잘 들어봐요, 스놉 여러분, Richard Hambleton은 맨해튼 벽에 실루엣을 그리는 단순한 거리 예술가가 아니었습니다. 1952년 밴쿠버 섬의 토피노에서 태어난 이 날카로운 시선을 가진 캐나다인은 외과의의 정밀함과 예언자의 긴급함으로 도시 표현 예술의 코드를 재정의했습니다. 1979년 로워 이스트 사이드에 정착해 붓과 검은색 페인트를 들고 있을 때, 그는 공공 예술과 우리의 관계를 영원히 혁신할 것임을 예상하지 못했습니다.
Hambleton의 작품은 우리가 생각하는 것보다 훨씬 오래된 미학 전통에 뿌리를 두고 있습니다. 1980년대 뉴욕 골목을 배회하던 그의 ‘Shadowmen’, 유령 같은 실루엣들은 19세기 낭만주의 회화의 유산에 직접적으로 속합니다. 비효율적인 것을 포착하려는 낭만주의 풍경화가들처럼, Hambleton은 도시 공간을 순수한 감정의 무대로 변모시킵니다. 어둠 속에 서둘러 그려진 그의 검은 형상들은 Caspar David Friedrich의 작품을 강력하게 연상시키는데, 그곳에서 인간은 광활함 앞에서 나른한 실루엣으로 축소됩니다. Friedrich에게 있어 구름 바다 위의 여행자는 현대 인간 조건의 상징이 되며, Hambleton에게는 위협적인 그림자를 발견하는 밤길 지나가는 이가 미지와의 동일한 대면을 경험합니다. 이 계승은 우연이 아닙니다. 2000년대 후반의 그의 “Beautiful Paintings”에서는, Hambleton이 낭만주의의 코드를 명시적으로 되살려, 턴러를 연상시키는 금빛 수평선의 해양 풍경을 현대적인 제스처와 물감이 감성으로 변하는 회화적 물질성으로 작업합니다. 페인트를 흘러내리게 하기 위해 캔버스를 기울이는 그의 기법은 중력과 유동성의 자연력을 예술가가 대화하는 낭만주의적 통제된 우발성 미학에 뿌리를 두고 있습니다. 이 접근은 그의 작업에 단순한 낙서범의 이미지를 붙이려 했던 일부 비평가들과는 달리, 주요 미학 계보에 참여하는 예술가의 의식을 드러냅니다. Hambleton은 낭만주의 유산을 현대적 언어로 변환함으로써, 위대한 존재론적 질문들이 시대를 거쳐 끊임없이 새로워진다는 것을 증명합니다.
하지만 햄블턴의 예술은 또한 그를 동시대인들과 근본적으로 구별 짓는 깊은 문학적 차원과 대화한다. 그의 “Shadowmen”은 1945년에 출판된 헤르만 브로흐의 주요 작품인 “베르길리우스의 죽음”과 불길한 연결고리를 유지한다[1]. 브로흐의 소설 속에서 베르길리우스가 현실과 환상 사이를 헤매는 것처럼, 햄블턴의 실루엣들은 존재와 부재, 구체화와 소멸 사이를 오간다. 오스트리아 작가는 자신의 창조물에 사로잡혀 열병의 고통 속에서 꿈과 현실을 구별하지 못하는 베르길리우스를 묘사한다. 이 층위의 혼란은 햄블턴의 “Shadowmen”에서도 시각적으로 드러나는데, 이들은 도시 무의식의 표출로 골목 모퉁이에서 나타나는 경계적 인물이다. 브로흐는 소설에서 “어디서나 자기 자신과 만났다”고 쓰며, 창조자가 자신의 환상을 관찰자가 되는 분열 경험을 묘사했다. 햄블턴은 예술가와 작품, 관객과 이미지 사이의 경계를 동일하게 넘나든다. 그의 야간 실루엣들은 도시 곳곳에 흩어진 예술가의 분신처럼 작용하며, 브로흐가 소설에서 탐구한 “정체성의 다중화”를 창출한다. 이러한 문학적 미학의 영향은 1976-1978년 시리즈 “Image Mass Murder”에서도 드러나는데, 햄블턴은 빨간 물감이 튄 인간 몸의 윤곽을 분필로 그렸다. 이 가짜 범죄 현장들은 항상 주인공 주변을 맴도는 죽음의 불안한 분위기를 연상시키는 브로흐 소설의 분위기를 환기시킨다. 세계의 폭력 앞에서 아름다움에 대한 혐오로 자신의 “아이네이스”를 파괴하려 한 베르길리우스처럼, 햄블턴은 범죄와 타락으로 얼룩진 도시적 맥락에서 예술의 정당성을 질문한다. 이러한 미학적 근접성은 그가 단순한 독학 그래피티 아티스트가 아닌, 유럽 현대 문학의 위대한 텍스트로부터 깊이 양육된 예술가임을 보여준다. 햄블턴은 도시 예술이 주요 문학 작품들의 철학적 복잡성을 내포할 수 있음을 증명하며, 도시의 벽들을 우리 시대의 실존적 질문들을 펼쳐 놓은 책의 페이지로 전환시킨다.
