잘 들어봐요, 스놉 여러분, 여러분의 미적 무기력함을 깨뜨릴 한 화가를 소개하겠습니다. 마리나 페레즈 시마오는 단순한 브라질 예술가가 아니라 인식의 불확실한 경계를 통해 우리를 안내하는 우주적 항해자입니다. 그녀의 캔버스에서 이 특별한 여성은 낮이 밤을 포옹하는 그 순간의 본질, 꿈과 현실이 뒤섞이는 그 순간을 포착합니다.
그녀의 작품을 볼 때 나는 마치 추상화의 세이렌 앞에 선 오디세우스와 같습니다. 어지러운 색채의 발레 속에서 겹쳐지는 다중의 지평선에 매료됩니다. 시마오의 구성은 단순한 풍경 묘사가 아니라, 각기 다른 색층이 의식의 상태에 대응하는 정신적 지도입니다. 그녀의 회화 세계에는 모호함이 지배하는데, 바로 이 불확정성이 그녀의 힘을 이루고 있습니다.
메를로-퐁티의 현상학은 인식이 결코 수동적인 행위가 아니라, 몸과 정신이 얽혀 세계에 의미를 부여하는 능동적 구성임을 가르쳐 줍니다. “가시적인 것과 비가시적인 것은 감각적 경험에서 끊임없이 맞닿아 있습니다.” 바로 이것이 시마오가 그녀의 작품에서 우리에게 보여주는 것입니다. 그녀의 불가능한 풍경들은 우리의 인식 확신이 미나스제라이스의 아침 안개처럼 녹아내리는 전장이기도 합니다. “눈은 단지 보이는 것에만 민감한 것이 아니라, 그것을 보이게 하는 것에 민감하다.”라고 메를로-퐁티는 썼으며[1], 마리나 페레즈 시마오의 캔버스는 이 변증법을 완벽하게 구현하여 관찰자가 의미의 출현에 적극적으로 참여하게 합니다.
2024년 라이프치히의 G2 쿤스트할레에서 열린 그녀의 “Zwielicht” 전시를 예로 들어 봅시다. 이 거대한 그림들은 유동적인 움직임과 빛나는 색채를 가진 채, 특정한 장소보다는 다양한 의식 상태 사이의 전환을 나타냅니다. 예술가는 우리를 황혼의 경계에 빠뜨리며, 여기서 현실의 윤곽이 사라지고 내면의 비전이 자리잡습니다. “Zwielicht”는 독일어로 “개와 늑대 사이”를 의미하는데, 이 빛이 변화하고 우리의 세계 인식이 변형되는 순간입니다.
현상학이 시마오의 작품을 이해하는 해석 틀을 제공한다면, 페르난두 페소아의 시는 그 존재적 차원을 포착할 수 있게 해줍니다. 포르투갈 시인의 이질적 작명법, 즉 여러 창조적 인격으로 분열될 수 있는 능력은 브라질 여성 예술가의 하이브리드 풍경에서 강렬한 울림을 찾습니다. 페소아가 다양한 인간 경험의 측면을 탐구하기 위해 여러 이질적 작명을 사용했던 것처럼, 시마오는 그녀의 구성에서 다양한 관점과 시야를 확장합니다.
페소아는 그의 시 “Autopsychographie”에서 “시인은 시뮬레이터”이며 “완전히 시뮬레이션하여 결국 자신이 진정으로 느끼는 고통조차 시뮬레이션하게 된다”[2]라고 주장합니다. 이러한 주관적 경험의 에칭은 다양한 현실 층 사이를 항해하도록 초대하는 시마오의 접근법과 깊이 공명합니다. 그녀의 그림들은 시각적 시뮬레이션으로, 역설적이게도 실제 감각, 예를 들어 지는 해 앞에서의 눈부심, 광활한 풍경 앞에서의 현기증, 황혼의 우울함과 다시 연결시켜줍니다.
