잘 들어봐요, 스놉 여러분 : 이제는 여러분의 확신을 넘어 바라볼 때가 왔습니다. 허무한 개념주의와 무분별한 도발로 가득한 현대 미술계에서, 서른한 살의 일본 여성 미술가가 진정한 비전가의 태연한 여유로 우리의 인식을 뒤흔듭니다. 1994년 치바에서 태어난 에츠 에가미는 역사적 무게와 이전 세대의 정체성 탐구에서 해방된 일본 전후 3세대 작가들의 모습을 담고 있으며, 보편적 인간 조건의 미로를 놀라운 대담성으로 탐험합니다. 그녀는 프리즘 색채의 반추상적 초상화를 통해 소통이 지닌 가장 연약하고 본질적인 부분을 드러냅니다.
미국에서 유럽, 중국에서 독일까지의 세계적인 경력은 언어적·문화적 오해를 가장 비옥한 창작 토양으로 만드는 예술 활동을 형성했습니다. 베이징 중앙미술학원에서 류샤오둥(Liu Xiaodong) 지도 아래 졸업하고 카를스루에 예술디자인대학을 거치며, 그녀는 오해를 시적인 계시로 승화하는 조형적 접근을 발전시켰습니다. 이러한 지리적·지적 방랑은 언어 장벽이 오히려 보다 진정한 소통의 매개가 되는 작품을 키워냈습니다.
무지개의 색채 변증법으로서의 타자의식
에츠 에가미의 캔버스는 독특한 색채 구성으로 시선을 사로잡습니다: 반투명한 수평 띠들이 포화되었지만 미묘한 색조를 띠며, 불완전한 현실과 접촉해 더럽혀진 지상무지개를 연상시킵니다. 작가에게 이 빛의 스펙트럼 은유는 우연이 아니며, 그녀는 “무지개는 빛나게 정화된 모든 미묘한 색조를 담고 있다” [1]고 말합니다. 이 상징성은 단순한 심미를 넘어 진정한 공존의 철학으로 자리잡습니다.
일본 전통에서 무지개는 《탕고노쿠니 후도키》에 언급된 천상의 부유 다리(아메노우키하시)를 가리키며, 전설에 따르면 교토 서쪽 땅을 형성하기 위해 무너졌다고 전합니다. 이 신화적 언급은 에츠 에가미의 작품과 공명하며, 하늘 다리의 붕괴는 아마도 진정한 이해 앞에 놓인 필연적 환멸을 상징합니다. 그녀의 캔버스 색채는 결코 섞이지 않고 평행 선으로 공존하며, 균일화를 거부하는 인간 다양성의 시각적 은유입니다.
작가는 또한 지상과 초월 사이의 다리로서 무지개의 보편적 상징에서 영감을 얻습니다. 북유럽 신화에서 비프리스트(Bifröst)는 미드가르드와 아스가르드를 연결하며, 티베트 불교에서 “무지개 몸”은 깨달음에 이르는 마지막 단계를 뜻합니다. 이러한 언급들은 에츠 에가미가 자신의 작품을 문화적 특수성을 초월하는 영적 차원에 위치시키는 데 도움을 줍니다. 그녀의 “더러운” 무지개들은 우리의 조건이 지닌 결점과 더불어 가능성 있는 상승에 대한 끈질긴 희망을 표현합니다.
서예를 그림의 비밀 건축물로서
에가미 에쓰의 작품에 대한 서예의 영향은 그녀의 작업에서 가장 미묘하면서도 근본적인 측면 중 하나를 구성합니다. 단순한 부수적 요소가 아니라 이러한 서예적 스며듦이 그녀의 회화적 제스처를 깊은 수준에서 구조화합니다. 보스턴 미술관에서 열린 강연에서 한 큐레이터는 그녀에게 이렇게 말했습니다: “당신의 작품은 애니메이션도 아니고 우키요에도 아니지만 동양적인 감각이 있습니다. 그 이유는 작품에서 서예의 요소를 느끼기 때문입니다” [2].
