잘 들어봐요, 스놉 여러분. 에르베 디 로사(1959년 세트 출생)는 단순히 도발적인 작품으로 “올바른 취향”의 자칭 수호자들의 이를 갈게 만드는 평범한 화가가 아닙니다. 그는 문화적 엘리트와 대중문화 사이의 경계를 펑크의 에너지와 철학자의 지적 정확성을 갖고 거침없이 허무는 현대미술의 큰 변혁자입니다. 40년 넘게 그는 21세기에 예술가가 무엇을 의미하는지 재정의하는 거대한 작품 세계를 구축해 왔습니다.
그의 작품의 첫 번째 축인 토착 예술과의 융합적 관계부터 시작해 보겠습니다. 디 로사는 피에르 부르디외가 “구별짓기”라 정확히 명명한, 문화 엘리트들이 대중에서 나온 모든 것을 체계적으로 배제함으로써 자신의 우월성을 주장하는 경향에 맞서 항상 반항해 왔습니다. 그가 만화, 광고 간판, 플라스틱 장난감 등 대중문화 요소를 그림에 포함할 때, 이는 소비 사회를 관찰하는 팝 아티스트의 냉소적 거리두기와는 다릅니다. 오히려 그는 월터 벤야민이 기술적 재현 시대에 예술의 민주화 필요성에 대해 고찰한 것에 공명하며 대중 이미지의 세계에 온몸으로 뛰어들어 진심 어린 태도를 보여 줍니다. 1980년대 그의 불타는 캔버스에서 디 로사는 대중문화를 단순히 인용하는 데 그치지 않고, 그 문화를 체험하고 호흡하며 소화하여 독특한 회화 소재로 승화시킵니다. 그의 작품 속 인물들은 지적으로 차용된 것이 아니라, 끊임없는 사이키델릭 카니발에서 탈출한 살아 숨 쉬는 존재처럼 보입니다.
이러한 급진적인 회화 접근법은 현대미술의 본질에 관한 보다 광범위한 고찰에 자리 잡고 있습니다. 개념 작품을 창작하고 이를 오직 소수의 엘리트를 위한 것으로 한정하는 예술가-이론가의 태도를 거부하며, 디 로사는 자크 랑시에르가 논한 “감각의 공유”와 확립된 미학적 위계질서 재고의 필요성에 관한 고민과 맥을 같이합니다. 그의 회화는 복잡하고 혼돈스러운 삶에 대한 경쾌한 축제로, 창조성은 특정 사회 계급이나 문화 전통에 한정되지 않는다는 선언입니다.
그의 작품의 두 번째 측면은 예술적 유목주의 실천에 있다. 1990년대부터 불가리아에서 가나, 베트남, 멕시코에 이르기까지 세계를 여행하면서, 디 로사는 질 들뢰즈와 펠릭스 가타리가 이론화한 “리좀”, 즉 다중적이고 예측할 수 없는 연결을 통해 발전하는 비위계적 사고 형태를 완벽하게 구현한다. 그러나 프랑스 철학자들이 추상 영역에 머물렀던 반면, 디 로사는 실제로 재료를 다룬다. 그는 현지 장인들과 협력하고, 그들의 고대 기술을 배우며, 서구의 경직된 범주를 무너뜨리는 혼합된 작품을 창작한다.
그가 카메룬에서 제작한 청동 조각, 베트남의 옻칠 공예, 포르투갈의 도자기는 관광적 이국주의적 연습이 아니라 예술의 경계해체를 위한 급진적 실험이다. 이러한 다양한 장인 전통에 몰입함으로써, 디 로사는 클로드 레비-스트로스의 인류학적 프로젝트를 이어가는데, 그는 “브리콜라주”를 서구 합리성만큼 정당한 사고 방식으로 보았다. 배우는 새로운 기술 하나하나는 단순한 도구에 그치지 않고 새로운 사고와 세계를 바라보는 방식이 된다.
그 작품의 인류학적 차원은 그가 1990년대부터 발전시켜 온 겸손한 예술(art modeste) 이론에서 가장 완성도 있게 표현된다. 이 개념은 단순한 현대 미술계에 대한 도발이 아니라 진정한 철학적 제안이다. 2000년 세트에 국제 겸손 미술관(MIAM)을 설립하면서, 디 로사는 기괴하거나 주변적인 물건들을 단순히 수집하는 데 그치지 않고, 무엇이 예술로 간주될 수 있는지를 근본적으로 재정의한다. 그가 전시하는 플라스틱 장난감, 수집용 피규어, 광고 이미지는 인류학적 호기심의 대상이 아니라 인간 창의성의 정당하고 중요한 표현으로 제시된다.
이 급진적 행위는 마르셀 뒤샹이 소변기를 분수로 바꾼 방식을 연상시키지만, 뒤샹의 냉소와는 다르다. 뒤샹이 예술적 관습의 임의성을 증명하려 했던 반면, 디 로사는 인간이 모든 상황 속에서 아름다움과 의미를 창조하는 능력을 찬양한다. 그의 접근법은 롤랑 바르트가 현대 신화에 대해 성찰한 내용을 반영하지만, 바르트가 비판적인 입장에 머문 반면, 디 로사는 복잡하고 다양한 인간 경험을 포용하는 긍정적 대안을 제안한다.
디 로사는 대중적인 영향력을 현대 예술로 전환하되, 거만한 문화 전유의 함정에 빠지지 않는다. 그에게 중요한 것은 “하층”을 “상층”으로 끌어올리는 것이 아니라, 이 범주들 자체가 인간 창의성에 대한 이해를 제한하는 인공적 구축물임을 보여주는 것이다. 이 점에서 그는 수전 손택이 고전적인 고급 문화와 대중 문화의 이분법을 넘어설 필요성을 논한 내용과 부합한다.
