잘 들어봐요, 스놉 여러분. 여러분이 40년 동안 지루함만 재활용하는 같은 개념미술가들에게 감탄하는 동안, 캘거리 출신의 한 젊은 여성이 우리 시대에 대한 본질적인 무언가를 깨달았습니다: 아름다움은 아무것도 용서하지 않습니다. 1995년생 안나 웨얀은 마치 불안한 일상 속에 갇힌 도자기 인형 같은 젊은 여성들을 그립니다. 그리고 그렇게 함으로써 우리가 잠들게 내버려 두고 싶었던 유령들을 깨웁니다.
그녀의 경력은 치밀하게 계획된 듯 보입니다: 로드 아일랜드 디자인 스쿨, 중국 항저우의 중국 미술 아카데미를 거쳐, 뉴욕에 정착하여 스튜디오 조교로 일하면서 자신만의 작업을 발전시켰습니다. 특별한 점은 없지만, 2019년 로어 이스트사이드의 56 헨리 갤러리에서 첫 개인전을 열자마자 수집가들이 몰려들었습니다. 3년 후, 그녀는 전설적인 갤러리인 가고시안에 합류하여 이 갤러리에서 가장 어린 작가가 되었습니다. 그녀의 작품 중 하나인 Falling Woman은 2022년 소더비 경매에서 150만 유로에 낙찰되었습니다. 시장의 반응은 분명했지만, 제가 관심 있는 것은 그녀의 그림들이 속삭이는 바입니다.
불편한 몸
안나 웨얀은 줄리아 크리스테바가 1980년에 출판한 기초적 저서 Powers of Horror: An Essay on Abjection [1]에서 지칭한 혐오(abjection)의 핵심에서 작업합니다. 크리스테바에 따르면 혐오는 주체도 객체도 아니며, 경계가 무너지고 익숙한 것이 괴물처럼 변하는 흐릿한 영역입니다. Two Eileens (2022)를 보세요: 같은 젊은 여성의 두 모습이 있습니다. 한쪽은 미소 짓고, 다른 한쪽은 사색에 잠겨 있으며, 구겨진 슬립을 입고 타르처럼 검은 배경 위에 서로 가까이 붙어 있습니다. 이 이중성은 단순한 서사나 초현실주의가 아닙니다. 크리스테바에 따르면 이는 자아와 타자 사이의 단절, 즉 정체성을 구축하기 위해 우리가 세운 원초적 분리를 구체화하는 것입니다.
크리스테바는 혐오가 우리가 어머니로부터 분리되어 자아와 타자 사이의 경계를 인식하기 시작한 순간을 나타낸다고 씁니다. 웨얀의 그림 속에서 이 분리는 실제로 일어나지 않은 듯 보입니다. 그녀의 젊은 여성들은 원초적 대상 이전(pre-objectal) 상태, 즉 정체성이 유동적이고 위험하게 불안정한 고대적 공간에 갇힌 것처럼 보입니다. Falling Woman (2020)에서는 주인공이 입을 크게 벌리고 가슴을 드러낸 채 계단 아래로 뒤로 넘어지고 있습니다. 그녀가 떨어지는 것인지, 웃는 것인지, 비명을 지르는 것인지, 혹은 쾌감을 느끼는 것인지 알 수 없습니다. 이미지는 단일 해석으로 고정되기를 거부합니다. 그것은 희극과 비극, 당하는 폭력과 선택한 자유 사이를 오갑니다.
이 모호함은 결점이 아니라 크리스테바가 개념화한 혐오 자체의 서명입니다. 그녀는 혐오는 무엇보다 모호함이라고 쓰며, 주체를 위협하는 것과 급격히 단절하는 것이 아니라 끊임없는 위험을 인정한다고 합니다. 웨얀의 인물들은 이 지속적이고 부드러운 위협 상태 속에 살고 있습니다. 그들은 결코 안전하지 않지만 도망치지도 않습니다. 그들은 황금빛 감옥 같은 가정적 실내에 매달려 있습니다.
