잘 들어봐요, 스놉 여러분: Ben Sledsens는 여러분의 냉소에 대한 해독제를 그린다. 그의 거대한 캔버스에서 이 앤트워프 출신의 30대 예술가는 일상의 평범함을 어린 시절 우화와 회화적 회상을 뒤섞은 다채로운 서사시로 변화시킨다. 만약 도심 신경증과 실존적 불안을 아첨하는 현대미술을 찾는다면, 다른 길을 가라. Sledsens는 전혀 다른 것을 만든다: 아름다움이 스스로를 부끄러워하지 않는 평행 우주를.
앤트워프 왕립 미술 아카데미에서 교육받은 Sledsens는 자신의 개인적 신화를 구축하기 위해 Henri Rousseau, Henri Matisse, Pieter Bruegel the Elder의 아이코노그래피에 의지한다. 그의 계산된 순진함을 지닌 구성은 기하학적 나무가 우거진 숲, 불가능한 색으로 가득 찬 실내, 전통적 남성 대신 여성이 등장하는 사냥 장면으로 우리를 몰입시킨다. 예술가는 스스로 고백한다: “나는 결코 전시회를 목표로 작업하지 않고, 작품에서 작품으로 작업한다; 이런 식으로 한 작업이 나로 하여금 다른 작업을 시작하도록 영감을 준다”[1]. 이러한 유기적 접근은 각 캔버스가 서로 대화하면서 액자의 경계를 초월하는 허구의 세계를 만들어내는 일관된 작품군을 생성한다.
벨기에 화가는 거장들에게서 빌린 시각 언어를 발전시키면서도 혼란스러운 독특함을 유지합니다. 그의 레몬 옐로우 단색풍경이나 장밋빛 피부의 초상화는 야수파의 대담함을 떠올리게 하지만, 여기에는 다른 무언가가 작용하고 있습니다. 슬레드센은 중세 채색가의 태연함과 후기 인상파 화가의 기술적 세련미를 결합하여 원근법을 다룹니다. 그의 인물들은 공간 논리가 순수한 감정에 자리를 내주는 배경에서 움직입니다. 그가 “노란 숲에서”(2022)를 그릴 때, 단순한 숲속은 색채가 거의 환각적으로 변하는 빛나는 대성당으로 변모합니다.
이 매혹의 미학은 동화와 전설로 가득 찬 어린 시절에 뿌리를 두고 있습니다. 작가는 이렇게 설명합니다: “서사적 차원은 나도 모르게 어린 시절에서 비롯되었습니다. 그곳에서 우화와 신화가 역할을 했습니다. 할아버지가 잠자리에 들기 전에 이야기를 읽어주던 생생한 기억이 오래도록 인상을 남겼습니다”[2]. 이 고백은 그의 전체 작품을 조명합니다: 슬레드센은 세계를 처음 발견하는 아이의 순수함과 매체를 완벽히 구사하는 거장의 기법으로 그림을 그립니다. 그의 여우, 까마귀, 사냥꾼들은 각 동물이 에소프 우화에서 유래한 상징적 의미를 지닌 의인화된 동물군에서 활동합니다.
이 회화의 가장 흥미로운 점은 난해함에 빠지지 않고 일관된 우주론을 창조하는 능력에 있습니다. 슬레드센은 되풀이되는 인물들로 체계를 만듭니다: 방랑자(자신을 나타내며), 사냥꾼(연인 샬롯 드 게이터를 상징), 전형적인 동물들. 이 인물들은 각 캔버스에서 움직이며, 연속 이야기를 만들고 각 전시회를 더 큰 시각적 소설의 한 챕터로 만듭니다. 해체와 아이러니에 집착하는 현대 예술가들과 달리, 슬레드센은 이야기하는 기쁨을 온전히 받아들입니다.
판타지 문학의 영향은 슬레드센 세계에 깊게 스며들어 있으며, 특히 수 세기 동안 우리의 집단적 상상력을 구성해 온 유럽 민간 동화의 영향이 두드러집니다. 그리ム 형제나 샤를 페로의 이야기처럼, 슬레드센의 숲은 평범함이 비범함으로 전환되는 신비를 품고 있습니다. 그의 구성은 모든 것이 뒤바뀔 수 있는 서사적 긴장감의 순간들을 떠올리게 합니다: 폭풍 전의 고요함, 길가에서의 뜻밖의 만남, 계시 직전의 순간. 작가가 “클라이맥스의 순간들”이라 부르는 이 특별한 시간성은 각 조각을 잠재적 이야기로 변모시킵니다.