2022년 런던의 페이스 갤러리에서 열린 “Onda” 전시에서 마리나 페레즈 시마오는 여러 패널에 걸쳐 유기적 형태가 서로 이어지는 듯한 폴립티크 시리즈를 선보였으며, 이는 단편적이지만 일관된 시각적 이야기를 만들었습니다. 이 분열된 서사 구조는 페소아의 “불안의 책”을 떠올리게 하는데, 이 작품은 단편들로 구성되어 함께 끊임없이 움직이는 의식의 초상화를 그립니다. “나는 전체를 알지 못하는 자아의 일부”라고 페소아의 이질적 작명인 베르나르도 소아레스가 이러한 작품을 감상하며 썼을 법합니다. 여기서 통일성은 분열에서 태어납니다.
마리나 페레즈 시마오의 강점은 풍경의 경험을 내면 탐색으로 변형하는 능력에 있습니다. 그녀의 구성의 감각적 파동은 단순한 언덕이나 파도의 묘사가 아니라 우리의 변덕스러운 감정 상태에 대한 시각적 은유입니다. 그녀가 한 인터뷰에서 말했듯이: “나는 변화를 창조하기 위해 구성을 깨뜨린다, 그림 너머의 무언가에 대한 약속.” 이 한계 너머, 가시적인 것을 뛰어넘는 약속은 그녀의 예술적 행보의 핵심입니다.
예술가는 슬플 때 작업하지 않는다는 고백은 주목할 만합니다! 고뇌하는 천재의 낭만적 신화와 달리, 시마오는 창작의 전제 조건으로 기쁨을 주장합니다. “나는 작업실에 있기 위해 기분이 좋아야 한다,”고 그녀는 말합니다. 이러한 창조적 행복 윤리는 그녀의 그림에 특별한 빛남과 색채 진동으로 나타나 일상적인 우울함에서 우리를 벗어나게 합니다. 그녀의 추상 풍경은 시각적 기쁨을 만들어내는 기계이며, 미를 갈망하는 우리의 뉴런을 자극하는 광학 장치입니다.
시마오가 파리 미술학교에서 받은 교육은 분명 그녀의 회화 기법에 영향을 미쳤지만, 독특한 시각 언어는 브라질 풍경과의 대화 속에서 구축되었습니다. 그녀의 작품 속 생생한 색채, 그 불타는 오렌지, 깊은 푸른색, 황혼의 보랏빛은 브라질 자연의 놀라운 대비를 떠올리게 합니다. “모든 것이 너무 과하다,”고 그녀는 그녀의 고향에 대해 말합니다. 거기서는 폭풍이 갑자기 몰아치고, 빛이 하루 중 시간에 따라 풍경을 근본적으로 변화시킵니다.
마리나 페레즈 시마오의 작품에서 인상적인 점은 통제와 방임 사이의 끊임없는 긴장감입니다. 각 그림은 일련의 수채화와 스케치를 통해 세심하게 준비되지만, 작가는 최종 작업에서 항상 즉흥적인 부분을 유지합니다. 그녀는 “나는 그림에서 너무 많은 망설임을 좋아하지 않는다”며 “나는 직접적인 동작을 좋아한다”고 말합니다. 이러한 유동적인 제스처는 그녀의 구성에 거의 음악적인 성질을 부여하여, 마치 각 색상이 시각적 심포니의 한 음표인 듯한 느낌을 줍니다.
그녀의 작업을 단순한 추상 풍경 변주로 축소하려는 이들에게 저는 말합니다: 눈을 크게 뜨세요! 시마오의 예술은 쉽게 분류할 수 있는 범주를 초월하며 우리를 전면적인 감각 경험으로 초대합니다. 그녀의 그림은 세상을 비추는 창이 아니라, 우리의 내면을 비추는 거울이며, 물리 법칙이 정지된 평행 차원으로의 관문입니다.
비평가 헷티 주다(Hettie Judah)는 시마오의 다면화에서 “패널 사이 공간에서 흥미로운 무언가가 일어난다”고 정확히 관찰했습니다. 이 틈새, 작품을 점점이 나누는 벽의 몇 센티미터는 우리의 상상력을 투영하는 공간이 됩니다. 이 간격에서 무슨 일이 일어날까요? 시간의 간격일까요? 공간의 움직임일까요? 이러한 명확한 답이 없는 질문들은 작가가 제공하는 미적 경험의 필수적인 부분입니다.