릴리(2021), 하얀 백합과 금색 리본으로 감싼 리볼버를 병치한 이 정물화를 보세요. 최고의 혐오 대상으로서 죽음의 도구인 이 물체가 매혹의 속성을 두르고 있습니다. 그것은 선물, 헌납, 약속이 됩니다. 크리스테바는 혐오가 우리를 밀어내는 만큼 끌어당긴다고 강조합니다. 웨이언트의 리볼버는 마치 생일 선물처럼 리본으로 싸여 있어 이 역겨운 매혹을 완벽하게 구현합니다. 폭력을 장식으로, 죽음을 정물화로 변모시킵니다.
웨이언트의 팔레트는 이 가정적인 혐오감을 강화합니다. 그녀의 어두운 녹색, 먼지가 낀 분홍빛, 깊은 검은색은 오래된 사진의 세피아 톤과 병든 살갗, 분해되기 시작한 몸의 특별한 빛깔을 떠올리게 합니다. 크리스테바는 혐오를 죽음의 물질성과 연관 짓고, 우리 자신의 유한함과 맞닥뜨리는 트라우마적 순간이라고 합니다. 시신은, 크리스테바가 쓰기를, 신이 없고 과학의 영역 바깥에서 본다면 최고의 혐오를 나타냅니다. 삶에 감염된 죽음입니다.
웨이언트의 젊은 여성들은 정확히 그런 시신 같은 특성을 지닙니다. 그들의 피부는 도자기 같아서 너무 오래 살아낸 인형처럼 매끄럽고 차갑습니다. 17세기 네덜란드 정물화처럼, 부패의 냄새가 은은히 배어난 아름다움을 지니고 있습니다. 비너스(2022)에서는 테니스 선수 비너스 윌리엄스의 두 이미지가 마주보며 진한 갈색으로 표현되어 있습니다. 한쪽은 우리를 바라보고, 다른 한쪽은 고개를 돌립니다. 분열은 불안하고 기이한 이질감을 만들어냅니다.
이 이질감은 바로 웨이언트가 그녀의 대상들을 순수한 객관화 속에서 편안하게 쉬게 하지 않기 때문에 생겨납니다. 그들은 단순한 욕망이나 미학적 관조의 대상이 되는 것을 거부합니다. 크리스테바는 혐오가 동일시되기를 거부하며 상징적 질서에 환원되지 않는다고 지적합니다. 웨이언트의 인물들은 그런 저항의 공간에 거주합니다. 그들은 우리를 보지만 진정으로 보지는 못하고, 자신의 생각과 작은 드라마 속에 빠져 있습니다.
작가는 한 인터뷰에서 이렇게 말했습니다: “나는 우리가 숨기려 하는 자기 내면의 일부, 부끄러움, 분노, 슬픔, 통제 상실 같은 감정을 느끼는 부분을 더 민감하게 보호하는 것 같다고 생각해요. 가장 괴물 같은 부분에 친밀함, 다정함, 섬세함이 있죠” [2]. 이 문장은 그녀의 회화 작업의 기획을 완벽히 요약합니다. 괴물성은 외면적이고 극적이며 전통적 의미의 고딕이 아닙니다. 그것은 친밀하고 가정적이며 정상성의 주름 속에 숨겨져 있습니다.
엠마(2022)은 이러한 부드러운 괴물성을 보여줍니다. 검은 점프수트를 입은 젊은 여성이 앉아 있고, 반쯤 보이는 또 다른 인물이 그녀의 머리를 쓰다듬고 있습니다. 앉은 여자는 눈이 하나입니다. 하지만 이 훼손이 예상되는 공포를 일으키지 않습니다. 이 포옹은 오히려 자매애 같은 사랑, 결함을 인정하고 받아들이는 다정함을 시사합니다. 크리스테바는 아마도 이 이미지가 혐오에 대한 원초적 공포를 거부하고, 불완전을 거의 평온하게 수용하는 방식을 제안한다고 쓸 것입니다.
웨이언트의 정물화도 같은 논리로 작동합니다. 잇 머스트 해브 빈 러브(2022)은 식탁 위에 놓인 두 개의 꽃병을 서로 다른 각도에서 보여줍니다. 뿌리에서 잘린 꽃들은 이미 죽었지만 아직 시들지 않았습니다. 그들은 크리스테바가 혐오의 특권적 영역으로 지목한, 삶과 죽음 사이 경계적 공간에 존재합니다. 정물화, 프랑스어로 nature morte, 영어로 still life는 이 모순을 내포합니다. 그것은 삶을 멈추어 더 잘 응시하게 하며, 얼어붙은 아름다움의 순간을 창조합니다.
