잘 들어봐요, 스놉 여러분 : 양식홍은 단순한 대만 출신 현대 미술가가 아니다. 1947년 종리시에서 태어난 그는 동양의 명상적 전통과 서구의 표현주의, 천년 전통 먹물 화풍과 뉴욕의 현대성의 완벽한 융합을 단독으로 구현한다. 1968년 대만 국립 예술학교를 졸업하고, 1979년 뉴욕으로 이주한 이후 21세기 회화의 의미를 끊임없이 질문하고 도전하며 혁신해왔다.
양식홍의 작품은 시간의 대성당처럼 펼쳐지며, 각 화폭은 하나의 횡대, 각 시리즈는 존재 탐구에 바쳐진 예배당에 해당한다. 그의 예술 여정은 직선적이지 않고 오히려 상승하는 나선형에 가깝다. 초기의 사실주의에서 출발해 1990년대에는 식물추상 영역을 거쳐 2007년부터는 “의식의 흐름”으로 명성을 얻은 시리즈로 성취의 정점을 맞았다.
이 진화는 우연이 아니다. 이는 시간의 본질에 대한 깊은 명상에 뿌리를 두는데, 이는 그의 작품 전반에 관통하는 집착이다. 양식홍 자신은 “시간은 흐르는 과정이며 현재는 매우 짧고 순간적으로 사라진다, 시간의 대부분의 상태는 과거와 미래다” [1]라고 말한다. 이러한 영속적 흐름으로서의 시간 개념은 붙잡기 어려운 순간을 포착하고 덧없음을 고정시키면서도 역설적으로 영속적인 움직임의 역동성을 유지하는 작품에서 시각적으로 구현된다.
제임스 조이스의 유산: 회화가 의식 문학과 만날 때
양식홍의 예술을 이해하려면 현대 문학의 영역, 특히 제임스 조이스의 혁명적 작품을 거쳐야 한다. 이 대만 예술가는 2007년 이후 자신의 창작이 “의식의 흐름” 기법에서 직접적인 영감을 받았음을 분명히 인정한다. 이 참조는 단순한 부기사항이 아니며, 그의 현대 회화적 접근 방식의 이론적 토대를 이룬다.
1922년 발표된 제임스 조이스의 걸작은 전통적 서사 구조를 파괴하고 선형 구조를 포기한 채 내면 독백을 통해 생각의 미로를 모방한다. 1890년 심리학자 윌리엄 제임스가 이론화한 의식의 흐름은 지각, 기억, 예상이 논리적 연속성 없이 뒤섞이는 의식의 연속성을 나타낸다. 조이스는 이 기법을 문학 분야에 옮겨, 연상, 비약, 생략이 인간 경험의 본질적 조직을 재현하는 독특한 문체를 창조했다.
양스홍(Yang Shihong)은 회화 영역에서도 유사한 전환을 수행합니다. 그의 “의식의 흐름” 시리즈의 작품들은 모든 구상적 표현의 전제를 포기하고 내면의 움직임을 직접적으로 표현하는 데 집중합니다. 조이스가 레오폴드 블룸의 생각을 더블린 전역에서 방황하게 하듯이, 양스홍은 현재 순간의 충동에 이끌려 붓을 캔버스 위에 마구 움직이게 합니다. 이 접근법은 조이스가 “에피파니”라고 부르는, 사물의 숨겨진 본질이 갑작스럽게 드러나는 순간에 대한 깊은 이해를 드러냅니다.
조이스의 영향은 그가 발전시킨 시간에 대한 관계에서도 나타납니다. 《율리시스》에서 조이스는 1904년 6월 16일 하루 동안 영원을 압축하여, 내면적 경험의 강도가 순간을 무한히 확장할 수 있음을 보여줍니다. 양스홍도 그의 회화에서 유사한 방식을 취하는데, 각 붓질은 밀도 있는 시간성을 지니고, 먹물이 흐르는 한 줄기마다 서예 전통의 수세기가 담겨 있습니다. 작가는 “예술은 순간적으로 지나가는 시간을 붙잡고 현재와 순간을 보존하며, 눈 깜짝할 사이에 사라지는 이미지, 형태, 아름다운 기억을 간직할 수 있다”고 설명합니다[1].
이 조이스와의 유사성은 양스홍이 발전시킨 자유연상 기법에서 특히 두드러집니다. 그의 구성은 창조적 의식과 먹물, 아크릴의 물질성 사이의 자발적 상호작용에서 탄생합니다. 조이스의 등장인물이 검열 없이 생각을 흘려보내듯, 양스홍도 현재의 제안에 따라 물감을 흘립니다. 이 방법은 각 세부사항이 무한한 연상을 열어주는 뛰어난 의미적 풍부함을 지닌 작품들을 만들어냅니다.