그의 도시 공간에 대한 접근법은 놀라운 전술적 지능을 드러낸다. 햄블턴은 무작위로 그림을 그리지 않는다: 그는 지나가는 사람들에게 심리적 영향을 극대화하기 위해 자신의 작업을 신중히 지도한다. 그의 “Shadowmen”은 어두운 구석, 막다른 골목, 인간의 존재를 기대하지 않는 사각지대에서 나타난다. 이러한 기습 전략은 작품과의 우연한 만남 하나하나를 일상과 비범한 세계 사이의 본능적 경험, 전환의 순간으로 변화시킨다.
“나는 도시를 검은색으로 그렸다”고 그는 간단히 말하며 그의 행위의 급진성을 한 문장으로 요약했다[2]. 그러나 이 어둠은 절망이 아니다: 그것은 계시다. 햄블턴은 그림자의 색을 이용해 보이지 않는 것을 가시화하고, 우리의 도시적 상상력을 떠도는 유령 같은 존재들을 구체화한다. 그의 실루엣들은 꿈꾸는 도시의 징후가 되어, 도시가 자신의 불안과 욕망을 벽의 불투명한 표면에 투사하는 모습을 나타낸다.
그의 작업이 캔버스로 전환된 것은 결코 그의 벽화 기원을 저버리는 것이 아니다. 일부 순수주의자들이 주장했던 것과는 달리, 이 전환은 항상 예술과 삶의 경계를 탐구해온 예술적 행위의 일관성을 드러낸다. 마를보로 광고에서 영감을 받은 그의 “Horse and Riders”는 미국 이미지의 코드를 전복시켜 신화적 차원을 드러낸다. 카우보이는 현대인의 새로운 상징이자 고독하고 영웅적인 존재로서, 다른 맥락에서 자신의 “Shadowmen”의 낭만적 미학을 계승한다.
햄블턴이 현대미술사에 남긴 흔적은 스트리트 아트의 영역을 훨씬 넘어선다. 1984년과 1988년 베니스 비엔날레에 참여하고, 세계 주요 기관에서 전시하며, 그 동안 주변적인 매체로 여겨지던 영역에 새로운 정당성을 부여했다. 뱅크시(Banksy)나 블렉 르 라트(Blek le Rat, 자비에르 프루)와 같은 아티스트들에게 끼친 영향은 그의 혁명적인 접근 방식을 증명한다.
하지만 아마도 햄블턴의 진정한 위대함은 상업적 재활용에 대한 저항에서 드러난다. 자신의 작업이 상업화되는 것을 용이하게 하지 않으며, 때로는 타협 대신 불안정함을 택하는 그는 저항하는 낭만적 예술가의 상징이다. 1990년대에 겪은 중독과 고립으로 인한 나락으로의 추락은 단순한 우연이 아니라 전면적인 예술적 헌신의 어두운 면을 보여주며, 제도적 성공의 쉬운 길을 거부하는 것이다.
그의 말년 ‘Beautiful Paintings’ 시리즈는 불타는 듯한 황금색의 추상 풍경으로, 순수한 아름다움으로의 평화로운 회귀를 나타낸다. 햄블턴은 여기서 자신의 도시적 필치와 고전적 미학 사이에 탁월한 합일을 이루어, 그의 예술이 항상 이중적인 차원, 즉 개입의 긴급성과 관조의 영속성을 내포하고 있었음을 증명한다.
2017년 그는 현대미술계의 모범적인 궤적을 마감했다. 도시 매체의 한계를 보편적 시적 언어로 변모시킨 창조자로서, 리처드 햄블턴은 거리 예술에 품위를 부여한 인물로 남는다. 결코 그것을 순화하여 수용 가능하게 하지 않고, 당시의 중요한 미학적 문제들의 복잡성을 불어넣음으로써.
햄블턴의 작품은 진정한 예술이란 언제나 확립된 경계를 넘어선 탈주의 산물임을 가르친다. 거리와 갤러리 사이, 형상과 추상 사이, 전통과 아방가르드 사이에서 그는 독특한 길을 개척했으며, 그것은 새로운 세대 아티스트들에게 계속해서 영감을 주고 있다. 그의 유산은 스트리트 아트의 영역을 넘어서 현대 창작의 근본적인 질문들, 즉 이미지가 넘쳐나는 세상에서 예술이 어떻게 여전히 놀라게 하고, 감동시키며, 드러낼 수 있는가에 관한 물음을 다룬다. 햄블턴의 해답은 아직도 우리의 시각 기억을 떠도는 수천 개의 검은 실루엣에 있다. 이것들은 도시 예술이 여전히 스스로의 규칙을 창조하던 시대의 지속적인 유령이다.
- 헤르만 브로크(Hermann Broch), La Mort de Virgile, 알베르트 콘(Albert Kohn) 번역, 갈리마르, 1955.
- 인용문, Shadowman, 오렌 제이커비(Oren Jacoby) 다큐멘터리, 2017