웨얀트는 일부 작품에서 꽃을 문자 그대로 목베는 장면이나 죽어가는 모습을 보여주며 이 논리를 더욱 심화시킨다. 그녀는 정물화를 식물학적 범죄 현장으로 바꾼다. 폭력은 형식적이고 미학적이며 거의 추상적이지만 여전히 폭력으로 남아 있다. 크리스테바는 원시 사회가 동물 혹은 성과 살인을 상징하는 동물 본능으로 상상되는 위협적인 세계에서 자신들의 문화를 특정 범위 안에 표시했다고 관찰한다. 웨얀트는 이러한 억압된 요소들을 가장 문명화된 가정 공간, 즉 식당, 응접실, 침실로 다시 가져온다.
그녀의 명암 대비 사용은 17세기 네덜란드 거장들인 렘브란트, 프란스 할스, 주디스 레이스터를 연상시키지만 의미는 달라졌다. 네덜란드 거장들에게 빛은 종종 신에게서 왔으며, 물질 세계 속에서 신성한 진리를 드러냈다. 웨얀트에게 빛은 대상들을 검은 공허 속에 고립시키고 모든 안심되는 맥락에서 분리한다. 그것은 설명하지 않고 극적인, 심지어 영화 같은 빛이다. 명확성보다는 신비를 창조한다.
이 연극적 접근법은 혐오 효과를 강화한다. 크리스테바는 혐오를 정체성, 체계, 질서를 교란하는 것으로 말한다. 경계, 위치, 규칙을 존중하지 않는 것. 웨얀트의 그림은 기대에 순응하기를 거부하기 때문에 특히 불편하다. 그것들은 고전적 구상화처럼 보이며, 전통적 아름다움의 코드를 차용하지만 부적절하고 부조화스러우며 약간 메스꺼운 무언가가 스며나온다. 리본이 달린 권총. 떨어지는 젊은 여성. 있어서는 안 될 쌍둥이들.
그녀는 우리가 “중산층의 혐오”라고 부를 수 있는 것을 창조한다. 피가 튀거나 괴물이 으르렁거리는 것은 없다. 단지 잘 차려입은 젊은 여성들이 잘 정돈된 실내에 있을 뿐인데도 뭔가 잘못된 느낌이 있다. 이러한 접근은 명백한 공포보다 훨씬 더 불안하게 만든다. 혐오가 사회 주변부에 숨겨져 있는 것이 아니라 우리의 일상 생활 한가운데, 우리 집, 관계, 몸 속에 있다는 것을 암시한다.
크리스테바는 혐오를 두려움만큼 쾌락과도 연관 짓는다. 웨얀트의 그림은 쾌감과 불쾌감, 매력과 혐오 사이의 경계를 끊임없이 오간다. Head(2020), 구부러진 가슴을 클로즈업해 구강 성교를 암시하는 이 작품은 이러한 양면성을 완벽히 보여준다. 이미지는 에로틱하며 난처하기도 하고, 매혹적이면서도 약간 부조리하다. 여성의 몸을 어느 한 단편으로 축소하지만, 그 단편은 그 낯섦 자체로 완전한 대상화에 저항한다.
여성 고딕
안나 웨얀트 작품을 뒤흔드는 또 다른 전통은 18세기에 애나 래드클리프, 클라라 리브, 메리 울스턴크래프트와 함께 등장한 여성 고딕 문학 장르이다. 이 여성 작가들은 고요한 성, 비밀 통로, 박해받는 여성 영웅들을 배경으로 하는 고딕 소설의 틀을 활용해 억압적인 가부장적 사회에서 여성의 조건을 탐구했다. 웨얀트는 이 전통을 현대 중산층 미국에 옮겨와 성을 교외 주택으로, 귀족 폭군을 은밀한 사회 관습으로 대체한다.
