잘 들어봐요, 스놉 여러분, 만약 여러분이 현대 풍경이 더 이상 우리에게 아무것도 전할 것이 없다고 생각한다면, 그것은 여러분이 아직 샤라 휴즈(Shara Hughes)의 놀라운 작품을 만나지 못했기 때문입니다. 1981년 애틀랜타에서 태어난 이 미국 여성 예술가는 많은 이들이 지쳐버렸다고 여긴 장르를 재창조하는 데 성공했으며, 우리의 전통적인 자연과 표현에 대한 이해를 뛰어넘는 평행 세계를 창조해 냈습니다.
우리 시대가 반복과 낡은 개념들로 포화된 가운데, 휴즈는 전통적인 범주를 초월하는 작품을 창조하는 능력으로 두드러진다. 그녀의 풍경화는 단순히 존재하는 장소를 묘사한 것이 아니라, 우리의 정신 깊은 곳을 탐험하도록 초대하는 복잡한 정신적 구조물이다. 그녀만의 독특한 시선을 통해, 각 작품은 물리학과 인식의 법칙이 꿈같은 논리에 따라 다시 쓰이는 세계로 열린 창이 된다.
예를 들어 그녀의 걸작 “The Delicate Gloom”(2018)은 단순한 꽃무늬를 의식의 본질에 대한 깊은 명상으로 변모시키는 능력을 완벽하게 보여준다. 이 아찔한 캔버스에서 색채는 고유한 생명력을 맥박치듯 발산하며 우주의 심장 박동을 연상시키는 시각적 리듬을 만들어낸다. 깊은 보라색은 산뜻한 녹색과 어우러져 의식의 경계 상태를 떠올리게 하는 색채의 춤을 펼치는데, 이는 객관적 현실이 주관적 경험의 흐름 속에서 녹아드는 순간들이다.
휴즈의 독특한 풍경 접근법은 모리스 메를로퐁티가 “지각의 현상학”에서 전개한 인식 이론과 흥미롭게 공명한다. 프랑스 철학자가 우리의 세계 경험이 근본적으로 육체적이고 주관적이라고 제안한 것처럼, 휴즈는 객관적 현실을 재현하려 하지 않고 우리의 지각적 경험의 본질을 포착하는 풍경을 창조한다. 그녀의 작품은 객관적 관찰자가 보는 세계를 보여주는 것이 아니라, 우리 내면의 의식에서 경험되는 세계를 보여준다.
휴즈가 색채를 다루는 방식은 이러한 현상학적 접근을 특히 잘 드러낸다. “What Nerve”(2024)에서는 나뭇가지에 박힌 선명한 파란 점들이 마치 우리를 바라보는 눈처럼 기능한다. 이러한 색채 터치는 단순한 장식이 아니라 나무를 우리가 바라보는 만큼이나 나무가 우리를 보는 의식 있는 존재로 변모시킨다. 메를로퐁티 사상의 핵심인 이러한 시선의 상호성은 여기서 작품 구성을 이루는 중요한 요소가 된다.
그는 준비 스케치를 하지 않고 그림이 그녀를 이끄는 과정에 자신을 맡기는데, 이는 메를로퐁티가 지각을 지각하는 주체와 지각되는 세계 사이의 끊임없는 대화로 묘사한 것과 닮았다. 붓질 하나하나, 색채 선택 하나하나가 물감 물질과의 직접적인 상호작용에서 나오며, 마치 생각이 의식 속에서 자발적으로 떠오르는 것처럼 캔버스 위에 형태가 자연스럽게 생성된다.
“Obstacles”(2019)에서 휴즈는 이 탐구를 한층 더 밀고 나간다. 나무의 그림자는 거의 만질 수 있는 존재감으로 주변 식물과 대화를 나누며, 보이는 것과 보이지 않는 것, 직접 지각되는 것과 암시되는 것 사이의 복잡한 놀이를 만들어낸다. 이 작품은 메를로퐁티가 말한 “세계의 살결”, 즉 지각하는 자와 지각되는 자를 동일한 감각적 천으로 묶는 공통의 질감을 완벽하게 보여준다.