시마오의 작업 방식은 조지아 오키프에서 헬렌 프랭큰탈러를 거쳐 타르실라 두 아마랄까지 추상과 구상의 경계를 탐구한 예술가 계보에 속합니다. 하지만 그녀는 이러한 전통에 우리 시대의 생태학적 긴급성에 깊이 스며든 현대적 감수성을 더합니다. 그녀의 환상적인 풍경들은 인류세 재앙 이후 자연이 권리를 되찾은 대체 세계, 즉 포스트 아포칼립스적 비전으로 읽힐 수 있습니다.
마리나 페레즈 시마오가 단지 예쁜 이미지만 제작하는 순진한 예술가라고 생각하지 마세요. 그녀의 작업은 디지털 시대의 회화 가능성과 한계에 대한 깊은 고민에 뿌리를 두고 있습니다. 가상 이미지로 포화된 세상에서 그녀의 캔버스는 물질적 회화 존재의 부인할 수 없는 존재감, 창작 행위에서 동작과 신체의 중요성을 주장합니다.
그녀가 창작 과정을 이야기할 때, 시마오는 그녀가 찾는 “무지의” 감각을 언급합니다: “나는 나 자신을 놀라게 해야 한다. 나는 이 무지의 감각을 가져야 한다: 이것은 무엇인가? 이것은 어디인가?” 이러한 철학적 놀라움의 자세, 가시적 사물에 대한 끊임없는 질문은 그녀 작업의 핵심입니다. 이 화가는 답을 제공하지 않고, 우리의 확신이 녹아내리는 적극적 관조의 공간을 제공합니다.
기술에 대해 말하자면, 페인트 층이 지층처럼 캔버스에 쌓여 눈길이 표면 아래로 깊이 들어가도록 초대합니다. 매끄러운 구역과 두껍게 칠해진 부분, 투명성과 불투명성 사이의 소재 대비는 시각 경험에 촉각적 차원을 더합니다. 마치 꿈꾸는 풍경을 만지는 것처럼 이 그림들을 어루만지고 싶어집니다.
마리나 페레즈 시마오의 예술에는 깊은 해방감이 있습니다. 내외부, 현실과 상상의 경계를 흐림으로써 그녀는 우리가 세계를 인식하는 것이 항상 주관적 구성이고 자체로 창조적 과정임을 상기시킵니다. 그녀의 그림은 우리의 내면 풍경을 탐험하고 의식의 미로 속에 길을 잃도록 초대합니다.
다음에 시마웅(Simão)의 그림 앞에 서게 된다면, 완전히 그곳에 마음을 맡기는 시간을 가져보세요. 눈을 색채의 층 사이로 방황하게 하고, 그녀의 구도의 관능적인 물결에 빠져들고, 색채 대비의 리듬에 맞춰 호흡하세요. 예술은 이해하기 위해 존재하는 것이 아니라 경험하기 위해 존재하며, 현대 미술가 중 이처럼 강렬한 경험을 선사하는 이는 드뭅니다, Marina Perez Simão.
즉각적인 만족을 찾으며 그림 앞을 스쳐 지나가는 천박한 관객이 되지 마세요. 오히려 미지로의 여정을 떠날 용감한 여행자가 되세요. 시마웅의 작품은 바로 그러한 의미를 지닙니다: 먼 땅이 아니라 우리 자신의 미탐험된 감성의 영역으로 떠나는 초대입니다.
그러한 열린 마음을 갖지 못하고 미적 확신에 집착하는 쪽을 택한다면, 어쩔 수 없죠! 여러분은 현대 예술이 제공하는 가장 흥분되는 시각적 경험 중 하나를 놓치게 될 것입니다. Marina Perez Simão는 여러분의 승인 없이도 계속 빛날 것입니다, 여러분의 성급한 판단이 잊힌 후에도.
- Merleau-Ponty, Maurice. “가시적 세계와 비가시적 세계”, Éditions Gallimard, 파리, 1964.
- Pessoa, Fernando. “자기 심리학”, 『페르난두 페소아 시집』에서, Christian Bourgois 출판, 파리, 2001.