그의 작업은 또한 현대 사회에서 예술가의 역할에 관한 중요한 질문을 던진다. 예술 시장이 전문화와 쉽게 식별 가능한 “예술 브랜드” 창출을 촉진하는 시점에서, 디 로사는 의도적으로 다형적인 실천을 유지한다. 그는 회화에서 조각으로, 도자기에서 태피스트리, 만화에서 설치 작업으로 자유롭게 넘나들며, 르네상스 시기 예술가들을 떠올리게 하는 자유로움을 보여준다. 이러한 다재다능함은 변덕이 아니라, 현대 미술 체계가 강요하는 임의적 한계를 거부하는 일관된 비전의 표현이다.
디 로자의 경력은 또한 전위 예술 개념을 재고하도록 우리를 강요합니다. 새로움과 혁신에 집착하는 예술계에서 그는 위태로운 전통 공예를 재활성화하고 재발명하는 방식을 통해 또 다른 형태의 급진성을 제시합니다. 그의 작품은 기계적 재생산 시대의 독창성 본질에 관한 발터 벤야민의 고찰뿐만 아니라 니콜라 부리오의 관계미학 이론과도 공명합니다. 전 세계 장인들과 협력함으로써, 디 로자는 단순한 작품을 만드는 것을 넘어 서로 교환하고 학습하는 상황을 창조하여 고독한 로맨틱 예술가라는 이미지를 도전합니다.
세계화가 문화적 관행의 획일화를 위협하는 현시점에서, 그의 작업에서 이러한 협력적 차원은 특별히 중요합니다. 현지 전통 공예에 관심을 가짐으로써, 디 로자는 그것들의 보존과 갱신에 기여합니다. 그러나 그는 이를 보수적이거나 향수를 불러일으키는 관점에서 하지 않습니다. 오히려 이러한 전통적 기법이 현대미술과 대화하여 새롭고 예기치 못한 형태를 창출할 수 있음을 보여줍니다.
그의 회화 자체도, 요란한 색채와 혼돈스러운 구도로 인해, 현대미술의 소독된 미학에 대한 저항의 한 형태로 볼 수 있습니다. 그의 작업에는 미하일 바흐찐이 분석한 중세 축제의 과잉에서 오는 환희가 존재하는데, 그 축제에서는 일시적으로 사회적 위계가 전복되어 억제되지 않은 대중적 창의성이 발현되었습니다. 그러나 디 로자에게 있어 이 축제는 영속적이며, 각 화폭을 혼란스러운 복잡성 속 삶의 축제로 탈바꿈시킵니다.
디 로자가 일상용품과 대중문화를 중요시하는 점 역시 미셸 드 셀토의 “일상의 기술(arts de faire)”에 대한 고찰과도 맞닿아 있습니다. 드 셀토에게 창의성은 공인된 예술 작품에 국한되지 않고, 평범한 사람들이 일상 물건을 변용하고 재창조하는 무수한 방식에서도 표현됩니다. 디 로자는 이러한 “겸손한” 창작물이 현대미술을 영양 공급할 수 있음을 더 나아가 보여줍니다.
그의 전통적 예술 위계 거부는 모든 문화 산물을 동등하게 보는 순진한 상대주의로 오해되어서는 안 됩니다. 오히려 디 로자는 평가 기준을 달리 제안하는데, 이는 제도적 위신이나 개념적 정교함이 아닌 창조적 활력과 의미 및 감정을 생성하는 능력에 기반합니다. 이 점에서 그는 예술을 일상 경험과 재연결할 필요성을 강조한 존 듀이의 관심사와 닿아 있습니다.
MIAM의 설립은 아마도 이 비전의 가장 구체적인 결실일 것입니다. 이 박물관은 단순한 전시 공간이 아니라 현대미술, 대중문화, 전통공예의 경계가 끊임없이 재정의되는 진정한 실험실입니다. 또한 문화 표준화에 대한 저항 공간으로서, 특이함과 이질성이 주변화되지 않고 축하받는 장소입니다.
그래서 그렇습니다, 어떤 이들에게는 디 로자의 회화가 과도하고 혼란스럽고 때로는 저속해 보일 수 있습니다. 그러나 바로 이런 지배적인 미적 규범 거부에서 그의 힘이 나옵니다. 종종 냉소와 무익한 지성주의로 마비된 예술계에서, 그는 활력을 주는 대안을 제시합니다: 기쁨과 관대함을 두려워하지 않고 일상 삶에 깊이 뿌리내린 예술. 아서 단토가 썼듯, 아름다움은 박물관에만 국한되지 않고 인간 상상력이 작동하는 모든 곳에서 나타날 수 있음을 우리에게 상기시켜 줍니다.
디 로사(Di Rosa)는 진정한 현대적 존재가 반드시 모든 전통과 단절하거나 개념적 추상성에 피신하는 것을 의미하지 않는다는 것을 보여줍니다. 그것은 또한 인간 창조성의 다양한 형태들 사이에 예상치 못한 연결 고리를 엮고, 예술적 표현의 다양성을 계층화하려 하기보다 축하하는 것을 의미할 수 있습니다. 그의 작품은 예술이 소수 엘리트를 위한 영역이 아니라, 가장 다양한 형태로 나타나고 가장 예상치 못한 장소에서 등장할 수 있는 보편적인 언어임을 상기시켜줍니다.