휴즈의 기법은 그녀의 비전만큼이나 정교하다. 그녀는 다양한 매체를 사용하여 기름 물감, 아크릴, 스프레이 페인트를 캔버스 위에 혼합한다. 이러한 멀티미디어 접근법은 작품의 시각적 복합성을 풍부하게 하는 질감과 효과를 창출한다. 물감의 흘러내림, 튀김, 자발적인 선들은 단순한 스타일 효과가 아니라 우리의 지각 경험의 역동적이고 유동적인 본질을 반영하는 회화 공간을 만드는 데 기여한다.
“Hot Coals”(2024)에서 중앙의 태양은 주변 식물을 익히는 것처럼 보이며, 이는 열기와 파괴, 생명력과 위협 사이에 뚜렷한 긴장감을 만들어냅니다. 이 이중성은 단순한 주제가 아니라, 두꺼운 두껍게 칠한 부분과 더 유동적인 부분이 대비를 이루는 회화의 물질 자체에 새겨져 있어, 촉감과 시선을 동시에 유도하는 표면을 만듭니다.
그녀의 작업이 최근에 더 수직적인 형식으로 진화한 점은 특히 흥미롭습니다. 전통적인 풍경화에 비해 비정형적인 이 방향성은 단순한 형식적 선택이 아니라, 한층 더 직접적이고 구체적인 작품과의 관계로 관객이 나아가도록 우리와 풍경과의 익숙한 관계를 뒤흔드는 방식입니다.
그녀의 최근 작품에서 꽃을 다루는 방식은 그녀 연구의 새로운 차원을 드러냅니다. “My Natural Nyctinasty”(2021)에서 거대한 꽃은 보호와 감금이라는 제스처를 동시에 떠올리게 하는 방식으로 꽃잎을 닫습니다. 이 강렬한 이미지는 우리가 자연 세계에 대한 인식이 언제나 자신의 감정 상태와 심리적 투영에 의해 색칠된다는 점을 상기시켜줍니다.
처음에는 직관적으로 보일 수 있는 그녀의 색채 팔레트는 색채 현상학에 대한 복잡한 이해를 드러냅니다. 그녀가 만드는 조합들은 임의적이지 않고 특정한 지각적 경험을 불러일으키기 위해 존재합니다. 깊은 자줏빛은 공간적 깊이를 암시하는 동시에 감정 상태를 떠올리게 하고, 전기적인 노란색은 즉각적인 근접감을 만들어냅니다.
“Burn Out”(2024)에서 그녀는 색을 통해 열에 대한 우리의 지각 한계를 탐구합니다. 거의 3미터에 달하는 폭에서, 그녀는 단순히 열을 표현하는 것이 아니라, 우리가 물리적으로 느낄 수 있을 정도로 붉은색과 주황색의 심포니를 만듭니다. 이 열 감각을 시각적 경험으로 전환하는 능력은 Merleau-Ponty가 근본적이라고 여긴 우리의 감각의 공감각적 특성을 완벽히 보여줍니다.
그녀가 원근법에 접근하는 방식은 공간 지각에 대한 그녀의 이해를 특히 잘 드러냅니다. 그녀의 풍경들은 종종 여러 시점을 동시에 제시하여, 우리의 합리적 이해를 거스르는 불가능한 공간들을 만듭니다. 이 많은 시점의 증가는 단순한 형식적 놀이가 아니라 본질적으로 모호한 공간 경험의 탐구입니다.
“Swelling”(2024)에서 그녀는 동시에 여러 차원으로 펼쳐지는 거대한 파도를 만듭니다. 이 작품은 단순한 파도를 표현하는 것이 아니라, 압도적인 자연의 힘 앞에 서 있는 경험을 포착합니다. 구성은 우리에게 현기증과 불안정을 신체적으로 느끼게 하여, 공간 지각이 신체 경험과 불가분임을 보여줍니다.
