잘 들어봐요, 스놉 여러분. 카르티에 재단의 수정같이 투명한 건물 안에서, 금빛과 빛의 비가 공간을 변모시킵니다. 1932년생 콜롬비아 출신 예술가 올가 데 아마랄의 매달린 실들은 공중에 떠 있는 기하학을 그려내며 중력을 거스르는 듯 보입니다. 1960년대부터 오늘날까지 만든 거의 80점의 작품을 모은 이 첫 번째 유럽 주요 회고전은, 60년 넘게 텍스타일 아트의 경계를 끊임없이 넘나들며 명상과 초월의 공간을 창조해 온 예술가의 기념비적 작품을 탐구하도록 초대합니다.
이 혁신적인 전시는 매체의 한계를 지속적으로 초월해 온 예술가의 인정을 전환시키는 분기점입니다. 태피스트리, 조각, 설치 작품 사이를 오가는 그녀의 창작물들을 통해 올가 데 아마랄은 특히 창조적 자유 개념에서 장폴 사르트르의 존재주의와 흥미로운 대화를 이룬다. 그녀의 작품은 물질적 제약을 넘어선 초월의 예술적 형태를 추구하는 끊임없는 탐구를 구현합니다.
아마랄의 기념비적 설치 작품들, 특히 2013년 시리즈 “브루마스”는 우리의 공간 인식을 근본적으로 변화시키는 몰입형 환경을 만듭니다. 다채로운 색으로 염색된 매달린 실들로 구성된 이 작품들은 공간을 단순히 채우는 데 그치지 않고, 그곳을 명상과 감각 경험의 장소로 변모시킵니다. 관객은 이러한 창작물과 맞닥뜨리며 물질이 빛이 되고 공간이 시가 되는 세계에 몰입하게 됩니다.
이 변형적인 차원은 특히 예술가가 재료를 다루는 방식에서 두드러지게 나타난다. 그녀의 “Alquimias”의 금빛 표면은 원래의 물질성을 초월하여 빛을 조절하는 반사 표면이 된다. 전통적으로 권력과 부의 상징인 금은 그녀의 손에서 영적 변형의 매개체가 되어 거의 신비로운 존재감을 발산하는 작품을 창조한다.
아마랄의 금 사용은 역사적 혹은 문화적 참조를 훨씬 뛰어넘는다. 1996년에 시작한 그녀의 “Estelas”에서 금빛 표면은 초월을 추구하는 구체적인 표현으로 변모하여, 귀중한 금속을 단순한 물질성을 초월하는 영적 경험의 매개체로 만든다.
보고타에서의 건축 초기 교육은 공간을 표현의 매체로 깊이 이해하는 데 반영된다. 그녀의 거대한 작품들, 예를 들어 “Muros Tejidos”는 건축 공간과의 관계를 재정의한다. 관람객은 단순히 예술 작품 앞에 서는 것이 아니라 오감 전체를 자극하는 총체적인 환경에 몰입한다. “Bosques”와 “Brumas” 시리즈는 이 공간적 숙달을 완벽히 보여준다. 매달린 실들은 관람객의 위치에 따라 변하는 투명한 부피를 만들어내어 공간에 대한 역동적인 경험을 생성한다. 이런 설치 작품들은 단순히 공간을 나타내는 것이 아니라, 각 이동이 새로운 시각적 구성을 드러내는 인지적 탐구의 장으로 변모시킨다.
아마랄의 예술적 실천은 섬유의 표현 가능성을 지속적으로 탐구하는 데 초점이 맞춰져 있다. 린넨, 면, 말총 및 기타 전통적인 재료를 다루는 그녀의 작업은 각 재료의 내재적 특성에 대한 깊은 이해를 보여준다. 그녀는 단순히 재료를 사용하는 데 그치지 않고, 한계까지 밀어붙여 미탐험 가능성을 드러낸다.
예술가는 전통적인 기법을 초월하는 독특한 직조 접근법을 발전시켰다. 그녀는 실을 엮고, 묶고, 얽어 복잡한 표면을 만들어내며 섬유 매체의 가능성을 재정의한다. 이 표면들은 단순한 섬유 배열이 아니라 물질의 표현 가능성을 정교하게 탐구한 것이다.
