잘 들어봐요, 스놉 여러분, 마크 퀸(Marc Quinn, 1964년생)은 1990년대 이후 인간의 몸에 대한 우리의 확신을 가장 격렬하게 흔든 영국 예술가임이 틀림없습니다. 그는 5년에 한 번 거의 5리터에 가까운 피를 뽑아 “Self”라는 얼어붙은 자화상을 만드는 것을 주저하지 않는 사람입니다. 이 조각상은 정교한 냉각 시스템 덕분에 -18°C에서 인공 생명을 유지하는 머리 조각입니다. 우리의 실존적 연약함을 직설적이고 무자비하게 은유하며, 마틴 하이데거의 죽음을 위한 존재에 관한 사유를 직접 떠올리게 합니다. 퀸은 혈액 보존에 필요한 임상적 냉정함과 다를 바 없는 냉정함으로 우리를 유한함과 직면하게 합니다.
삶과 죽음은 그의 작품에서 끊임없이 뒤얽혀 있습니다. 마치 동전의 양면과 같아서 그는 우리 눈앞에서 그것을 계속 돌립니다. 그의 작품은 생명의 보존에 대한 거의 병적인 집착을 드러내는데, 이는 밀라노 프라다 재단의 기념비적 설치작 “Garden”(2000년)에서 볼 수 있듯이 수천 송이의 꽃들을 -20°C의 실리콘 안에 영원히 고정시킨 것입니다. 가장 문자적인 의미의 정물화로서, 모든 것의 허무함과 영속성의 환상에 대한 쇼펜하우어의 사상을 떠올리게 합니다. 이 꽃들은 죽었으면서도 불멸하며, 시간을 거스르는 완전한 상태로 인공적으로 보존되나 여전히 전기 연결에 의존합니다. 퀸은 우리의 모순들을 끊임없이 놀이하며, 영원에 대한 우리의 욕망을 조롱하고 기술에 대한 우리의 의존성을 강조합니다.
이 삶과 죽음의 이중성은 DNA 초상 시리즈에서도 나타나는데, 특히 노벨상을 수상한 존 설스턴 경(Sir John Sulston)의 작품은 그의 유전 물질을 한천 젤에 배양해 만들었습니다. 이 작품은 우리 DNA에 암호화된 개인의 고유성과 생물학적 조건의 보편성 사이의 긴장을 완벽하게 구현합니다. 이는 피사체의 외관을 전혀 드러내지 않으면서 전체를 재현할 수 있는 지침을 문자 그대로 담고 있는 역설적 자화상입니다.
그러나 퀸이 신체와 아름다움에 관한 사유의 정점에 이른 작품은 장애인을 주제로 한 백색 대리석 조각 시리즈일 것입니다. 2005년부터 2007년까지 트라팔가 광장의 네 번째 받침대에 전시된 알리슨 래퍼(Alison Lapper)의 임신한 거대한 동상은 런던 풍경에 진정한 충격파였습니다. 팔 없이 태어난 여성을 넬슨 제독의 기둥 앞에 놓음으로써, 넬슨 역시 팔이 절단된 인물이었기에, 퀸은 고전 조각의 규범과 장애에 대한 우리의 편견을 능숙하게 뒤집었습니다. 그는 여기서 미셸 푸코가 권력과 신체 규범과의 관계에 대해 사유한 고전에 발맞추어, 우리 사회가 “정상” 또는 “비정상”으로 간주하는 것을 정면으로 질문합니다.
“완전한 대리석들”이라는 제목의 이 시리즈에는 사지 결손 또는 절단된 상태로 태어난 여러 사람의 조각품이 포함되어 있습니다. 카라라산 흰 대리석을 사용하여 고전 조각의 대표적인 고귀한 재료로서, 퀸은 이러한 “불완전한” 몸을 아이콘의 자리로 끌어올립니다. 그는 관객으로 하여금 아름다움과 신체적 완벽성에 대한 자신의 편견에 맞서도록 강요합니다. 이 작품들은 차이를 축하하는 것이 아니라, 인간 존엄성의 모든 표현을 확인하는 것입니다.”