의식의 문학과의 평행은 기법에 그치지 않고 예술의 목적에도 해당됩니다. 조이스는 사회적 외양을 넘어서 인물들의 심리적 진실을 밝히려 합니다. 양스홍 역시 가시적 형태를 넘어 미학적 경험의 깊은 구조를 드러내려는 비슷한 목표를 추구합니다. 그의 캔버스는 영혼의 엑스레이처럼 작용하여 현대 감수성의 지질학적 층위를 드러냅니다.
이 접근법은 “갑자기 빛나다(突然照亮)”(2017)나 “팽창(扩展)”(2016) 같은 작품에서 절정에 이르는데, 여기서 회화의 동작은 정신적 연상의 메커니즘을 정확히 모방합니다. 색상들은 묘사적이기보다는 감정적 논리에 따라 반응하고, 형태들은 무한히 조이스의 기법을 연상시키는 연쇄적 상호생성을 이룹니다. 작가는 이렇게 해서 조이스가 “무의식의 자동적 글쓰기”라고 부르는 것의 시각적 등가물을 창조해 냅니다. 각 작품은 결정화된 의식의 파편이자 인간 경험의 무한한 복잡성에 열린 창이 됩니다.
보이지 않는 것의 건축: 회화적 공간 구성
양스홍의 예술은 문학을 차용하는 데 그치지 않고 건축의 근본 구조에서도 시각적 시학을 끌어냅니다. 그의 작품의 이 건축적 차원은 동양 전통과 서구 교육을 모두 이어받은 깊이 있는 공간적 회화 개념을 드러내어 특히 흥미롭습니다.
건축은 공간 조직의 예술로서 양쉬홍에게 추상적인 구성을 구조화할 수 있는 형식적 어휘를 제공합니다. 그의 캔버스들은 단순한 장식된 표면에 그치지 않고, 시선으로 거주할 수 있는 공간이자 명상과 관조의 장소가 됩니다. 이러한 건축적 접근은 우선 회화 공간의 관리에서 나타납니다. 중앙성과 원근법을 중시하는 전통 서양 회화와 달리, 양쉬홍은 고전 중국 미술에서 유래한 여러 시점을 동시에 펼쳐내는 공간 논리를 채택합니다.
이러한 공간에 대한 건축적 개념은 그의 뉴욕에서의 교육과 경험에 뿌리를 두고 있습니다. 1979년부터 예술가가 살고 있는 마천루의 숲 맨해튼은 수직성과 공간 계층성에 대한 그의 인식에 깊은 영향을 미칩니다. 최근 시리즈의 구성들은 현대 건축이 “유동 공간”이라고 부르는 것을 친밀하게 이해하고 있음을 드러냅니다: 연속성과 차단 없이 서로 침투하는 부피들이 전이와 모호성 공간을 창출합니다.
건축적 영향은 또한 양쉬홍이 자신의 작품 내부 구조를 구상하는 방식에서도 드러납니다. 각 캔버스는 고유한 건설 논리와 보이지 않는 뼈대가 있어, 색상의 덩어리와 빈 공간의 구성을 결정합니다. 이러한 접근은 장식보다 구조를, 외형보다 본질을 중시하는 현대 건축의 거장들을 연상시킵니다. 예술가는 이처럼 작품 전체의 경제성에서 각 요소가 정당성을 찾는 “회화 건축”이라고 부를 수 있는 것을 발전시킵니다.
이 건축적 차원은 특히 비율과 리듬의 처리에서 두드러집니다. 양쉬홍은 공간 변조의 예술을 완벽히 다루어, 호흡과 긴장을 창조함으로써 그의 캔버스에 진정한 건축적 깊이를 부여합니다. “우주”(2016)나 “시간과 땅”(2017)과 같은 그의 가장 성공적인 구성들은 큰 건축 공간의 특징인 드문 품질을 갖습니다: 유한한 틀 안에서 무한함을 느끼게 하는 능력입니다.
양쉬홍의 건축적 접근은 빛에 대한 그의 구상에서도 드러납니다. 근대 건축가들이 빛을 독립적인 건축 재료로 다루듯이, 그는 명암과 색채 뉘앙스를 다루어 공간 구성을 이루는 조명 효과를 만듭니다. 그의 깊은 검정색은 건축적인 덩어리로 작용하여, 부피와 빈 공간을 창출해 그의 캔버스에 조각적인 차원을 부여합니다.
이 건축적 감성은 “의식의 흐름” 시리즈에서 가장 완성된 형태로 표현되는데, 예술가는 진정한 “건축적 서예”를 발전시킵니다. 전통 중국 서예에 영감을 받은 그의 붓질은 구조적으로 놀라운 복잡성을 가진 그래픽 공간을 세웁니다. 각 선과 흐름은 관객이 다양한 경로로 시각적으로 여행할 수 있는 정신적 공간의 건축에 참여합니다.