아마랄과 색채와의 관계는 특별한 감수성을 드러낸다. 그녀 자신이 말하듯이 : “나는 색을 산다. 그것은 무의식적인 언어이며, 나는 그것을 이해한다.” 이 직관적이고 깊은 색채 접근법은 그녀의 작품을 각각의 색조가 독특한 분위기 형성에 기여하는 진정한 색채 교향곡으로 변모시킨다.
크랜브룩 아카데미에서의 바우하우스 영향은 형태와 색채에 대한 체계적인 접근법에서 나타난다. 하지만 아마랄은 콜롬비아의 토착 전통과 선콜롬비아 미술과 결합해 근대주의 원칙을 초월한다. 이러한 독특한 종합은 다양한 원천에서 영감을 얻으면서도 깊이 독창적인 개인적 예술 언어를 창출한다.
특히 안데스 고원과 열대 계곡인 콜롬비아 풍경은 그녀의 작업에 깊이 반영된다. 그녀의 작품은 이 풍경들의 문자적 재현이 아니라 본질을 포착한 시적 변형이다. 그녀의 창작에서 질감, 색채, 형태는 자연환경과의 깊은 대화에서 탄생한다.
“Brumas” 시리즈는 전시에서 장엄하게 선보이며 이러한 변혁적 접근을 완벽하게 보여줍니다. 면 실에 직접 그려진 기하학적 무늬들은 단순한 재현을 초월하는 반투명한 볼륨을 만들어냅니다. 이 설치작품들은 빛과 색의 추상적 풍경이 되어 관람객에게 독특한 명상적 경험을 초대합니다.
전시에서는 아티스트의 기술적 진화 또한 조명합니다. 1970년대에 세라미스트 루시 리(Lucie Rie)와 일본의 긴츠기(kintsugi) 기법과의 만남에서 영감을 받아 금박을 도입한 것은 그녀의 작업에 결정적인 전환점을 마련했습니다. 금은 단순한 재료를 넘어서 빛을 물질로, 물질을 빛으로 변환하는 예술적 어휘의 핵심 요소가 되었습니다.
전시에 선보인 “Estelas”는 아마랄이 물질성을 초월하는 작품을 창조하는 능력을 보여줍니다. 면으로 짜여진 구조에 젯소와 금박을 입힌 이 금박 비석들은 빛을 복잡하게 조절하는 표면을 만들어 관람자의 시선과 조명 각도에 따라 끊임없이 변화하는 시각적 효과를 생성합니다.
리나 고트메(Lina Ghotmeh) 건축가가 설계한 Cartier 재단 전시는 아마랄 작품과 장 누벨(Jean Nouvel) 건축 사이에 매혹적인 대화를 만듭니다. 건물의 투명성은 작품 감상의 활성 요소가 되어 내부와 외부, 자연과 문화 사이에 미묘한 놀이를 연출합니다.
1층에서는 아마랄의 거대한 작품들이 주변 정원과 대화를 나누며 전시 공간과 도시 경관 사이에 연속성을 창출합니다. 이 연출은 작품들이 주변 환경을 변형시키고, 도시의 혼잡 속에서도 명상의 공간을 만드는 능력을 강조합니다.
전시의 지하 공간은 아마랄 작품에서 반복되는 패턴에 영감을 받은 나선을 따라 구성된 더욱 친밀한 경험을 제공합니다. 극적인 조명과 어두운 벽면은 명상에 적합한 환경을 조성하여 작품들이 그 영적 차원을 완전히 드러내도록 합니다.
예술적 초월을 향한 그녀의 탐구에서 사르트르가 지적했듯, 아마랄은 모든 물질적 제약을 표현의 기회로, 모든 기술적 한계를 초월 가능성으로 변환합니다. 그녀의 작품은 매체의 물질성과 초월을 향한 열망 사이의 창조적 긴장을 완벽하게 구현합니다.
이 회고전은 또한 아마랄이 섬유 예술에 대한 우리의 인식을 어떻게 변화시켰는지 이해할 수 있게 합니다. 그녀는 전통적인 태피스트리 제약에서 섬유를 해방시켜 기존 범주를 초월하는 새로운 예술 언어를 창조했습니다. 그녀의 작품은 회화도 조각도 건축도 아닌 독특한 합성체로, 새로운 표현 가능성을 엽니다.