퀸의 도발은 결코 무작위적이지 않으며, 항상 우리 몸과 정체성에 대한 더 깊은 철학적 주장을 담고 있습니다. 예를 들어, 불가능한 요가 자세를 취한 금 조각 시리즈인 케이트 모스 작품을 생각해 보세요. 명백한 팝 아이콘의 찬사 뒤에는 우리 사회의 쇼 비즈니스와 새로운 토템에 대한 강렬한 비판이 숨겨져 있습니다. 퀸은 모델의 몸을 현대적인 우상으로 변모시켜 Г이 드е브орд(Guy Debord)가 말한 신체 상품화와 이미지의 폭정에 관한 분석과 일치합니다. 2008년작 금 18K로 만든 “Siren”은 우리의 새로운 숭배와 가치를 질문하는 현대의 비너스입니다.”
성전환자와 극단적인 신체 변형에 관한 그의 작업은 유동적인 정체성에 대한 고찰을 더욱 깊게 합니다. 버크 엔젤(Buck Angel)과 앨러너 스타(Allanah Starr)의 하이퍼리얼리즘 조각을 통해 남성과 여성, 자연과 인공의 경계를 탐구합니다. 그는 판단하지 않고, 르네상스의 해부학 도판을 떠올리게 하는 임상적 정확성으로 이를 드러냅니다. 르네상스 예술가들이 인간 신체의 작동 방식을 이해하려 했던 반면, 퀸은 성형 수술과 합성 호르몬 시대에 인간이란 무엇인가를 물음니다.”
신체 변형을 극단적으로 행한 인물들을 조각한 시리즈는 이 탐구의 정점입니다. 고양이를 닮기 위해 외과적으로 변형한 “캣맨” 데니스 애브너(Dennis Avner) 등이 그 대상입니다. 퀸은 이러한 자발적인 변신을 여타 주제와 마찬가지로 객관적으로 기록하며, 개인 정체성과 신체 자율성의 한계에 대한 숙고를 강요합니다. 이 작품들은 충격적인 질문을 던집니다: 신체 변형을 어디까지 진행하면서도 자신다움을 유지할 수 있을까요?”
예술가는 “Flesh Paintings” 시리즈의 생고기 그림처럼 우리를 불편하게 만들기 위해 주저하지 않습니다. 이 피 묻은 정물화들은 렘브란트의 피가 벗겨진 인체와 프랜시스 베이컨의 시체를 연상시키며 전통 회화와 현대 미술 사이에 매혹적인 대화를 창조합니다. 퀸은 우리가 보통 무시하려 하는, 우리의 존재의 거친 물질성, 깊이 육체적인 본성을 정면으로 바라보게 만듭니다.”
인간이든 동물이든 육체는 그의 작품에 끊임없이 등장합니다. 2013년작 “The Way of the Flesh”에서는 임신한 여성의 나체와 생고기 조각을 나란히 배치해, 생명 탄생과 육체의 죽음 사이에 불편한 시각적 긴장을 만들어 냅니다. 5미터가 넘는 이 대작은 육류 소비에 대한 우리의 양가감정과 육체를 지닌 존재로서의 조건에 직면하게 합니다.”
인간 몸의 한계를 탐구하는 것은 “Evolution” 시리즈의 대형 대리석 배아 조각에서 특히 극단적인 방향으로 나타납니다. 이러한 거의 형체가 완성되지 않은 생명체 형상을 과도하게 확대함으로써, 퀸은 삶의 기적을 다르게 바라보게 하는 효과를 창출합니다. 그는 이로써 피터 슬로터다이크(Peter Sloterdijk)가 유전자 조작 시대에 논의한 인류와 인간공학(anthropotechnique)에 관한 질문에 동참합니다. 이 거대한 배아들은 현대의 스핑크스처럼 우리 종으로서의 미래에 관해 질문합니다.”