이 관찰은 에가미의 작업이 지닌 숨겨진 차원을 드러냅니다. 어린 시절부터 아버지에게 서예를 배운 그녀는 이 분야를 단순한 글쓰기 기법으로가 아니라 신체적 확장으로 내면화했습니다. “붓은 탄력적이고, 종이 아래의 펠트도 그렇습니다. 글쓰기 연습을 할 때 내 손의 힘과 마음속의 생각이 서로 흡수하고 저항하는 일이 자주 있었습니다”라고 그녀는 설명합니다. 이러한 의도와 물질적 저항 사이의 대화법이 그녀의 회화적 제스처에 영향을 미칩니다.
동양 서예는 글쓰기와 회화의 근본적 통일성(書畫同源)을 가정합니다. 에가미에게서 이 천년의 전통은 놀랍도록 현대적으로 재현됩니다. 그녀의 초상화는 외형적 유사성을 추구하지 않고, 6세기 셰허(謝赫)가 이름 붙인 “기운생동(氣韻生動)”, 즉 영적 공명과 생명력을 포착합니다. 붓질 하나하나가 존재의 서명, 캔버스에 생기를 불어넣는 숨결의 흔적이 됩니다.
그녀의 구성 리듬은 서예가의 숨 들이쉬기와 내쉬기의 교대를 연상시킵니다. 수평 띠는 호흡의 휴지처럼 기능하고, 구불구불한 선들은 창조적 충동을 구현합니다. 이러한 신체적 접근법은 예술가의 몸을 창작 과정의 중심에 놓으면서, 예술을 정신적 수련이자 미적 표현으로 보는 전통을 잇습니다.
서예의 영향은 그녀의 공(空)에 대한 개념에서도 드러납니다. 중국 전통에서 공(虛)은 부재가 아니라 순수한 잠재성입니다. 에가미의 색상 사이의 흰 공간들은 이 원리에 따라 작용하며, 요소들을 분리하는 것이 아니라 공명을 일으킵니다. 이러한 공의 숙달은 명시적 표현보다 말하지 않은 것이 더 많은 의미를 가지는 동양 미학에 대한 깊은 이해를 보여줍니다.
초상화, 소통 불가능한 감정의 지진계
철학자 시리즈는 에가미의 예술적 진화에서 전환점을 Marks합니다. 시부사와 에이이치의 “논어와 주판” 독서에서 영감을 받아, 그녀는 중국의 백가(百家) 사상의 위대한 사상가들을 초상화로 제작합니다. 노자, 공자 뿐만 아니라 프로이트, 도스토예프스키, 카프카, 니체 등 인간 사상을 형성한 수많은 인물들을 그녀는 자신의 색채 제스처를 통해 부활시킵니다.
이 철학적 초상화들은 장르에 대한 혁명적 접근을 드러냅니다. 에가미는 외모의 유사성에 얽매이지 않고 모델들의 지적 본질을 그립니다. “나는 초상화의 전통적 개념에 한계를 두지 않았습니다. 백가 사상의 아이디어를 나만의 방식으로 시각화하려고 노력했습니다”라고 그녀는 말합니다 [3]. 모방적 틀에서 벗어남으로써 개념이 색이 되고 철학이 시각적 리듬으로 변하는 공감각적 접근법이 가능해졌습니다.
프로이트 초상은 이 방법을 잘 보여줍니다: 눈, 코, 턱은 인식 가능하지만 이마에 소용돌이치는 선들이 가득합니다. 이 이미지는 프로이트의 외형보다는 “꿈의 해석” 독서 경험을 연상시킵니다. 반대로 에가미의 노자는 어떤 얼굴 인식도 벗어나며, 진동하는 수평 띠와 몇몇 포착하기 어려운 파란 선들로 구성되어, 자아 소멸을 주장한 도교 사상의 완벽한 형상입니다.
