잘 들어봐요, 스놉 여러분. 만약 여러분이 추상 예술이 죽었다고 생각한다면, 그것은 여러분이 마르첼로 로 지우디체의 그림을 진정으로 감상해본 적이 없기 때문입니다. 1957년 타오르미나에서 태어난 이 시칠리아 사람은 우리가 자주 보는 지루하고 지나치게 지성적인 추상화와는 전혀 다른 그림을 선사합니다. 로 지우디체는 물질의 기원을 향한 거의 원시적인 감각의 여행을 제안합니다.
로마 MAXXI 미술관, 밀라노 왕궁, 그리고 다른 중요한 예술 장소에서 전시된 그의 작품들은 거대한 캔버스를 통해 평행 우주의 창을 만듭니다. 그가 “에덴”이라고 부르는 작품들은 순수한 안료로 이루어진 사막 풍경 속 먼 행성들로 우리를 데려가며, 우주의 보이지 않는 소리에서 영감을 받았습니다. 각 색상은 개별적인 존재로 다뤄지며, 이 개체들의 조합은 빅뱅의 날처럼 눈부신 빛의 폭발을 만들어냅니다.
로 지우디체는 단순히 예쁘기만 한 화가가 아닙니다. 그의 작업에는 거의 지질학적인 깊이가 있으며, 이는 그가 베네치아 미술 아카데미에 다니기 전에 볼로냐 대학에서 지질학을 공부했다는 사실에서 기인합니다. 이 과학적 배경은 헛되지 않았으며, 그는 물질을 단순히 적용하는 것이 아니라 변형시키고 변모시키는 독특한 그림 접근법을 개발할 수 있었습니다.
그의 그림들을 주의 깊게 관찰하면 긁히거나 침식되거나 마모되어 아래층이 드러난 복잡한 층과 퇴적물, 중첩된 안료들의 세계가 드러난다. 이 작업은 지질학적 과정들, 곧 침식, 퇴적, 그리고 지각 운동을 떠올리게 한다. 하지만 그의 작품을 단순히 과학적 지식의 미학적 적용으로만 보는 것은 지나치게 축소하는 것이다.
왜냐하면 로 주디체는 무엇보다도 가장 육체적인 의미에서 화가이기 때문이다. 그는 물질과 거의 관능적인 관계를 맺고 있다. “내가 물질과 맺는 관계는 어부와 그 물고기 사이의 깊고 강한 관계에 비할 만하다” [1]고 그가 고백한다. 이 발언은 그의 작품을 알지 못하면 터무니없어 보일 수 있다. 하지만 그의 그림 앞에 서면 이해하게 된다. 그 텍스처가 풍부한 표면들에는 유기적이고 생명력 있는 무언가가 있다.
울트라마린 블루는 해양 능선과 광활한 바다를 이야기하고, 노란색은 태양에 타버린 땅이 되며, 적색과 강렬한 검정은 용암 유출과 화산 분화구를 연상시킨다. 예술가의 고향인 시칠리아, 화산과 대비의 땅을 떠올리지 않을 수 없다. 그러나 그의 회화를 풍경의 암시로만 한정하는 것은 다시 한번 축소하는 것이다.
그의 추상 작품들에서 로 주디체는 거의 명상적인 경험으로 우리를 초대한다. 색채는 단순한 매체가 아니라 거의 우주적 힘의 현현 같은 독립된 실체가 된다. 이 접근법에서는 일종의 영성을 볼 수도 있지만, 그것은 물질적이고 구체적인 것에 뿌리를 둔 영성이다.
또한 그의 작업에는 생태학적 차원이 있다는 점도 주목해야 한다. 로 주디체는 특히 모나코의 알베르 2세 황태자와 함께하는 “Save Mediterranean Sea” 프로젝트를 통해 환경 보존에 헌신하고 있다. 그의 그림은 단지 우리 행성의 아름다움을 기리는 것이 아니라 그 보존에 대한 요구이기도 하다. 이 노력에는 환경의 위대함과 연약함 앞에 겸손함의 형태가 깊이 감동적으로 담겨 있다.
