시각 전투는 내적 모순에서 지속적으로 형성되는 현재라는 특정한 시간성을 낳는다.
퀸이 캔버스의 뒷면에서 모노인쇄 석판화 기법을 사용하는 것은 이 복잡한 시간성에 또 다른 차원을 더합니다. 그녀는 자신의 행위가 미치는 영향을 직접 보지 않고 눈을 가린 채 작업함으로써, 베르그송의 생명충동 이론을 연상시키는 예측 불가능성을 도입합니다. 이 기술은 표면의 사전 조직을 교란하는 통제된 사고를 만들어내며, 빛이 물질 자체에서 발산하는 것 같은 무지갯빛 영역을 만들어냅니다. 이러한 맹목적인 개입은 전통적인 인과 논리를 깨뜨리는 시간적 중단으로 작용하며, 베르그송이 ‘근본적 새로움’이라 부른, 시간이 진정으로 새로운 것을 생성하는 능력을 도입합니다.
퀸의 색채에 대한 관계는 또한 시간적 문제에 대한 깊은 이해를 드러냅니다. 그녀는 안정적인 조화로움을 거부하는 “경쟁적인” 색조를 선호하여, 시각을 늘 긴장 상태로 유지하는 색채적 긴장을 만들어냅니다. 이러한 색채의 불안정성은 인식을 능동적인 과정으로 보는 베르그송적 개념을 떠올리게 합니다: 우리는 결코 수동적으로 지각하지 않고, 우리의 생명적 관심에 따라 필터링된 감각 데이터를 바탕으로 세계에 대한 시각을 끊임없이 재구성합니다. 퀸의 색채는 이러한 논리에 따라 작용하여, 관람자가 작품에 대한 지각을 지속적으로 재구성하도록 강제하며, 확정적인 해석을 불허합니다.
문학적 의식 흐름 기법이 현대 미술에 미친 영향은 퀸의 작품에서 특히 설득력 있는 시각적 번역을 찾아볼 수 있습니다. 이 서사 기법은 20세기 초 버지니아 울프와 제임스 조이스에 의해 발전되었으며, 자유 연상, 반복 및 갑작스러운 방향 전환을 가진 의식의 연속 흐름을 재현하고자 했습니다 [3]. 퀸의 회화는 유사한 논리에 따라 작동하며, 형태가 나타나고 변형되며 사라지는 연속적 시각 흐름을 제공하는데, 이는 서사적이라기보다 연상적 논리에 더 가깝습니다. 이러한 접근은 객관적 척도가 아닌 주관적 시간 경험을 반영하려 했던 모더니즘 미학과 깊은 친연성을 보여줍니다.
퀸이 집착적으로 반복하는 모티프는 울프의 주제 변주 기법을 떠올리게 합니다. ‘미세스 돌로웨이’에서 버지니아 울프는 빅벤의 종소리와 시간 흐름에 대한 성찰과 같은 반복되는 레이트모티프를 사용하여 과거와 현재가 뒤섞인 복잡한 시간적 통일성을 창조했습니다 [4]. 이와 유사하게, 퀸은 손, 거미, 바늘, 심벌즈와 같은 반복적 형태의 어휘를 개발하여 작품마다 반복하고 변형합니다. 이러한 모티프는 관람자가 복잡한 시각을 탐색하는 동시에 불안한 친숙함을 유지할 수 있도록 하는 기억의 닻으로 작용합니다.
의식 흐름 서사 기법은 또한 전통적인 직접 화법과 간접 화법의 구분을 없애고, 화자와 인물의 생각이 혼합되는 모호한 서사 공간을 만들고자 했습니다. 퀸은 형태와 배경, 가감되는 흔적 사이의 경계를 흐림으로써 유사한 변형을 수행합니다. 그녀의 신선한 페인팅 위에 새긴 판화는 색채 순수 영역만큼 시각적으로 존재하는 부정적 공간을 만들어내며, 관람자를 생산적인 불확실성 상태에 머무르게 하는 지각적 모호함을 생성합니다.
이 모호성의 미학은 지각의 심리적 문제들에 대한 세밀한 이해를 드러낸다. 의식 흐름 작가들처럼, Quin은 보여지는 것보다 그것이 어떻게 인식되는지에 더 관심을 가진다. 그녀의 작품들은 식별 가능한 어떤 것을 나타내지 않지만, 특정한 지각 상태와 시간과 공간에 대한 우리의 관계를 변경하는 주의의 질을 생성한다. 이러한 접근법은 외부 세계의 묘사보다는 의식의 메커니즘 탐구를 중시했던 모더니스트 전통에 속한다.