양쉬홍의 보이지 않는 건축은 결국 2차원적 차원을 넘어서는 작품을 창조하는 능력에서 나타납니다. 그의 대형 캔버스들은 크기와 표현의 강도로 전시 공간을 모임과 명상의 장소로 변화시킵니다. 그의 예술의 이러한 환경적 특성은 현대 건축이 말하는 “현상학적 공간”에 대한 깊은 이해를 증명하는데, 이는 감수성에 직접 작용하고 관객의 인식을 변화시키는 장소들입니다.
영원한 현재의 연금술
양스홍은 최근 작품에서 드문 수준의 세련된 시간적 연금술을 선보이고 있다. 그의 시리즈 “의식의 흐름”은 단순히 순간을 고정하는 데 그치지 않고, 덧없는 것이 영원의 차원을 얻는 “영속적 현재”라는 역설을 만들어낸다. 이 예술적 퍼포먼스는 가장 미묘한 메커니즘까지 분석될 가치가 있는데, 이는 그의 심오한 독창성을 드러내기 때문이다.
예술가는 무의식적 기억의 과정을 그대로 모방하는 회화 기법을 발전시켰다. 캔버스 위에서의 그의 즉흥적인 동작은 프루스트가 묘사한 기억의 재현과 유사하며, 이는 시간적 논리를 우회하여 멀리 떨어진 경험들 사이에 예상치 못한 연결고리를 드러내는 갑작스러운 돌출 현상이다. 이러한 접근법은 양스홍이 “시간 여행 기계”처럼 작동하는 작품을 창조하게 해, 창작의 현재 순간에 예술적 삶 전체의 퇴적물을 보여준다.
예술가의 기술적인 숙련도는 통제된 우연을 조직하는 능력에서 드러난다. 그의 구성은 사전 계획과 우연, 중국 서예의 천년 전통과 미국 추상 표현주의자들의 즉흥 재즈 사이의 상호작용에서 탄생한다. 이 융합은 기존의 현대 미술 범주를 벗어나는 매우 독창적인 작품을 만들어낸다.
양스홍의 혁신은 외부적 모순 없이 자신의 조형 언어를 끊임없이 새롭게 하는 능력에도 있다. 각 새로운 시리즈는 그의 형식적 어휘에서 미탐구된 잠재력을 드러내며, 줄어들지 않는 창의력을 보여준다. 이러한 끊임없는 갱신 능력은 내재된 진정한 필요성을 증명하며, 각 캔버스를 독특한 예술적 사건으로 변모시킨다.
예술가는 이렇게 현대 미술의 주요 모순 중 하나를 해결한다: 새로움의 요구와 개인적 비전에 대한 충실함을 어떻게 조화시킬 것인가. 그의 답은 모순 자체를 창조 원리로 삼아 전통과 현대, 동양과 서양, 구상과 추상의 긴장을 예술 발명의 동력으로 변화시키는 것이다.
양스홍의 최근 작품들은 뛰어난 예술적 성숙을 보여준다. “Sublime”(2016)이나 “Rhapsodie”(2016) 같은 작품은 절대 엄격함을 배제하지 않는 완전한 창작의 자유를 증명한다. 예술가는 여기서 중국인들이 “복잡함 이후의 단순함”이라 부르는, 오랜 탐구와 심화 과정을 숨긴 명료한 진리를 얻는다.
이 성숙함은 또한 예술가가 자신의 과거 창작과 맺는 관계에서도 드러난다. 그는 이전 시기를 부정하지 않고, 더 높은 종합체 안에 통합하여 자신의 진화의 깊은 논리를 드러낸다. 현재 작품들은 이전 연구 전부를 씨앗으로 함유하며, 축적된 경험으로 변화되고 승화되었다.
양스홍은 개인적 진정성과 보편적 범위를 결합하는 드문 예술가의 모습을 체현한다. 그의 작품은 서양 현대 미술 애호가와 중국 전통 회화 전문가 모두에게 동시에 말을 걸며, 분명히 화해할 수 없을 것 같은 미학적 세계 사이의 예상치 못한 연결을 드러낸다. 이러한 화해 능력은 그를 자신의 세대에서 가장 의미 있는 작가 중 하나로 만드는 폭넓은 예술적 비전을 증명한다.
양식홍의 예술은 회화가 시대에 뒤떨어진 예술이 아니라, 인간 경험의 깊은 구조를 드러내는 능력을 온전히 유지하고 있음을 상기시켜준다. 디지털 이미지와 즉각적인 소통이 지배하는 세상 속에서, 그의 캔버스는 느리게 사색하는 그 귀중한 사치를 제공하며, 감성이 자유롭게 펼쳐질 수 있는 저항의 공간을 마련한다. 그의 작품은 21세기 회화의 아직 탐구되지 않은 가능성에 대한 대체 불가능한 증언이자, 종종 환멸에 빠지는 세상에서 창조적 낙관주의의 교훈이다.
- 양식홍, “자연의 외침 – 영원한 현재의 양식홍” 중에서, Artemperor, 2015년 10월 21일.