그러나 오해하지 말자, 로 주디체는 순진한 예술가가 아니다. 그는 유럽 아방가르드 예술 운동의 전통에 속해 있다. 이 운동은 제2차 세계대전 이후 등장했으며 예술의 형식적 측면, 특히 안료 처리에 중요성을 부여했다. 여기에는 뒤뷔페나 클라인 같은 거장들의 영향이 엿보이지만, 그만의 독특한 목소리를 지니고 있다.
내가 로 주디체에게서 좋아하는 점은 그의 작품이 강렬하게 육체적이면서도 깊이 사색적이라는 점이다. 그의 작업에는 화가가 물질을 바르고 긁고 변형시키는 행위와 관객이 이러한 원초적 현실을 떠올리게 하는 추상적 풍경을 응시하는 명상 사이에 긴장감이 존재한다.
그의 “Eden” 시리즈를 예로 들어보자. 이 시리즈에서 파란색이 자주 두드러진다. 이 작품들은 단순히 아름답기만 한 것이 아니라 의미심장하다. 무한한 공간, 해양의 깊이, 한없는 하늘에 대해 이야기한다. 칸트 철학의 숭고미에 해당하는 어떤 것이 이 그림들에는 있으며, 그 아름다움은 이해를 초월하며 우리 자신이 얼마나 작고 나약한 존재인지를 직면하게 만든다.
그의 작품을 처음 접할 때는 회의적인 반응이 들 수도 있다. 또 한 명의 추상 화가가 물질과 색채로 노는구나라고 생각할지도 모른다. 그러나 로 주디체에게는 시대의 유행과 경향을 초월하는 진정성과 진실성이 있다. 그는 시대를 쫓으려 하지 않고, 꾸준하고 일관되게 자신의 길을 걷고 있다.
그의 작품을 둘러싼 논란은 의미심장하다. 일부 평론가들은 그의 그림에서 구식 추상 표현주의로의 회귀 형태를 본다. 다른 이들은 물질과 색채 탐구의 필수적인 연속성을 본다. 이 두 시각은 본질을 놓치고 있다. 로 지우디체는 향수를 품은 사람도, 혁명가도 아니다. 그는 단지 자신의 언어를 발견하고 놀라운 열정과 엄격함으로 탐구하는 예술가일 뿐이다.
그의 경력에서 흥미로운 점은 개념적 단계에서 물질적 단계로의 전환이다. 1970년대에 로 지우디체는 개념적 스타일로 작업했으며, 밀랍, 딸기, 연기 같은 혼합 재료를 사용했다. 이후 그는 자신의 지질학 지식을 결합하여 유기적인 대형 육상 풍경을 창조하는 자신만의 스타일을 발전시켰다. 이 변화는 예술가가 끊임없이 자신의 작업을 심화하려는 진정한 탐구를 보여준다.
예술적 영감으로서의 지질학은 새로운 것이 아니다. 로버트 스미스슨이나 마이클 하이저 같은 예술가들은 랜드 아트 작품에서 예술과 땅의 관계를 탐구했다. 그러나 로 지우디체는 이 탐구에 다른 차원을 부여한다. 그는 직접 땅과 작업하지 않고, 땅의 본질, 과정, 변화를 포착한다.
이 접근법은 클로드 레비스트로스가 자연과 문화의 관계에 대해 한 고찰을 떠올리게 한다[2]. 『야생의 사유』에서 이 프랑스 인류학자는 인간 사회가 의미를 창조하기 위해 자연 요소를 어떻게 해석하고 변형하는지를 탐구한다. 로 지우디체도 비슷하게 한다. 그는 자연 과정인 침식, 퇴적, 암석의 변성 등을 취해서 예술적 제스처이자 문화적 창작물로 변환한다.
레비스트로스는 신화가 자연 세계를 조직하고 이해하려는 시도임을 보여준다. 이와 마찬가지로 로 지우디체의 그림은 시각적 신화로 볼 수 있으며, 우리를 초월하는 자연력에 형태를 부여하려는 시도이다. 그의 작품에는 추상적 개념을 거치지 않고 물질과 감각을 통해 사고하는 야생의 사고 방식이 존재한다.
