잘 들어봐요, 스놉 여러분, 추상회화의 경계를 디지털 시대에 재정의하는 작가 자클린 험프리스에 대해 이야기할 때가 왔습니다. 뉴욕 레드 훅에 있는 그녀의 넓은 작업실은 천장이 높고 동양의 빛으로 가득 차 있으며, 여기서 그녀는 캔버스를 유형과 가상의 경계, 회화의 물질성과 디지털 코드의 무형성 사이 한계를 탐험하는 영역으로 변모시키는 매혹적인 실험을 진행하고 있습니다.
우리의 화면이 밤낮으로 우리를 최면에 걸리게 하고, 감정이 표준화된 이모티콘으로 축소되며, 주의력이 수많은 반짝이는 픽셀들로 분산되는 세상에서, 험프리스는 특별한 일을 해냅니다: 그녀는 이 디지털의 카오스를 시각적 교향곡으로 변환해 우리를 느리게 하고, 진정으로 보고, 느끼게 만듭니다. 그녀의 거대한 작품들은 단순한 회화가 아니라 아날로그와 디지털이 복잡하고 미묘한 춤을 추는 경계 공간으로의 관문입니다.
이 아티스트는 1960년 뉴올리언스에서 태어나 현대 미술계에서 독특한 위치를 유지하며 수십 년을 견뎌냈습니다. 1980년대 파슨스 디자인 스쿨과 권위 있는 휘트니 인디펜던트 스터디 프로그램에서 교육받았으며, 당시 회화 매체가 쇠퇴 단계로 여겨지던 시기에 회화를 고집하기로 선택했습니다. 이러한 인내는 우리 시대의 기술적 변화를 마주하며 회화의 가능성을 끊임없이 재창조하려는 탐구로 변모했습니다.
예를 들어 그녀의 유명한 은색 캔버스를 보십시오. 처음 보면 거대한 스크린과 혼동할 수 있습니다. 하지만 가까이 다가오면 반사면이 빛과 상호작용하는 방식은 어떤 스크린도 재현할 수 없는 것입니다. 반사는 보는 위치에 따라 달라지며, 사진으로는 재현할 수 없는 운동 감각적 경험을 만듭니다. 이 작품은 단순한 jpeg 이미지로 축소되는 것을 단호히 거부하며, 우리의 세계 인식을 평평하게 만드는 디지털 표준화에 저항합니다.
험프리스 작품의 이러한 신체적이고 경험적인 차원은 인간과 기술의 관계에 대한 철학자 길버트 시몽동의 사상과 강렬하게 공명합니다. 그의 기본 저서 『기술 객체의 존재 양식에 대하여(Du mode d’existence des objets techniques)』에서 시몽동은 기술이 문화와 대립되는 것이 아니라 그 필수적인 차원이라고 획기적으로 주장합니다. 그는 자연과 인공의 단순한 이분법을 단호히 거부하며, 인간과 기술이 복잡한 상호의존 관계 속에서 공진화하는 비전을 제안합니다.
험프리스의 회화는 시몽동의 그런 비전을 완벽하게 구현합니다. 그녀가 ASCII 문자로 만든 스텐실을 사용해 자신의 예전 작품을 재현할 때, 단순히 재활용하는 것이 아니라 수작업과 기계적 복제의 경계를 초월하는 새로운 회화 언어를 창조합니다. 그녀의 캔버스는 컴퓨터 코드와 예술적 표현이 만나 상호 변형되는 매개 영역이 됩니다.
이 접근법은 특히 기술적 개체화에 관한 시몽동의 사상을 떠올리게 합니다. 시몽동에게 기술 개체는 단순한 무생물 도구가 아니라 끊임없이 진화하는 시스템으로, 우리 집단적 존재의 형성에 참여합니다. 마찬가지로 험프리스의 회화는 정적인 대상이 아니라, 보는 위치와 주변 빛에 따라 문자 그대로 진화하며, 회화의 물질성이나 디지털 가상성 어느 하나로 축소될 수 없는 경험을 창조합니다.