Quin의 많은 작품의 거대한 규모는 이러한 지각적 전략에서 중요한 역할을 한다. 정상적인 시야 영역을 크게 넘어서, 이 그림들은 관객이 작품을 이해하기 위해 물리적으로 이동하게 만들며, 보는 행위 자체에 시간적 차원을 도입한다. 이 시각의 시간화는 지각을 시간에 걸쳐 펼쳐지는 과정으로 본 베르그송의 분석을 떠올리게 한다. 베르그송에게 우리는 결코 즉각적으로 지각하지 않고, 감각 인상의 점진적 축적을 통해 즉각 기억에서 합성된 세계의 시각을 재구성한다.
2024년 125 Newbury에서 열린 전시회의 제목 “Logopanic”은 추상의 언어적 문제에 대한 예리한 인식을 드러낸다. 그리스어 “logos”(말)와 “penia”(가난)에서 형성된 이 신조어는 의미 체계의 붕괴에 대한 불안을 환기시킨다. 이러한 메타언어적 차원은 Quin을 언어 위기와 새로운 표현 형식의 발명 필요성에 대한 모더니스트의 고민과 가깝게 한다. 그녀의 그림들은 끊임없이 변형하는 시각 언어로서, 표지들이 형성되는 순간에 해체되는 곳이다.
이 부호학적 불안정성은 의미가 끊임없이 출현하는 독특한 시간성을 만들어낸다. Quin의 작품들은 관람자를 생산적인 기다림 상태에 머무르게 하며, 이는 베르그송이 생명 의식의 특징으로 규정한 인지적 긴장이다. 이 작품들은 즉각적인 인식의 만족을 거부하여 베르그송이 정신 생명의 본질로 본 주의력을 활성화 상태로 유지한다.
Quin의 접근은 또한 베르그송이 상호 침투라고 불렀던 의식 상태들의 직관적 이해를 드러낸다. 그녀의 그림들에는 어떤 요소도 고립되어 존재하지 않으며, 각 형태, 각 색상, 각 질감은 상호 영향의 논리에 따라 전체와 공명한다. 이러한 전체론적 접근은 구성 요소들의 합을 훨씬 뛰어넘는 시각적 효과를 만들어내며, 예술가가 “통제된 폭발”이라고 묘사하는, 에너지가 회화 물질 자체에서 뿜어져 나오는 것 같은 현상을 창조한다.
로스앤젤레스가 Quin의 색채 진화에 미친 영향도 특히 흥미롭다. 그녀는 매번 이 도시를 방문할 때마다 팔레트가 “폭발”한다고 말하며, 캘리포니아 빛의 대기적 특성에 대한 특별한 감수성을 드러낸다. 이러한 빛 환경과의 관계는 베르그송이 외부 조건에 대한 지속적 적응 과정으로 본 지각 분석을 떠올리게 한다. Quin에게 색상은 단순한 장식물이 아니라 특정한 의식 상태를 드러내며, 시간과 공간에 대한 우리의 관계를 변경하는 특정한 주의의 질을 생성한다.
로렌 퀸의 예술은 마침내 추상 회화의 현대적 쟁점에 대한 뛰어난 이해를 드러낸다. 그녀는 표현주의적 제스처와 개념적 미니멀리즘을 모두 거부하며, 장식적인 과부하에 빠지지 않으면서 지각의 복잡성을 복원하는 중도적 길을 개척한다. 그녀의 작품은 삶의 시간이 흐르는 기계처럼 작동하며, 시각 경험의 예상치 못한 풍부함을 드러내는 특별한 의식 상태의 생성기 역할을 한다. 종종 즉각적이고 화려한 효과가 지배하는 예술적 맥락에서, 퀸은 현대적 조건에 맞게 조정하면서도 모더니즘 예술의 가장 높은 야망과 다시 연결되는 지속성의 미학을 제안한다.
- 앙리 베르그송, 의식의 직접적인 자료에 관한 에세이, 파리, 펠릭스 알칸, 1889년
- 앙리 베르그송, 물질과 기억: 몸과 정신의 관계에 관한 에세이, 파리, 펠릭스 알칸, 1896년
- 버지니아 울프, “현대 소설”, 일반 독자, 런던, 호가스 프레스, 1925년
- 버지니아 울프, 미세스 달로웨이, 런던, 호가스 프레스, 1925년