이 접근법은 아르침볼도의 서양 미술을 관통하는 지적 초상화 전통과 공명을 이룹니다. 하지만 이탈리아 매니에리즘 화가가 상징적 물체로 얼굴을 구성하는 반면, 에가미 에쓰는 색채 용해를 통해 진행합니다. 그녀의 철학자들은 순수한 색에서 태어나며, 이는 그들의 작품을 읽음으로써 내면에서 일어나는 변화를 묘사하는 회화적 변형입니다.
작품을 창조적 오해의 실험실로서
2021년 긴자 식스에서 열린 “Star Time” 전시는 에가미 에쓰의 또 다른 예술적 측면을 드러냅니다. 메이지에서 쇼와 시대의 문학 인물인 가모노 조메이(가모노 쵸메이)와 나쓰메 소세키를 주제로 한 이 시리즈는 문화 전승과 지적 유산에 대한 그녀의 고찰을 이어갑니다. 이 작가들의 초상은 그녀의 철학적 접근법의 연장선에 있으면서도 일본 문학 전통과의 특별한 친밀감을 보여줍니다.
팬데믹 격리 기간은 이러한 창시 텍스트에 몰입할 수 있는 시간을 제공했습니다. 에가미는 문학과 회화, 사유와 감각 사이의 은밀한 연결 고리를 발견합니다. 이 시리즈는 그녀의 철학자 초상의 서막을 이루며, 정신적 작품과 끊임없는 대화에서 개인적 아이코노그래피를 구축하는 예술가임을 드러냅니다.
2016년에 시작되어 현재까지 진행 중인 창작 프로젝트 “This is not a Mis-hearing game”은 에가미 에쓰의 실험적 방법을 보여줍니다. 그녀는 여러 국적의 수백 명 참가자에게 소리를 들려주고, 즉시 그들이 인지한 내용을 받아쓰도록 요청합니다. 이렇게 수집된 오해들은 예술적 재료가 되어 인간 소통의 비밀스런 메커니즘을 드러냅니다.
이러한 민족지학적 예술 접근법은 에가미를 현대 예술가-인류학자 계보에 올려놓습니다. 그러나 노골적으로 데이터를 노출하는 개념주의적 관행과 달리, 그녀는 이 자료들을 회화로 변형합니다. 참가자의 얼굴은 사진 촬영 후 회화화되어, 우리의 인간 교류에서 특유한 풍부한 오해의 감각적 기록이 됩니다.
퐁피두 센터의 큐레이터 줄리 샴피옹은 이 차원을 완벽히 이해하고 있습니다 : “그녀의 작품에서 아름다운 점은 그녀가 이러한 모든 특수성을 단지 오해의 원천으로만 보지 않고, 사람들 간의 관계에서 창작과 풍요의 원천으로 본다는 점입니다” [4]. 이 연금술은 장애물을 기회로, 오해를 계시로 바꿉니다.
현대 무상미학을 향하여
2023년 싱가포르 전시에서 카모노 조메이의 『호죠키』에 대한 참조는 에가미 에쓰 작품의 종종 가려지는 명상적 차원을 드러냅니다. 13세기에 1제곱미터 오두막에서 쓰인 이 불교 텍스트는 무상과 자연재해를 명상합니다. “물이 계속 흐르지만, 결코 같은 물이 아니다”라는 이 강 이미지가 에가미의 흐르는 초상과 울려 퍼지며, 시선에 따라 얼굴이 형성되고 용해됩니다.
작가는 이 천년 지혜를 기술 가속화와 사회적 거리두기가 심화된 현대에 맞게 현실화합니다. 그녀의 화폭은 인간 만남의 덧없는 본질, 다시는 똑같이 반복되지 않을 “이치고 이치에”의 순간들을 포착합니다. 디지털 복제가 지배하는 세상에서, 이 유일성의 축하는 특별한 울림을 가집니다.