블랙라이트 아래 전시된 그녀의 형광 회화 시리즈는 이 차원을 완벽히 보여줍니다. 이 작품들은 회화의 물질성과 빛의 무형성 사이에 애매한 공간을 만듭니다. 일반적으로 나이트클럽 분위기와 팝 문화를 연상시키는 형광 안료가 이곳에서는 정교한 예술 매체의 지위로 격상됩니다. 이 작품들은 우리의 모든 인식이 우리의 눈이나 스크린, 혹은 우리를 둘러싼 시각 문화에 의해 매개된다는 점을 상기시켜줍니다. 이 매개는 극복해야 할 장애물이 아니라, 우리가 세계와 맺는 관계가 펼쳐지는 바로 그 장소입니다.
아티스트는 CAPTCHA 테스트를 포함한 작품을 통해 이 탐구를 더욱 심화합니다. 온라인 상호작용에서 인간과 로봇을 구분하기 위해 설계된 이 디지털 장치들은 그녀의 붓끝 아래 새로운 시각적 문법의 요소가 됩니다. 그녀는 기술 불안을 상징하는 이 표식을 인공 지능 시대의 진정성과 예술적 표현의 본질을 묻는 구성으로 탈바꿈시킵니다.
그녀의 이모지 사용은 마찬가지로 도발적이고 정교합니다. 종종 우리의 감정적 소통의 빈곤을 상징하는 것으로 비판받는 이러한 표준화된 그림 문자는 그녀의 작품 속에서 예기치 않은 복잡성을 재투자받습니다. 겹쳐지고, 변형되고, 연속적인 페인트 층에 통합됨으로써 이들은 즉각적인 소통 기능을 잃고 더 풍부하고 모호한 화법의 요소가 됩니다.
심동(Simondon)의 기술 소외에 대한 성찰이 여기서 특별한 울림을 얻습니다. 철학자에게 소외는 기술 자체에서 오는 것이 아니라, 우리 문화 속에 기술을 이해하고 통합하지 못하는 무능력에서 비롯됩니다. 험프리스의 회화는 디지털이 악마화되거나 우상화되지 않고, 그 복잡성과 시적 잠재력을 드러내는 예술 실천에 통합되는 가능성 있는 화해의 길을 보여줍니다.
이 통합은 그녀의 회화 표면 처리에서 특히 돋보입니다. 페인트의 층, 스텐실로 만들어진 무늬, 금속성 반사는 단순히 공간적인 깊이가 아니라 시간적인 깊이를 창조합니다. 각 캔버스는 여러 개입의 흔적을 담고 있어, 디지털과 아날로그가 상호 기록되고 다시 써지면서 서로 다른 이미지 제작 방식 간의 복잡한 대화를 만듭니다.
가장 최근 작품들에서, 험프리스는 수작업과 기계적 경계 탐구를 더욱 심화시킵니다. 그녀는 과거 회화를 스캔해 ASCII 코드로 변환하는 컴퓨터 프로그램을 사용하고, 이 코드를 새로운 구성의 기초로 삼습니다. 이 번역과 재번역 과정은 친숙하면서도 이상하게 새로운 작품들을 만들어내며, 그림 동작의 디지털 에코처럼 작용합니다.
이 예술가는 우리의 기대와 지각 습관에 끊임없이 놀아납니다. 예를 들어 그녀의 은색 회화는 빛뿐만 아니라 관객도 반사하여 터치 스크린과 같은 상호작용을 만듭니다. 하지만 우리의 디지털 기기가 통제의 환상을 제공하는 것과 달리, 이 반사는 우리에게 불안정한 위치와 이미지를 고정된 형태로 정착시키지 못함을 상기시킵니다.
이 불안정성은 험프리스의 예술 프로젝트의 핵심입니다. 그녀는 디지털 시대에 회화가 쓸모없게 되는 것이 아니라, 오히려 현대적 조건의 역설을 탐구하기 위한 특권적 장소가 될 수 있음을 보여줍니다. 그녀의 작품은 우리에게 멈추어 서서, 우리가 경험을 구조짓는 여러 매개 층을 관찰하고, 기술과의 복잡한 관계를 인식하도록 권유합니다.