Quinn은 2009년에 시작된 “History Paintings” 시리즈에서 보이듯이, 우리 시대의 냉정한 비평가이기도 합니다. 이 대규모 회화와 태피스트리는 시사 사진, 폭동, 시위, 재난을 재현하여 미디어의 흐름을 현대의 프레스코화로 변화시킵니다. 작가는 여기서 역사를 폐허의 축적으로 보는 Walter Benjamin의 환멸적인 시각을 채택하면서도 역사 대회화의 전통에 속합니다.
최근 몇 년간 그의 작업의 정치적 측면은 더 강해졌습니다. 2019년의 프로젝트 “Our Blood”는 수천 명의 기증자, 그 중 절반이 난민인 사람들로부터 혈액을 수집하는 것을 포함하는데, 이는 사회 문제에 대한 그의 증가하는 참여를 보여줍니다. 난민과 비난민의 피를 문자 그대로 섞음으로써 Quinn은 우리의 공통된 인간성을 강력한 은유로 만들어냅니다.
2020년 브리스톨에서 Edward Colston 동상이 철거된 받침대에 몰래 설치된 그의 최신 프로젝트 “A Surge of Power (Jen Reid)”는 공공 논쟁에 강렬하게 개입하는 그의 능력을 입증합니다. 노예 상인의 동상을 Black Lives Matter 운동가의 동상으로 대체함으로써 Quinn은 단순히 시사를 논평하는 것뿐만 아니라 역사와 그 상징의 재작성에 적극적으로 참여합니다.
가장 최근인 2024년 Kew 식물원에서 열린 “Light into Life” 전시는 그의 작업에 새로운 전환점을 찍습니다. 주위를 반사하는 폴리시드 스틸로 만든 대형 조각들은 인공과 자연 사이의 매혹적인 대화를 만들어냅니다. 약용 식물에서 영감을 받은 이 시리즈는 착취와 보존, 파괴와 재생이라는 자연과의 복잡한 관계를 탐구합니다.
Quinn은 복잡한 철학적 질문을 시각적으로 강렬한 작품으로 변환하여 우리에게 직접적으로 도전합니다. 혈액, 대리석, 얼어붙은 꽃을 다루든, 그는 항상 우리의 기억에 깊이 남는 이미지를 창조하면서 우리의 조건에 대한 근본적인 질문을 던집니다. 그의 예술은 일종의 왜곡된 거울로서 우리 자신에 대해 친숙하면서도 이상하게 불안한 모습을 되돌려줍니다.
시각적 도발과 개념적 깊이를 결합하는 그의 능력은 Quinn를 현대 미술계에서 독특한 예술가로 만듭니다. 그의 작품들은 단지 충격을 주는 것에 그치지 않고 필수적인 질문에 대해 사고하도록 우리를 강요합니다: 신체 개조 시대의 정체성은 무엇인가? 기술 사회에서 신체의 지위는 어떠한가? 차이를 어떻게 쾌락주의나 구경꾼 시선 없이 표현할 수 있는가?
Marc Quinn은 우리를 기쁘게 하기보다는 생각하게 만드는 예술가이기 때문에 세대 중 가장 중요한 예술가 중 한 명으로 보입니다. 예술가의 가치보다 의미에 더 관심을 가지는 현대 미술계에서 그의 접근은 드문 급진성과 적합성을 유지합니다. 그는 예술이 우리의 벽을 장식하기 위한 것이 아니라 우리의 아름다움과 괴이함 모두를 마주하게 하기 위해 존재함을 상기시켜줍니다.
현대 미술이 단지 거대한 익살에 불과하다고 생각하는 속물들에게 말하자면, Quinn은 정반대를 대표합니다: 우리 시대의 거대한 질문을 탐구하기 위해 가능한 모든 수단을 사용하는 예술가입니다. 그의 작품들은 관중을 놀라게 하기 위한 장치가 아니라, 우리가 본 후에도 오래도록 우리를 계속 사유하게 하는 사고의 도구입니다. 우리의 세계가 기준을 잃은 듯한 지금, 그의 작업은 완성된 답이 아니라 21세기에 인간임의 의미에 관한 필수적인 질문을 우리에게 제공합니다.
