잘 들어봐요, 스놉 여러분, 제가 이야기하는 것은 1993년 런던에서 태어난 루이즈 지오바넬리에 관한 것입니다. 그녀는 현대 회화의 규칙을 대담하게 재정의하여 현대 미술계의 작은 세계를 흔들고 있습니다. 이 영국 아티스트는 맨체스터 미술학교와 에이미 실먼의 지도로 프랑크푸르트의 저명한 슈테델슐레에서 배웠으며, 단순히 그림을 그리고 있는 것이 아닙니다. 아니요, 그녀는 대중문화와 고급 문화 사이의 전통적인 경계를 초월하는 새로운 시각적 신성성을 창조하고 있습니다.
그녀의 회화 기법은 정말 대단한 성공으로, 자세히 살펴볼 가치가 있다. 얀 반 에이크(Jan van Eyck)와 로기어 반 데어 베이든(Rogier van der Weyden) 같은 플랑드르 거장들에게서 물려받은 이 기법은, 매우 세밀하게 겹겹이 초고채도의 유성 페인트를 칠함으로써 캔버스 내부에서 빛이 발산되는 듯한 밝기를 창조한다. 이 체계적인 접근법은 발터 벤야민(Walter Benjamin)이 예술 작품의 아우라에 대해 관찰한 바를 떠올리게 한다. 그러나 벤야민이 기계적 복제 시대에 아우라의 필연적인 소멸을 보았다면, 조바넬리(Giovanelli)는 불가능한 일을 해냈다: 그녀는 범속한 이미지를 우리의 포화된 시각 문화에서 끌어내어 새로운 신성함을 창조한다.
그녀의 일련의 회화 “Orbiter” (2021)는 세속적인 것이 신성한 것으로 변모하는 과정을 완벽하게 보여준다. 크리스마스 방송에서 마라이어 캐리의 스팽글 드레스의 단순한 디테일을 주제로 삼아, 팝 문화의 사소한 순간으로 여겨질 수도 있는 것을 초월적인 시각 경험으로 변형시킨다. 회화 표면은 페인트의 물질성과 빛의 무형성 사이의 매혹적인 전쟁터가 된다. 이 접근법은 롤랑 바르트(Roland Barthes)가 “La Chambre Claire”에서 사진에 대해 제시한 펑툼(punctum) 개념을 연상시킨다. 조바넬리의 작품에서는 각각의 붓질이 잠재적 펑툼이 되어, 보이는 것과 보이지 않는 것 사이의 끊임없는 긴장을 만들어내며 관객으로 하여금 시선을 천천히 머물게 한다.
최근 작품에서 반복되는 모티프인 커튼은 주목할 만하다. 최대 3미터에 달하는 이 장엄한 주름진 천들은 단순한 장식 요소나 스타일 연습이 아니다. 그것들은 형이상학적 관문, 의식의 여러 상태 사이의 경계가 된다. “Prairie” (2022)라는 장대한 3폭화에서, 녹색 빛깔의 커튼은 순수한 노란 빛줄기가 관통하여 강렬한 긴장감을 자아낸다. 이러한 커튼의 존재론적 은유 사용은 가스통 바슐라르(Gaston Bachelard)가 “공간의 시학”에서 내외부의 변증법에 대해 논의한 바를 상기시킨다. 조바넬리의 커튼은 단순한 사물이 아니라 현실과 상상, 세속과 초월 사이의 전이 장소가 된다.
그러나 조바넬리가 온전히 부각하는 반항적 힘은 영화의 전설적인 장면을 다루는 데서 드러난다. 그녀가 브라이언 드 팔마(Brian De Palma)의 영화 “Carrie” 장면들을 재해석한 것은 단순한 영화 인용을 넘어선다. “Altar” (2022)에서는, 피가 시시 스페이섹(Sissy Spacek)에게 떨어지는 바로 그 순간을 포착하여 이 순간을 일종의 이교 신의 계시로 탈바꿈시킨다. 회화 표면은 거의 환각에 가까운 강렬함으로 떨리며, 조르주 디디-위베르만(Georges Didi-Huberman)이 “생존하는 이미지”라고 부르는 것을 만들어낸다. 채도가 높은 네온과 흐림 효과가 비현실적인 분위기를 조성하여 이 공포 장면을 신비로운 계시의 순간으로 바꾸어 놓는다.
그녀는 또 하나의 시리즈 “Surface to air” (2022)에서 신성과 세속 사이의 경계를 더 깊이 탐구한다. 반짝이는 드레스 갈라진 틈에서 길게 뻗은 다리들이 나오는데, 이 그림들은 고전 건축의 코린트식 기둥을 떠올리게 하며, 신성한 건축과 현대의 화려함 사이에 대담한 평행선을 그린다. 이러한 예상치 못한 병치는 대중 문화 아이콘들과 그들의 우리 사회 내 거의 종교적인 지위에 대한 우리의 관계를 재고하게 만든다.