그 점에서 그녀의 작업은 심동 사상의 또 다른 중요한 측면과도 맞닿아 있습니다. 즉, 기술은 단순히 목적을 달성하기 위한 수단이 아니라 우리 집단적 존재가 되어가는 하나의 존재 양식이라는 생각입니다. 험프리스의 회화는 기술에 대한 논평이 아니라, 새로운 지각과 관계 방식을 실험하도록 해주는 장치입니다.
이 실험적 측면은 그녀가 연작으로 작업하는 방식에서 특히 분명합니다. 각 작품은 새로운 탐구의 출발점이 되며, 무늬, 동작, 효과가 캔버스들 사이를 순환하여 인터넷의 뿌리줄기 구조를 연상시키는 관계망을 만듭니다. 하지만 우리 시대를 특징짓는 끊임없는 디지털 이미지의 흐름과 달리, 그녀의 회화는 멈추어 세밀한 변화, 빛의 놀이, 층의 중첩을 인식하도록 강요합니다.
그녀의 블랙라이트 작업은 특히 흥미롭습니다. 이 작품들은 특정 조명 조건에서만 볼 수 있으며, 공간에 대한 우리의 인식을 근본적으로 변화시키는 몰입형 경험을 만듭니다. 자외선에 의해 활성화되는 형광 안료는 캔버스 내부에서 빛이 나오는 듯한 광도를 만들어내어, 칠해진 표면과 주변 공간의 경계를 흐릿하게 만듭니다.
빛을 예술 매체로 탐구하는 이 작업은 댄 플래빈의 실험을 떠올리게 하지만, 험프리스는 경험을 완전히 다른 방향으로 밀고 나갑니다. 플래빈이 조명 형광등을 조각 재료로 사용한 반면, 험프리스는 빛을 밝은 화면이 지배하는 세상에서 가시성의 본질을 질문하는 수단으로 사용합니다.
그녀가 ASCII 문자를 사용하는 것은 또 하나의 주요 혁신입니다. 그녀는 그림을 코드로 변환한 후 다시 코드를 그림으로 변환하여, 우리의 현대적 이미지 경험을 특징짓는 다양한 매개층을 부각시키는 번역 주기를 만듭니다. 이 과정은 발터 벤야민의 기계적 복제에 관한 사유를 디지털 시대에 맞게 재현한 것입니다.
그녀 작품 속 이모지는 비슷한 방식으로 작동합니다. 일상 소통에서 너무나 흔해진 이 기호들은 기존의 기능에서 벗어나 새로운 시각 언어 구문을 구성하는 요소가 됩니다. 험프리스는 이를 디지털 시대의 감정 표현 관습과 놀이를 하는 회화 언어의 기본 단위로 사용합니다.
험프리스의 예술은 이렇게 기술이 감성과 대립되는 것이 아니며, 디지털이 촉각을 배제하지 않고, 기계적 복제가 새로운 진정성 형태를 만들어낼 수 있음을 상기시킵니다. 그녀의 그림은 이러한 겉보기에는 모순되는 것들이 공존하고 서로 변모하는 공간을 창조하여 현대 미술의 새로운 가능성을 엽니다.
속도와 즉시성에 집착하는 시대에 재클린 험프리스의 작업은 잠시 멈춤의 순간을 줍니다. 이미지와 기술에 대한 우리의 관계를 재고하도록 초대합니다. 그녀의 그림은 단순한 답을 주지 않고, 디지털과 아날로그, 기계와 몸짓, 코드와 표현이 대화할 수 있는 성찰과 경험의 공간을 제공합니다.
현실과 가상 사이의 경계를 탐구하는 그녀는 회화가 우리 시대 조건을 이해하고 질문하기 위한 중요한 매체임을 보여줍니다. 그녀의 작업은 예술이 단순히 시대의 거울만이 아니라 새로운 인식과 경험 형태가 나타날 수 있는 실험실임을 상기시킵니다. 그녀 작품들은 저항과 성찰의 공간을 제시하며, 디지털과의 복잡한 관계를 탐색하고 재고할 수 있는 장입니다.