아티스트는 파리의 기숙학교에 있는 어린 프랑스 고아의 이야기인 Madeline의 삽화가 있는 책들에 대한 자신의 매혹을 언급했습니다. Ludwig Bemelmans가 1939년부터 출판한 이 책들은 표면적으로는 매력적이지만 근본적으로는 어두운 세계를 보여줍니다. Madeline은 부모 없이 살며, 맹장 수술을 받고, 걱정스러운 무관심으로 위험을 극복합니다. Weyant는 어린 시절 Madeline 인형을 소유했으며 그녀의 첫 번째 그림 시리즈를 이 인형들을 바탕으로 했습니다. 그녀는 상상했습니다: 만약 이 인형들이 조금 자라서 사춘기에 접어들면서 모든 혼란과 트라우마를 겪는다면 어떤 일이 벌어질까?
이 질문은 그녀를 여성 고딕 전통의 바로 그 계보에 놓이게 합니다. 수많은 문학 평론가들이 지적했듯 여성 고딕은 사춘기에서 성인기로의 통과, 즉 젊은 여성이 남성 중심의 세계에 진입하는 위험한 순간에 초점을 맞춥니다. Radcliffe, Charlotte Brontë, Emily Brontë의 여주인공들은 안전보다는 위험의 장소가 되는 가정 공간을 헤쳐 나갑니다. Weyant의 인물들도 이와 유사한 공간을 차지합니다.
파티에서 우는 소녀는 여성 고딕이 늘 탐구해온 이러한 사회적 소외감을 완벽하게 포착합니다. 전통적인 여성 고딕의 여주인공은 항상 약간 동떨어져 있으며, 자신을 둘러싼 사회 구조 속에서 결코 완전히 어울리지 못합니다. 그녀는 매혹과 공포가 뒤섞인 시선으로 세상을 관찰합니다. Weyant의 젊은 여성들도 같은 시선을 지니고 있습니다. 이들은 신체적으로 존재하지만 정신적으로는 부재하며, 자신만의 몽상이나 악몽에 빠져 있습니다.
아티스트는 청소년 시기, 즉 어린 시절과 성인기 사이의 극적이고 트라우마적인 이 시기에 집착한다고 밝혔습니다 [3]. 여성 고딕은 항상 이러한 경계 상태를 중시해 왔습니다. Charlotte Brontë의 “Jane Eyre”는 학대받는 고아로 시작해서 결혼한 여성이 되어 끝나지만, 소설의 핵심은 불확실성과 변형의 중간 영역에 있습니다. Emily Brontë의 Wuthering Heights의 Catherine은 두 정체성 사이에서 흔들리며, 자연과 문화, 야만성과 문명 중 어느 것도 택하지 못합니다.
Weyant는 이러한 갈등을 내면화한 포스트모던 여성 고딕 영웅들을 그립니다. 그들은 유령이 나오는 성에서 도망치지 않고 자신의 기대와 욕망에서 도망칩니다. Loose Screw(2020)은 한 여성 형상을 실루엣으로 보여주며, 입을 크게 벌려 비명 같기도 웃음 같기도 한 모습을 그리고 있습니다. 제목은 뭔가 잘못되어 있음을, 여성성 규범의 기계에 결함이 있음을 암시합니다.
여성 고딕은 항상 여성에게 가해지는 제약의 은유로 초자연적 요소를 사용해 왔습니다. 유령은 억압된 목소리를 나타내고, 이중체는 단절된 정체성을 상징하며, 성은 가부장적 구조를 구현합니다. Weyant는 문자 그대로의 유령이 필요하지 않습니다. 그녀의 인물들은 이미 스펙트럴하기 때문입니다. 그들의 도자기 같은 피부, 고정된 자세, 결석된 시선은 이들을 삶과 죽음 사이에 있는 존재로 만듭니다.
이러한 스펙트럴한 특성은 그녀의 기법에 의해 강화됩니다. Weyant는 얇고 매끄러운 층을 쌓아 거의 너무 완벽한 표면을 만듭니다. 그녀의 인물들은 반짝이는 광택을 가진 것처럼, 투명한 보호막 아래에 밀봉된 듯 보입니다. 이 기법은 최근에 세상을 떠난 사람들의 초상화를 그린 빅토리아 미니어처 화가들의 방식을 떠올리게 하며, 죽은 자를 보존할 귀중한 물건으로 변모시켰습니다. Weyant의 젊은 여성들은 마치 가장 아름다웠던 순간에 박제된 것 같은 보존된 특성을 지니고 있습니다.