이 인류학적 차원은 특히 그의 “토템” 시리즈에서 뚜렷하게 드러난다. 1989년부터 로 지우디체는 이 독특한 조각들을 작업해왔다. 불에 타고 찢기고 비워진 매트리스에 여러 겹의 두꺼운 색(안료와 에나멜)으로 칠해졌다. 이 토템들은 걸프 전쟁 중 민간 주택이 미사일에 의해 오폭당한 텔레비전 이미지에서 영감을 받아 전쟁의 잔혹함을 상징한다: 잔해, 갈가리 찢긴 시신, 그리고 매트리스 같은 파괴된 일상 물건들이 있다.
이 토템들은 레비스트로스가 연구한 전통 사회의 의례용 물건들을 연상시킨다. 그들은 비슷한 기능을 한다: 폭력을 퇴마하고, 죽은 자를 기념하며, 산 자와 죽은 자의 세계 사이의 연결을 만든다. 로 지우디체는 이렇게 예술이 가진 원시적 기능, 즉 폭력과 죽음에 의미를 부여하는 기능을 재활성화한다.
이 의례적 차원은 그의 “달라 프리마베라 델 보티첼리” (보티첼리의 봄에 따른) 시리즈에서도 찾아볼 수 있다. 이 시리즈에서는 매트리스가 완전히 비워지고 그 원초적 구조가 이제는 “폭력과 전쟁 위에 놓인 아름다움”을 상징하는 알비스올라의 세라믹 나비들로 가득 찬다. 나비는 겨울을 거쳐 부활과 진화를 의미하는 보편적 상징이자 봄의 상징으로, 인류가 젊은 세대와 그들의 새로운 의식에 두는 희망을 대표한다.
여기에서 우리는 로 지우디체가 어떻게 예술적 전통 속에 자리잡으면서도 그것을 새롭게 재창조하는지를 볼 수 있습니다. 그는 이탈리아 르네상스의 대가인 보티첼리를 언급하지만, 그의 이미지를 현대적 설치 작품으로 변형시켜 우리의 시대와 그 폭력성에 대해 이야기합니다. 과거와 현재, 자연과 문화 사이의 다리를 만드는 이 능력은 그의 작품의 풍요로움을 만듭니다.
로 지우디체의 작업은 또한 멜라니 클라인의 공격성과 수복 이론 [3]을 비롯한 정신분석학의 렌즈를 통해 분석될 수 있습니다. 클라인은 파괴적 충동이 심리 발달 과정에서 수복적 충동에 의해 균형을 이룬다는 것을 보여주었습니다. 로 지우디체의 예술적 과정, 즉 표면을 파괴하여 재구성하고, 재료를 공격하여 더욱 승화시키는 방식은 파괴와 수복 사이의 이러한 변증법의 표현으로 볼 수 있습니다.
찢기고 난 후 생생한 색으로 덮인 토템들은 이 역학을 완벽하게 보여줍니다. 초기의 폭력(찢김, 불태움)은 창조적 행위(안료의 적용)로 전환됩니다. 마찬가지로 그의 회화에서 위층의 색채를 닳게 하여 아래에 숨겨진 것을 드러내는 행위는 통제된 공격의 형태로 볼 수 있으며, 뒤이어 폭로와 수복이 이어집니다.
이러한 정신분석적 해석은 로 지우디체 작품의 감정적 힘을 이해하는 데 도움을 줍니다. 그의 작품은 파괴와 창조, 폭력과 아름다움, 혼돈과 질서 사이의 긴장과 같은 근본적인 심리 과정을 무대 위에 내놓기 때문에 우리에게 감동을 줍니다.