그녀 작품 구성에서 공허의 중요성 역시 강조할 만합니다. 그녀의 작품에 나타나는 음영 공간은 결코 진정으로 비어 있지 않고 잠재적인 에너지로 진동합니다. “Trust and Love”(2024)에서 서로 얽힌 두 나무 사이의 공간은 전체 구성을 구조화하는 능동적 존재가 됩니다. 이 공허에 대한 다룸은 보이는 것의 일부로 보이지 않는 것을 인식한 Merleau-Ponty의 개념을 떠올리게 합니다.
그녀가 작품에서 경계와 틀을 다루는 방식은 특히 의미심장합니다. 종종 그녀는 주된 장면을 감싸는 칠해진 틀을 만들어, 인식을 둘러싼 부분처럼, 우리로 하여금 인식과 재현의 본질을 의문하도록 만드는 셈입니다. 이 틀들은 지각의 경계, 즉 서로 다른 현실 수준 사이의 통과점으로 작동합니다.
그녀의 창작 과정은 사전에 계획을 세우지 않고 유기적으로 발전하는데, 이는 세계와 우리의 지각적 관계의 본질을 반영합니다. 각 캔버스는 발견의 여정이자, 점차 그림 그리는 행위를 통해 나타나는 무한한 지각 가능성의 탐험이 됩니다.
“I’m a Fan”(2024)에서 그녀는 바람에 흔들리는 야자수의 표현을 통해 우리의 움직임 인식을 가지고 놉니다. 우리의 눈앞에서 흔들리는 듯한 잎사귀들은 단순히 움직임으로 표현된 것이 아니라, 우리의 몸 전체를 참여시키는 운동 감각을 만들어냅니다. 이러한 시각적 경험을 신체적 감각으로 변환하는 능력은 그녀 작업의 중심입니다.
휴즈의 풍경은 단순히 감상하는 장소가 아니라 관객이 자신의 모든 감각적 존재를 참여시키도록 초대받는 적극적인 경험 공간입니다. “Float Along”(2024)에서 구성의 경계를 이루는 가장자리는 실제로 우리를 그림의 공간 속으로 초대하는 포털 효과를 창출합니다. 이러한 지각적 여행의 초대는 단순한 표현에 머무르지 않는 그녀의 접근 방식을 특징짓습니다.
그녀의 최근 시리즈인 “Tree Farm”(2024)은 화신화된 지각 탐험을 더욱 진전시킵니다. 그녀가 그리는 나무들은 단순한 자연물이 아니라 캔버스 위에서 호흡하는 살아 있는 존재처럼 보입니다. “Wits End”(2024)에서는, 구불구불한 가지를 가진 버드나무가 우리 자신의 감각적 몸을 은유하며, 그 가지들은 우리 신경계를 연상시킵니다.
그녀 작업의 최근 발전에는 도자기 탐구도 포함되는데, 이곳에서 그녀는 고유의 비전을 3차원 공간으로 옮깁니다. 이 조각들은 그녀 실천에서는 새롭지만, 화신 지각에 대한 연구를 자연스럽게 확장하여 관객에게 그녀의 유기적 형태를 더욱 직접적이고 신체적으로 경험할 기회를 제공합니다.
샤라 휴즈는 전통적 풍경의 한계를 넘어 우리의 지각 경험의 토대를 탐구하는 독특한 시각 언어를 만들어냈습니다. 그녀의 작품들은 단순히 세계를 묘사하는 것이 아니라, 우리에게 다시 한 번 신선함과 강렬함으로 세상을 지각하도록 초대하며, 오늘날 회화가 무엇일 수 있는지에 대한 우리의 이해를 변화시킵니다. 그녀의 작업은 진정한 예술적 혁신이 피상적인 새로움에 있는 것이 아니라 세상과 우리 자신에 대한 시선을 새롭게 할 능력에 있음을 상기시켜줍니다.