인형 모티프는 그녀의 작품 전반에 걸쳐 나타나며 고딕 전통과 직접적으로 연결됩니다. 고딕 문학에서 인형은 항상 불길한 존재입니다. 인형은 내용이 비워진 인류, 본질이 없는 형태를 상징합니다. 프로이트는 인형을 Unheimlich의 예로 분석했는데, 이는 친숙한 것이 갑자기 위협적으로 변할 때 나타나는 섬뜩한 낯섦을 뜻합니다. 인형은 인간처럼 보이지만 인간은 아닙니다. 그것은 살아 있는 것과 무생물 사이의 불확실한 공간에 존재합니다.
웨이언트는 문자 그대로 인형들과 작업하며 그들을 사진으로 찍고 그림으로 표현했습니다. 그러나 심지어 그녀의 생모델들조차 인형의 특성을 띱니다. 그들의 둥근 얼굴, 큰 눈, 정적인 자세는 사람보다는 피규어를 연상시킵니다. 우리는 예술가가 둥근 형태, 정지 상태, 인공적인 완벽함 같은 특징에 매료되었음을 이해하게 됩니다. 그녀는 이렇게 해서 자신만의 감옥인 고딕 영웅들을 창조합니다. 이들은 성에 갇힌 것이 아니라 자신의 몸과 여성미의 관습에 갇혀 있습니다.
Summertime (2021)은 머리와 상체가 꽃병 옆 탁자 위에 놓여 있는 여성을 보여줍니다. 구성은 그녀가 정물화의 일부가 되어 꽃과 마찬가지로 장식적 객체가 되었음을 암시합니다. 이러한 대상화는 고딕 여성 미술의 기원부터 중심적인 관심사였습니다. 래드클리프의 영웅들은 강제로 결혼하거나, 감금되거나, 유산을 위해 살해당하는 등 끊임없이 객체로 변할 위험에 처해 있습니다.
웨이언트는 이러한 위험을 인스타그램 시대에 맞게 재구성합니다. 그녀의 젊은 여성들은 탐욕스러운 남작에 의해 위협받는 것이 아니라 완벽한 이미지로 자신을 표현해야 하는 압력에 시달립니다. 그들은 인형, 감상의 대상으로 변해야 합니다. 위험은 외부뿐만 아니라 내부에서 비롯됩니다. Bite (2020)은 선글라스를 쓴 젊은 여성이 남자의 팔로 보이는 것을 문 순간을 보여 줍니다. 이는 도망치기보다 공격하는 고딕 영웅의 반항적 순간입니다.
저항의 이 차원은 여성 고딕을 남성 고딕과 구별합니다. 매슈 루이스나 호레이스 월폴의 작품에서 영웅들은 종종 순전히 희생자입니다. 그러나 래드클리프와 그녀의 계승자들은 때로는 미묘하고 때로는 극적인 생존 전략을 펼칩니다. 웨이언트의 인물들도 저항하지만 간접적인 방식으로 합니다. 그들은 카메라 앞에서 웃기를 거부하고, 다른 곳을 바라보며, 샴페인을 들고 계단에서 넘어지기도 합니다.
여성 고딕은 또한 당시 현실주의 소설이 다룰 수 없었던 방식으로 성을 탐구합니다. 초자연적 장막은 이전에 말로 표현할 수 없었던 욕망과 두려움을 다룰 수 있게 했습니다. 웨이언트는 비슷한 효과를 위해 형식적 낯섦의 장막을 사용합니다. Eileen (2022)은 젊은 여성이 머리 뒤로 팔을 들어 올리고 흰 튜닉을 들어 팬티를 드러내는 모습을 보여줍니다. 그 제스처는 순수하면서도 섹슈얼하게 충전되어 있고, 즉흥적이면서도 절제되어 있습니다.