“사냥꾼과 방랑자”(2020)에서 슬레드센은 두 주요 아바타 사이의 수수께끼 같은 만남을 연출합니다. 구도는 마법 같은 동화의 세계를 불가항력적으로 떠올리게 합니다: 두 인물이 양식화된 숲속 배경에서 맞서고, 그들의 태도는 숨은 의미가 가득한 무언의 대화를 암시합니다. 최고의 동화에서처럼, 가시는 보이지 않는 것을 숨기고, 관객은 이야기의 쟁점을 추측해야 하는 공모자가 됩니다. 신비와 혼란을 혼동하는 많은 현대 작가들과 달리, 서사적 모호함을 유지하면서도 어둠에 빠지지 않는 능력은 슬레드센을 두드러지게 합니다.
작가는 또한 일상적인 환경을 특별한 사건들의 무대로 변모시키는 신비로운 전통 문학의 영향을 받습니다. 그의 다채로운 내부 공간, 불가능한 원근법을 가진 정원, 무성한 식생으로 가득 찬 거실은 마법이 가장 평범한 일상 속에 스며드는 동화의 미학을 떠올리게 합니다. 현실과 상상의 오염은 슬레드센스의 작품에서 놀라울 정도로 미묘하게 이루어집니다: 그의 색채 이상과 원근법 왜곡은 점진적으로 관람자의 시야를 사로잡아 특히 효과적인 친숙한 낯섦의 감정을 만듭니다.
그의 작업의 민속학적 측면은 유럽 전통 문양에 대한 심도 깊은 지식으로 풍부해집니다. 그의 동물들은 수세기 동안 구전되어 온 전통이 쌓아온 상징적 의미를 담고 있습니다: 영리한 여우, 전령인 까마귀, 보호자인 곰. 그러나 슬레드센스는 이러한 원형들을 현대 조형 언어로 재현하여 그림 같은 위험을 피합니다. 그의 사실주의와 양식화 사이의 혼합된 생물들은 동시에 대중 미술과 박물관적 정교함을 연상시키며, 학문적 문화와 집단적 상상력 사이의 다리를 만듭니다.
슬레드센스의 건축에 대한 관계는 그의 창의적 천재성이 드러나는 또 다른 차원을 보여주는데, 특히 회화 공간을 거주 가능한 환경으로 구상하는 방식에서 두드러집니다. 평면으로서 캔버스를 다루는 화가들과 달리, 슬레드센스는 관객이 정신적으로 들어가 걸을 수 있는 진정한 시각적 건축물을 만듭니다. 그의 구성은 플랑드르 거장들과 현대 건축가들에게서 영향을 받은 공간적 논리에 따라 조직됩니다.
이 건축적 접근법은 우선 그의 깊이감 처리 방식에 나타납니다. 슬레드센스는 복잡한 건축의 부품처럼 맞물리는 연속된 평면들로 공간을 층층이 쌓습니다. 그의 전경은 종종 이미지로 들어가는 문턱처럼 기능하는 꽃, 물건, 인물 등의 장식 요소로 넘쳐납니다. 그의 배경은 정교하게 계획된 원근법으로 조직되어 시선을 절묘하게 연출된 소실점으로 이끕니다. 이러한 정교한 공간 구성은 르네상스 시대의 회화 건축을 떠올리게 하면서도 확고히 현대적인 처리의 자유를 유지합니다.
전통 플란데런 건축의 영향은 넉넉한 볼륨과 세심하게 기록된 세부사항을 가진 그의 내부 공간에서 드러납니다. 슬레드센스는 알록달록한 목조 장식이 있는 부르주아 거실, 식생이 우거진 베란다, 화려한 벽지를 가진 방을 그려 안트베르펜의 삶의 미학을 떠올리게 합니다. 그러나 그는 이러한 친숙한 공간들을 불가능한 색으로 가득 채우고, 일상의 장식 논리를 교란시키는 꿈 같은 요소들을 도입하여 변모시킵니다. 사탕빛 분홍색 거실, 전기 파란색 벽의 방, 기하학적 식물들이 있는 겨울 정원: 슬레드센스는 가정 건축을 동화의 무대로 바꿉니다.
이러한 건축적 감수성은 그의 풍경 구성 방식에서도 표현됩니다. 그의 숲은 각 나무가 조화로운 전체 안에서 위치를 찾는 엄격한 기하학에 따라 조직됩니다. 그의 공터는 그의 이야기 연출이 펼쳐질 수 있는 완벽히 경계 지어진 극장의 공간을 그립니다. 그의 산과 호수는 도시 계획자처럼 정밀하게 회화 공간을 구조화하는 지평선을 만듭니다. 이러한 공간에 대한 숙련도는 슬레드센스가 건축의 법칙을 직관적으로 이해하고 있음을 드러내며, 그의 표현 팔레트를 크게 풍부하게 합니다.