지오바넬리의 기법은 그녀가 선택한 주제만큼이나 놀랍습니다. 그녀가 얇은 층으로 물감을 겹겹이 칠하는 방식은 고전 거장들의 글라시르 기법을 떠오르게 하는 깊이 있는 시각 효과를 생성합니다. 그러나 그녀는 이 전통적인 기법을 사용하여 완전히 현대적인 효과를 창조합니다. 예를 들어, 그녀의 와인잔 그림에서는 일상적인 사물을 형이상학적 관조의 매개체로 변형시키는 굴절과 왜곡의 효과를 만들어냅니다. 이 현대적인 정물화는 17세기 바니타스를 연상시키면서도 우리의 시대에 확고히 뿌리내리고 있습니다.
지오바넬리 작품의 오늘날 특별한 의의는 그녀가 여러 문화적 영역 사이를 놀라울 정도로 능숙하게 넘나드는 능력에 있습니다. 그녀는 미술사뿐만 아니라 대중문화에서도 영감을 얻어 쉽게 분류할 수 없는 작품을 만듭니다. 그녀가 신성함을 접근하는 방식은 향수가 섞이거나 경건하지 않고, 오히려 탐구적이고 변형적입니다. 그녀는 신성함이 현대 세계에서 사라진 것이 아니라 단지 새로운 영역으로 이동했음을 보여줍니다.
그녀 그림에서 빛의 처리도 특히 흥미롭습니다. 전통적인 방식으로 빛을 묘사하기보다는 캔버스 안에서 빛이 스며 나오는 듯한 광학 효과를 창출합니다. 이러한 접근은 모리스 메를로-퐁티의 “가시의 육체” 이론을 떠오르게 합니다. 그녀가 만들어내는 질감은 단순한 표면 효과가 아니라 철학자가 언급한 세계의 육체가 구체화된 형태입니다.
그녀 작품에는 드러냄과 숨김 사이에 지속적인 긴장이 존재하는데, 이는 마르틴 하이데거의 “드러남” 개념과 유사합니다. 각 그림은 진리가 드러나면서도 동시에 감춰지는 알레테이아처럼 작용합니다. 이 변증법은 인물의 얼굴을 클로즈업한 그림에서 특히 뚜렷하게 나타나는데, 주제의 정체성이 화첩 질감 속에서 흩어져 자크 데리다가 말했을 “디페랑스”라는 시각적 개념을 만들어냅니다.
그녀가 반복 작업을 하는 방식도 중요합니다. 커튼, 잔, 얼굴 등 특정 모티프를 반복하면서 지일 들뢰즈가 말한 “반복 속의 차이”를 만들어냅니다. 어떤 모티프의 각 반복에는 미묘한 변주가 더해져 우리가 주제를 더 깊이 이해하게 합니다. 이러한 연속적 접근은 클로드 모네가 루앙 대성당을 주제로 한 “변주곡”을 연상시키지만, 훨씬 현대적인 감수성을 지닙니다.
지오바넬리가 질감을 다루는 방식은 특히 주목할 만합니다. 스팽글, 유리, 벨벳, 실크 등 다양한 재료를 통해 관능적이면서도 개념적인 표면을 만들어냅니다. 이 질감들은 단순히 묘사되는 것이 아니라 회화 과정으로 변형됩니다. 그녀의 그림 속에서 단순한 벨벳 커튼도 베로니카의 면사포처럼 신비로우며 로스코의 그림만큼이나 수수께끼 같은 존재가 됩니다.
그녀가 피사체를 구성하는 방식도 매우 뛰어납니다. 원래 맥락에서 특정 세부를 분리하여 롤랑 바르트가 말한 역설적인 “실재 효과”를 창출합니다. 이러한 조각들은 독립적인 실체가 되어 자체적인 의미를 생성합니다. 맥락을 벗어난 이 전략은 크레이그 오웬스가 말한 포스트모던 우화 이론을 떠올리게 하며, 조각이 전체보다 더 중요한 의미를 갖게 됩니다.
루이즈 조바넬리는 이미지로 가득 찬 우리 세상에서 표현의 본질에 대해 깊이 성찰하게 합니다. 그녀는 대중문화의 덧없는 순간들을 지속 가능한 회화적 경험으로 변환하여 새로운 유형의 현대 아이코노그래피를 창조합니다. 그녀의 작업은 단순한 스펙터클 사회에 대한 비판이 아니라 시각 문화의 잔재로부터 새로운 형태의 초월을 창조하려는 대담한 시도입니다.
그녀의 회화는 현대 미술이 관련성을 가지기 위해 전통을 거부할 필요가 없다는 것을 상기시켜 줍니다. 오히려 예술사의 역사와 창의적으로 대화함으로써 진정으로 새로운 무언가를 만들어냅니다. 그녀는 21세기의 회화가 단순한 표현 매체에 머물 수 없으며, 평범한 것이 비범해지고 세속적인 것이 신성해지는 연금술적 변형의 장소가 되어야 한다고 보여줍니다. 바로 이것이 조바넬리가 성공한 바, 한 번의 붓질로 세상을 바라보는 방식을 변화시키는 것입니다.