클라인은 또한 어린아이가 환상 속에서 공격하는 대상이 동시에 사랑하는 대상임을 깨닫는 시기인 우울 위치에 대해 이야기합니다. 이 자각은 죄책감과 불안을 불러일으키지만 수복에 대한 욕망도 동시에 생성합니다. 이것이 로 지우디체의 생태학적 작품에서 우리가 보는 바가 아닌가요? 우리가 파괴하는 지구가 우리를 양육하는 대상임을 자각하고, 그것을 수복하고 보전하려는 욕구 말입니다.
이것은 항상 그의 “Eden” 시리즈로 돌아오게 합니다. 그의 말에 따르면, 이 상상 속의 낙원들은 우리의 시대 폭력에 대한 응답입니다: “나는 오늘날 수많은 전쟁과 파괴 속에서 살아가고 있으며, 우리 모두가 삶에 의해 깊이 상처받았지만, 우리가 가져야 할 용기로 반응하지 않고 있어서 에덴을 그린다. 오늘날 사회는 과도한 쾌락주의의 결과이며, 이념과 도덕적 가치가 부족하다. 나는 회화를 통해 평화, 행복, 아름다움을 전달하기 위해 에덴을 그린다” [4].
이 선언은 그토록 강렬한 작품이 뒷받침하지 않는다면 순진하게 들릴지도 모릅니다. 로 지우디체는 우리에게 쉬운 낙원이나 가짜 에덴을 제공하지 않습니다. 그의 낙원은 복잡하고 양가적인 공간으로, 폭력적인 과정에서 아름다움이 나타나고 어둠에서 빛이 태어납니다. 이것은 악과 파괴의 현실을 무시하지 않으면서 변형과 승화를 제안하는 낙원 비전입니다.
마르첼로 로 지우디체 작업의 가치는 가장 기본적인 자연의 과정에 뿌리내리면서도 가장 현대적인 물음에 열려 있는 작품들을 창조할 수 있는 그의 능력에 있습니다. 그의 회화는 물질, 땅, 색에 대해 이야기하지만, 동시에 환경과의 관계, 파괴와 창조의 능력, 혼란스러운 세상에서 의미를 찾으려는 우리의 욕구에 대해서도 말하고 있습니다.
그리고 어쩌면 이것이 Lo Giudice의 진정한 성공일지도 모릅니다: 예술, 심지어 가장 추상적인 예술조차도 결코 현실 세계와 완전히 단절되지 않았다는 것을 우리에게 상기시켜주는 것입니다. 그의 그림들은 접근할 수 없는 다른 세계로 가는 창이 아니라, 우리가 물질, 자연, 삶과의 관계를 반영해 바라볼 수 있는 거울입니다.
그러니 다음에 그의 거대한 캔버스를 마주할 때는 시간을 내어 진정으로 바라보아야 합니다. 이 추상적인 풍경들, 상상의 지질학에 흠뻑 빠져들어 보십시오. 그리고 아마도 단순한 기술적 기교의 시연이 아니라, 우리 세계에서의 위치와 그에 대한 책임에 관한 깊은 명상을 발견할지도 모릅니다.
결국 중요한 것은 바로 그것입니다: 단순한 아름다움이 아니라, 의식입니다. 우리 환경의 연약함과 강력함에 대한 의식, 파괴하고 창조할 수 있는 우리의 능력에 대한 의식, 미래 세대에 대한 우리의 책임에 대한 의식. 그리고 결국, 예술이 우리에게 가져다주어야 하는 것도 바로 이것이 아닐까요?
- 마르첼로 로 주디체, 브로드웨이 월드 뉴스 데스크와의 인터뷰, 2015년 5월, 뉴욕 UNIX 갤러리의 “EDEN: Pianeti Lontani” 전시회 기념.
- 클로드 레비스트로스, “야생의 사유”, 플롱 출판사, 파리, 1962.
- 멜라니 클라인, “사랑, 죄책감과 보상 및 기타 작품 1921-1945”, 프리 프레스, 뉴욕, 1975.
- 마르첼로 로 주디체, 줄리엣 아트 매거진을 위한 줄리아 루소와의 인터뷰, 2017년 6월, 로마 MAXXI 박물관의 “Eden: Distant Planets” 전시회 기념.