이 예술가는 또한 대형 작품 덕분에 자신의 회화를 진정한 몰입형 환경으로 변환합니다. 그의 대형 캔버스(종종 2미터를 초과하는)는 관객과 물리적인 특별한 관계를 만들어내며, 관객은 글자 그대로 이미지에 둘러싸이게 됩니다. 이러한 환경적 차원은 Sledsens를 방문객들의 감각 경험을 변화시키기 위한 총체적 공간을 설계하는 현대 건축가들과 가깝게 만듭니다. 그의 전시회는 각각의 작품이 전시장 공간과 대화하여 전체적인 분위기를 창조하는 건축 경로가 됩니다.
Sledsens의 상업적 성공은 일부 순수주의자들을 불쾌하게 만드는데, 이들은 이것을 미술 시장과의 타협의 증거로 봅니다. 그의 작품이 경매에서 달성한 가격(2022년 “Two Bathers”의 경우 25만 달러 이상)은 작품에 대한 열광이 전문가 집단을 훌쩍 뛰어넘음을 보여줍니다. 그러나 이러한 인기는 예술가가 미적 야망을 포기하지 않으면서도 동시대에 호소하는 이미지를 창조하는 능력을 단순히 반영하는 것일지도 모릅니다. 아이러니와 부정으로 가득 찬 세상에서 Sledsens는 예술과 존재에 대한 긍정적인 비전을 용감하게 제안합니다.
그의 수집가들은 이를 잘 알고 있습니다: 그들은 유토피아의 조각, 그림 속에 결정화된 꿈의 조각들을 구매합니다. 그의 오랜 갤러리스트인 Tim Van Laere는 “Ben은 자신의 세상을 창조합니다: 대체 우주, 일종의 유토피아”[3]라고 말하며 같은 의견을 표현합니다. 그의 작업의 이러한 배출구적 차원은 환멸에 빠진 우리의 시대적 깊은 필요에 부응합니다. Sledsens는 순진함이나 의도적인 맹목에 빠지지 않고도 암울한 분위기에 대한 믿을 만한 대안을 제공합니다.
Sledsens의 기법은 특히 흥미롭습니다. 그는 아크릴, 유성, 때로는 스프레이 페인트를 조합해 놀라운 풍부함의 질감을 만듭니다. 그의 이끼 녹색, 분홍빛 파우더 색, 전기 블루는 마치 상상의 색채학 교과서에서 바로 튀어나온 듯합니다. 아카데미 교육을 통해 습득한 이 직업적 숙련은 임의의 장식으로 빠지지 않고 모든 색상을 작품의 총체적 경제 안에서 정당화할 수 있게 합니다.
그의 제작 속도가 느린 점(한 캔버스 당 한 달)은 양보다는 질을 중시하는 완벽주의 예술가임을 보여줍니다. 이러한 장인적 접근법은 많은 현대 예술가들의 산업적 생산과는 대조적입니다. Sledsens는 중세 채색화가처럼 세밀함을 쌓으며 장인의 인내심으로 그립니다. 이러한 독특한 시간성은 그의 작품에 시각적 밀도를 각인하여 관객의 긴 집중을 보상합니다.
최근 Sledsens의 도예 조각으로의 진화는 그의 조형 어휘를 더욱 풍부하게 만듭니다. 그의 채색된 꽃병들은 표면과 부피, 2차원성과 3차원성 사이의 관계를 탐구합니다. 이 기술적 다양성은 입증된 공식에 갇히지 않는 예술적 호기심을 보여줍니다. 그는 “거의 모든 발달한 문화에서 꽃병의 형태와 기능에 긴 역사가 있다”[4]고 설명합니다. 이러한 역사적 인식은 개인의 현대 조형 언어 연구에 영양을 공급합니다.
Ben Sledsens는 기법의 정교함과 예술적 문화 덕분에 진부함의 함정을 피한 행복의 회화를 창조합니다. 그는 대중적이면서도 인민주의적이지 않은, 접근 가능하면서도 단순하지 않은 예술을 창조할 수 있음을 증명합니다. 그의 작품은 마침내 아름다움과 지성, 심미적 즐거움과 개념적 깊이를 화해시킵니다. 종종 신경증과 자기 채찍질로 지배되는 미술계 풍경에서 Sledsens는 인정된 마법과 그림 그리기의 기쁨이라는 대안적 길을 제시합니다.
- 카밀라 보에미오, “벤 슬레드센”, 큐레이터 가이드, 2024년 1월
- 앞의 것과 동일.
- “이주의 책: 벤 슬레드센”, 이마지카사, 2025년 3월
- “벤 슬레드센, 팀 반 라에레 갤러리에서 신작 회화와 조각 발표”, 클럽 파라다이스, 2022