예술가는 빈티지 Playboy에 대한 관심을 이야기했는데, 명확한 에로틱한 내용 때문이 아니라 합성적인 미학과 어두운 분위기 때문입니다. 그녀는 큰 금발 머리와 “정말 크고 둥근 가슴”을 좋아하지만, 그들을 단순한 대상화로 전락시키지 않도록 아이러니하게 다룹니다. 그녀의 여성들은 남성의 쾌락을 위해 포즈를 취하지 않습니다. 그들은 자신만의 내적인 세계에 갇혀 있으며 관객의 시선을 무시합니다.
이 무관심은 중요합니다. Radcliffe의 고딕 여주인공들은 끊임없이 감시당하고, 관찰당하며, 염탐당합니다. 그녀들은 감시를 벗어나는 순간에만 자유를 찾습니다. Weyant의 인물들은 이 감시를 내면화한 듯 보입니다, 우리는 그녀들을 보지만, 그녀들은 우리를 보지 못합니다. 그녀들은 동시에 노출되어 있으면서도 은폐되어 있고, 보이면서도 접근할 수 없습니다. 이 긴장감이 생산적인 불안을 만들어냅니다. 우리는 우리를 배제하는 친밀함의 관음자가 됩니다.
House Exterior (2023)은 목조 3층 집을 보여주며, 겉보기에는 비어 있는 듯하고, 정신적으로 강한 긴장을 일으키는 폐쇄적인 조명을 받습니다. 이 이미지는 즉시 Alfred Hitchcock의 Psycho에서 Norman Bates의 집이나 Shirley Jackson의 We Have Always Lived in the Castle에서 Blackwood 자매의 저택을 연상시킵니다. Weyant는 이러한 참고 문헌을 확인하며, Jackson과 Hitchcock을 영향으로 언급합니다. 고딕 양식의 집은 하나의 캐릭터로서, 거주자의 트라우마를 담고 표현하는 공간입니다.
그녀의 첫 개인전 제목인 “Welcome to the Dollhouse”는 인형의 집 그림과 청소년기의 냉혹함을 다룬 Todd Solondz의 영화를 동시에 참조합니다. 전시회에는 고통받는 젊은 여성들이 거주하는 미니어처 내부 공간들이 소개되었습니다. 인형의 집은 고딕 성의 길들여진 버전처럼 작동하며, 폐쇄적이고 통제된 공간 안에서 축소된 규모로 드라마가 펼쳐집니다. 문학 평론가 Susan Stewart가 관찰한 바와 같이, 인형의 집은 가장 완성된 미니어처로, 내부와 외부 영역, 외부성과 내면성 사이의 긴장 관계를 작은 규모로 나타냅니다.
Weyant는 그녀의 그림을 심리적 인형의 집으로 변환시킵니다. 검은색 배경은 외부 맥락을 완전히 제거하여, 인물이 자신의 세계에 떠 있는 순수한 내부 공간을 만듭니다. 사회적 맥락이 사라지는 이 모습은 여성 고딕에서 전형적입니다. 정상적 사회는 사라지고, 여주인공은 자신의 괴롭힘 가해자나 내면의 악마와 홀로 남게 됩니다. Sophie (2022)는 어둠 속에서 서서 미소 짓는 젊은 여성을 보여줍니다. 그녀의 유쾌한 표정은 검은 배경과 극명하게 대조되어, 위안보다는 오히려 불안을 자아냅니다.
여성 고딕의 도덕적 모호함은 Weyant의 작품에도 스며 있습니다. Radcliffe의 소설에서 우리는 끝날 때까지 누가 선하고 악한지 정확히 알지 못합니다. 겉모습은 끊임없이 속입니다. 마찬가지로, Weyant의 인물들은 단순한 도덕적 해석에 저항합니다. 그녀들이 피해자인가 공모자인가? 순수한가 계산적인가? 연약한가 위험한가? 작가는 결정을 내리지 않습니다. 그녀는 인물들을 생산적 모호성의 상태로 유지합니다.
이 모호함은 그녀의 정물화에도 확장됩니다. Drawing for Lily (2021)은 우아한 꽃병, 크림 항아리와 숟가락, 방아쇠와 총구 주위에 리본이 감긴 권총을 보여줍니다. 무고한 가정용 물건들이 죽음을 불러오는 도구와 함께 놓여 있습니다. 평론가 John Elderfield는 이 드로잉이 전시회 내 다른 보다 정적인 정물화들과 달리 평온함과 불안을 적절히 균형 있게 잡아낸다고 언급했습니다. 평범한 물건들이 희미한 위협의 징후가 됩니다.