에가미에게 무상은 우울이 아니라 경탄을 낳습니다. 그녀의 색채는 자신 있는 기쁨과, 허약함을 인식하면서도 비관에 빠지지 않는 명료한 낙관주의로 진동합니다. 이 윤리적이자 미학적인 자세는 그녀를 깊이 현대적인 예술가로 만들며, 우리 시대의 불확실성을 아름다움의 무기로 맞설 수 있게 합니다.
에도미 에쓰의 국제 무대에서의 눈부신 성공, Forbes 30 Under 30 Asia 선정과 가장 명망 있는 기관에서의 전시는 아시아 지역을 넘어선 비평적 평가를 증명합니다. 그녀의 작품들은 모스크바의 Garage Museum, 베이징의 CAFA Art Museum, 서울의 E-Land Foundation 컬렉션에 포함되어 있습니다. 이러한 지리적 확산은 그녀의 보편적 야망을 입증합니다.
그러나 그녀는 시장의 유혹에 대해 건전한 경계를 유지합니다. 자신의 작품을 둘러싼 투기를 개탄하며, 그녀는 자신의 갤러리들과 5년간 재판매 금지 협약을 맺습니다. “나의 예술 작품은 내 아이들과 같아서, 작품들이 사람들이 곁에 훨씬 더 오래 머무르길 바랍니다,” 라고 그녀는 말합니다. 이러한 윤리적 입장은 자신의 책임을 자각하는 예술가를 드러내며, 자신의 작업이 단지 상업적 가치로 축소되는 것을 거부합니다.
세계시대의 지평 : 세계그림
에도미 에쓰의 작품은 중간 영역, 확신이 흔들리고 가장 깊은 깨달음이 나타나는 그 경계 공간에서 꽃피웁니다. 완전히 일본적이지도, 전적으로 서양적이지도 않은 그녀의 회화는 우리 시대의 문화적 세계화 현상을 구현합니다. 그녀는 고대 전통에서 영감을 얻으면서도 단호하게 현대적인 시각 언어를 만들어낼 수 있음을 증명합니다.
그녀의 초상-풍경, 시각각도에 따라 지평선으로 변하는 얼굴들은 이 접근법을 훌륭히 종합합니다. 그것들은 진정한 예술이 아마도 모든 해석 가능성을 열어놓고, 수수께끼를 해결하기보다 유지하는 능력에 있을지 모른다는 것을 드러냅니다.
극단적 대립과 독단적 확신이 만연한 오늘날, 에도미 에쓰는 불확실성을 풍요로움으로 만드는 중도적 길을 제안합니다. 그녀의 그림들은 아름다움이 종종 인정된 오해에서 비롯되며, 진정한 소통은 어쩌면 말이 멈추는 지점에서 시작된다는 것을 상기시켜줍니다. 이 점에서 그녀는 가장 고귀한 예술 전통과 통합니다: 보이지 않는 것을 드러내고, 표현할 수 없는 것을 형상화하며, 장애물을 더 높은 이해로 향하는 발판으로 전환하는 것입니다.
미래는 이 국제적인 세대의 예술가들이 그 약속을 지킬 수 있을지 알려줄 것입니다. 그러나 이미 치바의 작업실에서 그녀는 지칠 줄 모르고 색채 연구를 계속하며 진정으로 보편적인 예술의 윤곽을 그리고 있습니다. 이는 우리의 극복할 수 없는 차이들을 장애물이 아니라 새로운 아름다움의 토양으로 만드는 예술입니다. 어쩌면 이 매일매일의 창조적 오해라는 연금술 속에 그녀의 태동하는 천재성의 비밀이 있을지도 모릅니다.
- Tang Contemporary Art, “에도미 에쓰: RAINBOW”, 전시 카탈로그, 2022
- Whitestone Gallery, “에도미 에쓰가 이끌어낸 보편적 철학”, 2023
- 같음.
- Tang Contemporary Art, “오해의 순간에, 모든 가면이 벗겨지다”, 보도 자료, 2021