전시는 1960년대, 1970년대, 1980년대의 예술 전위에 대한 아마랄의 공헌을 부각합니다. Sheila Hicks, Magdalena Abakanowicz와 같은 아티스트들과 함께 그녀의 작업은 오랫동안 여성들이 주로 하는 장식 예술로 인식되어 주변화된 섬유 예술의 해방에 중요한 역할을 했습니다.
아마랄(Amaral)의 건축학 초기 교육은 단순한 형식적 영향에 그치지 않고, 공간을 가능성의 장으로 바라보는 근본적인 접근법을 대표합니다. 그녀의 기념비적인 작품들, 특히 “Muros Tejidos”는 공간을 몰입할 수 있는 환경으로 변모시키며 모든 감각을 자극합니다. 이 직조된 벽들은 건축과 섬유의 융합을 완벽하게 보여줍니다. 양모와 말총으로 제작된 이 대형 작품들은 단순한 벽걸이 태피스트리가 아니라, 공간을 변형시키는 완전한 건축적 요소가 됩니다. 그 거대한 규모와 물리적 존재감은 우리의 환경 인식을 재정의하는 독특한 공간 경험을 창출합니다.
아마랄의 혁신적인 재료 사용 또한 이러한 건축적 차원을 반영합니다. 그녀가 말총으로 작업하는 방식은 섬유에 대한 전통적인 기대를 뛰어넘는 단단한 구조물을 만들게 합니다. 전통적으로 수공예와 연관된 이 재료들은 공간 창조에 기여하는 건축적 요소로 탈바꿈됩니다.
1970년대의 “Hojarascas”(마른잎) 시리즈는 아마랄이 직조 자체의 구조를 활용해 건축적 형태를 창조하는 방식을 보여줍니다. 직조된 띠들이 복잡한 부피로 조립되어 내부와 외부 공간을 형성하며, 건축의 기본 원리를 떠올리게 하여 섬유를 공간적 구성 매체로 전환시킵니다.
그녀의 건축 교육은 규모와 비례에 대한 정교한 이해에서도 드러납니다. 특히 1976년 애틀랜타의 웨스틴 피치트리 플라자 로비에 설치된 “Gran Muro”(거대한 벽)은 실제 건축 규모에서 작업하는 그녀의 능력을 보여줍니다. 여섯 층 높이의 이 작품은 예술적 개입을 통한 공간의 완전한 변형을 나타냅니다.
최근 작품들, 특히 “Brumas”는 이러한 건축적 접근법의 진화를 보여줍니다. 이 설치작품들은 더욱 가볍고 경계가 명확하지 않은 공간을 창조하며, 견고함과 투명성에 대한 인식과 놀이를 벌입니다. 이들은 재료의 물리적 한계를 넘어서는 공간 탐구의 새로운 단계를 대표합니다.
92세의 올가 데 아마랄(Olga de Amaral)은 여전히 그녀의 예술의 한계를 밀어내고 있습니다. 최근 작품들은 탁월한 기술력과 예술 언어를 지속적으로 혁신하는 능력을 증명합니다. 그녀의 작품은 진정한 예술이 종종 매체의 한계를 초월하여 새로운 표현 형태를 창조하는 능력에서 태어난다는 것을 상기시킵니다.
파운데이션 까르띠에에서 열리는 이 회고전은 올가 데 아마랄의 작품의 방대함과 깊이를 발견할 수 있는 특별한 기회를 제공합니다. 전통적인 예술 범주를 초월하는 그녀의 창작물을 통해 우리는 온 존재를 참여시키는 경험에 초대됩니다. 그녀의 작품은 예술이 세상에 대한 인식을 변형시키는 능력을 완벽히 보여줍니다. 올가 데 아마랄의 작품은 진정한 예술적 헌신의 힘을 되새기게 합니다. 물질을 영적 표현으로, 공간을 초월적 경험으로 변모시키는 그녀의 창작물은 세상의 아름다움 앞에서 우리의 경이로움을 재발견하도록 초대합니다.