여성 고딕은 평범한 것을 위협적으로 변환하는 데 뛰어납니다. 일상 가정생활은 숨겨진 위험으로 가득 차 있습니다. Charlotte Brontë의 여주인공들은 비밀의 통로만큼이나 거실과 식당에서도 위험을 협상해야 했습니다. Weyant는 이 진실을 21세기에 맞게 갱신합니다. 그녀의 젊은 여성들은 외관상 안전한 세계에서 생활합니다, 잘 관리된 집, 깔끔한 옷차림, 신선한 꽃들이 있지만, 이 세계는 은밀한 폭력을 내포하고 있습니다.
그 예술가는 자신의 정물화를 “행복한 장소”라고 묘사하며, 자연을 본떠 그림을 그릴 수 있는 피난처로 삼고 있습니다[4]. 하지만 이 행복한 공간들은 이상하고 위협적인 것으로 침투당합니다. 이러한 침투는 여성 고딕의 핵심 전략을 상기시킵니다: 여성들을 보호한다고 여겨지는 구조들, 즉 결혼, 가족, 집이 어떻게 함정이 될 수 있는지를 보여줍니다. Weyant의 꽃들은 잘려지고, 시들며, 때로는 잘려진 머리를 하고 있습니다. 가정의 아름다움은 폭력을 감추고 있습니다.
그녀의 팔레트는 이 고딕적인 분위기에 기여합니다. 어두운 녹색, 더러운 노란색, 바랜 분홍색은 허물어져가는 빅토리아 시대의 내부, 곰팡이 핀 벽걸이 태피스트리, 시간에 검게 그을린 초상화를 떠올리게 합니다. 이 색깔들은 역사의 무게를 지니며, 현대 가정 공간이 그 안에서 살고 고통받았던 이전 세대 여성들에 의해 유령처럼 떠돌고 있음을 암시합니다. 여성 고딕은 항상 죽은 어머니들, 미친 고모들, 그리고 사라진 자매들에 의해 사로잡혀 있습니다. Weyant는 그녀들의 후계자를 그립니다.
그녀의 매끄럽고 정교한 기법은 시각적 역설을 만들어냅니다. 이미지는 고급 패션 잡지의 얼어붙은 완벽함처럼 고급 제품 광고를 연상시킵니다. 하지만 내용은 이 완벽함을 전복시킵니다. 넘어지는 젊은 여성, 죽어가는 꽃, 리본으로 묶인 권총들. Weyant는 상품화의 미학을 사용하여 상품화 자체를 비판합니다. 그녀의 고딕 영웅들은 성이 아니라 이미지에, 기대에, 규정된 역할에 갇혀 있습니다.
불확실성의 공간에서 존재하기
Anna Weyant는 소셜 미디어 시대를 위한 새로운 형태의 고딕 회화를 창조합니다. 그녀의 영웅들은 완전히 살아 있지도, 완전히 죽지도 않은 경계 공간에 거주하며, 전적으로 순수하지도, 완전히 타락하지도 않았고, 명백한 희생자도 아니며 명확한 권력자도 아닙니다. 그들은 우리의 시대가 특히 견디기 어려워하는 불확실성의 그 사이에 존재합니다. 우리는 확실한 판단이나 결정적인 해석을 원합니다. Weyant는 그것을 우리에게 제공하지 않습니다.
이 확실성에 대한 저항이 그녀의 가장 급진적인 행위입니다. 즉시 해독 가능한 이미지로 가득한 세상에서 그녀의 회화는 불투명하게 남아 있습니다. 그것들은 시간, 주의, 모호함을 받아들이려는 의지를 요구합니다. 그것들은 전통적 아름다움의 언어를 빌리지만 이상한 방언을 말합니다. 인형처럼 보이지만 인간처럼 생각합니다. 가정 내부를 차지하지만 어쩌면 탈출을 꿈꿉니다.
그녀가 네덜란드 회화 전통을 사용하는 것은 단순한 포스트모던적 인용이 아닙니다. 그것은 느리고, 세심하며, 세부 사항에 주의를 기울여 그림을 그릴 권리를 주장하는 행위입니다. 즉각적인 디지털 이미지의 세계에서 그녀는 유화의 인내심, 연속적인 유약, 점진적인 환상의 구축을 대조시킵니다. 이 느림 자체가 저항의 한 형태입니다.
하지만 그녀는 향수에 빠지지 않습니다. 그녀의 주제들은 확고하게 현대적이며, 현대 속옷을 입은 젊은 여성들, 현재의 물건들, 대중 문화에 대한 참조들입니다. 그녀는 과거의 도구들을 사용하면서도 자신의 시대를 그립니다. 이러한 생산적인 긴장은 그녀 작업의 상당 부분의 힘을 생성합니다. 그녀는 사실적 회화가 여전히 우리의 현재 조건에 대해 시급한 무언가를 말할 수 있음을 증명합니다.
그녀의 젊음은 그녀를 독특한 위치에 놓습니다. 그녀는 Instagram과 함께 자라 완벽한 이미지로 자신을 표현해야 하는 압박을 본능적으로 이해하는 세대에 속합니다. 하지만 그녀는 또한 예술사를 진지하게 공부했고, 회화 전통에 몰두했습니다. 그래서 그녀는 내부에서 이미지 문화를 비판하면서 세기별 시각 전략을 동원할 수 있습니다.
안전한 선택을 한다고 비난하는 평론가들은 중요한 점을 놓치고 있습니다. 그녀의 그림들이 형태적으로 격렬하게 실험적인 것은 사실이 아닙니다. 그것들은 표현을 깨뜨리거나 공간을 분열시키지 않으며, 그들의 현대성을 고함치지 않습니다. 하지만 바로 이러한 형태의 절제가 그 내용의 이상함이 스며들게 하는 원동력입니다. 만약 이미지가 더 노골적으로 불편하다면 우리는 쉽게 거부할 수 있을 것입니다. 그들의 겉보기 아름다움이 우리를 끌어당기고, 이후에 함정에 빠뜨립니다.
웨이언트는 불편한 메시지를 전달하기 위해 시각적 유혹을 사용하는 화가들의 전통 속에서 작업합니다. 그녀가 주요 영향으로 꼽는 존 커린도 마찬가지입니다. 리사 유스카비지도 그렇습니다. 하지만 그녀는 젊은 여성이 여성성의 의식을 애정과 공포가 뒤섞인 시선으로 관찰하는 자신만의 감수성을 가져옵니다. 그녀가 경험하는 내면에서부터 그림을 그리며, 그것이 모든 차이를 만듭니다.
미래는 그녀가 이 생산적인 긴장을 유지할 수 있을지, 역겨움과 고딕을 반복이나 자기만족에 빠지지 않고 계속 그릴 수 있을지 알려줄 것입니다. 지금은 전문 경력 10년이 채 되지 않았지만, 이미 주목과 분석을 받을 만한 작품군을 만들어냈습니다. 그녀는 현대 구상화의 지뢰밭을 지나 독특한 길을 찾았습니다.
그녀의 그림은 아름다움이 위험할 수 있고, 가정의 내부가 폭력을 숨기며, 인형처럼 보이는 젊은 여성이 복잡하고 어두운 생각을 가지고 있음을 우리에게 상기시킵니다. 또한 이 오래되고 인내심 있는 예술인 회화가 여전히 우리를 놀라게 하고, 불편하게 하며, 이미 안다고 생각했던 것을 더 주의 깊게 보도록 강요할 수 있음을 상기시킵니다. 안나 Weyant는 뚫고 들어가길 요구하는 표면과 심연을 숨기는 외관을 그립니다.
- 줄리아 크리스테바, 공포의 권력. 역겨움에 관한 에세이, 파리, Éditions du Seuil, 1980.
- 아야나 도지어, “Anna Weyant의 기이한 그림들은 여성 초상화에 새 생명을 불어넣다”, Artsy, 2022년 12월 20일
- 사샤 보고예브, “Anna Weyant가 인형의 집으로 우리를 초대하다”, Juxtapoz Magazine, 2020년 1월
- 존 엘더필드, “유혹적인 모방: Anna Weyant의 정물화에 대하여”, Gagosian Quarterly, 2023년 8월 17일
