잘 들어봐요, 스놉 여러분, 저는 여러분이 그의 그림 앞에서 5초 이상 멈춰 서는 게 당연한 한 예술가에 대해 말씀드릴 거예요. 1946년 저장성에서 태어난 채윤페이(Cai Yunfei)는 단순히 산수를 그려대는 또 다른 현대 중국 화가가 아닙니다. 아닙니다. 이 남자는 훨씬 더 대담한 일을 해냈어요: 수천 년 전통의 산수화를 색채의 폭발로 우리 시대에 밀어 넣어, 미국 추상 표현주의 화가들을 질투하게 할 만큼 강렬한 파격을 보여줍니다.
그의 최근 작품들, 산 자체가 오로라로 변신하기로 결정한 것 같은 색채의 폭발을 보세요. 이것은 단순한 장식이 아니라 비전입니다. 룽바오자이 출판사의 쉬 딩이(Xu Dingyi)는 “많은 요소들이 하나의 이미지로 융합될 때 그 이미지는 다중 의미를 갖는다”[1]고 말하며 그의 접근법의 본질을 정확히 포착했습니다. 이러한 다중 요소의 융합은 각 그림에 풍부한 의미를 창출합니다.
이 사람은 60년의 실무 경험을 지녔습니다. 60년! 다른 이들이 옛 공식을 반복하는 동안, 그는 신장과 쓰촨의 산들을 헤매며 현대의 은둔자로서 영적 깨달음을 찾는 것이 아니라 새로운 시각을 찾는 여정을 떠났습니다. 이 땅에 대한 집착, 자신의 시각을 실제 풍경에 부딪혀 보는 절대적 필요성은 세잔이 생트빅투아 산 앞에서 보인 집념과 묘하게 닮아 있습니다. 생상스의 대가처럼, 채윤페이는 산을 재현하려는 것이 아니라 더욱 깊고 본질적인 진실을 끌어내려 합니다.
하지만 세잔이 세계의 기하학적 구조를 드러내기 위해 형태를 해체했다면, 채윤페이는 창조의 숨결 자체를 포착하는 듯한 안료의 소용돌이 속에 그것을 해체합니다. 그의 산들은 무생물 덩어리가 아니라 살아 숨 쉬는, 거의 유기체 같은 존재입니다. 이 접근법은 장자(莊子)의 철학, 특히 끊임없는 변화를 강조하는 사상과 놀라운 공명을 이룹니다. 도가의 현자는 “만물이 쉬지 않고 변한다”고 썼으며, 이는 채윤페이가 캔버스 위에 문자 그대로 구현하는 관념입니다.
그의 기법인 포차이(泼彩)를 보라. 이 색채 투사 기법은 장대천에게서 물려받은 것이지만, 그는 이를 미지의 영역으로 끌어올렸다. 장대천은 색을 자신의 풍경에 신비로운 베일로 사용했다. 그러나 채운페이는 색을 땅의 심연에서 솟아나는 원초적 힘으로 만든다. 여기서 그의 천재성이 빛난다. 즉, 색채가 장식물이 아니라 잉크와 동등한 창조의 원료임을 깨달은 것이다.
그의 예술적 여정은 절강성의 산들 사이를 구불구불 흐르다 바다로 흘러드는 강과 같다. 1960년대 절강미술학원에서 학생으로 시작해, 1970년대 링난 운동의 관산위와 리셩차이의 제자가 되어, 그 가르침을 완전히 따르지 않고도 흡수했다. 영향들을 소화하여 전적으로 개인적인 무언가로 변모시키는 이 능력은 진정한 예술가의 특징이다.
왕중, 미술지의 전 편집장은 채운페이가 “포차이 예술을 장대천이 이룬 것을 넘어서 끌어올렸다” [2]고 정확하게 지적한다. 하지만 이는 단순한 기술적 과장이 아니다. 21세기 풍경화가 가질 수 있는 의미를 철학적으로 재정립한 것이다.
그 작품에서 가장 흥미로운 점은 통제와 혼돈 사이의 끊임없는 긴장감이다. 한편으로는 오랜 전통 실천에서 얻은 완벽한 기술 숙련이 있고, 다른 한편으로는 물감이 스스로 살아 움직이며 우연과 기적을 만들어내도록 하려는 의지가 있다. 천천시(Chen Chuanxi)는 이러한 자연스러운 질감의 작품들이 “화가 자신조차 흉내 낼 수 없는 것”이라고 한다 [3]. 각 작품의 절대적 독특성은 우연이 아니라 예측 불가능성을 포용하는 예술 철학의 결과이다.
중국 현대미술의 맥락 안에서, 전통과 현대, 동과 서 사이에서 흔들리는 상황 속에서, 채운페이는 자신만의 길을 개척한다. 오랜 세월 전통의 미묘함을 익힌 후, 그 전통을 거부할 수는 없지만, 동시에 거기에 갇히기를 거부한다. 그의 예술은 헤겔 용어를 빌리자면 변증법적 종합으로, 논제(전통)와 반논제(혁신)가 고차원의 종합으로 융합된다.
내가 2021년 용보재 박물관에서의 전시를 포함한 그의 최근 전시에서 좋아하는 점은 다양한 형식과 접근법이다. 여러 미터에 이르는 거대한 두루마리부터 작은 친밀한 작품들까지, 각 작품은 그의 비전의 다른 측면을 탐구하는 듯하다. 이러한 창작의 다양성은 산만함이 아니라 끝없는 호기심과 공식에 갇히지 않으려는 의지의 표현이다.
장자의 영향력이 그의 작품에서 특히 흥미롭다. 도교 철학자는 창조적 자발성인 무위(無爲)를 주장했는데, 이는 수동적이 아니라 사물의 자연스러운 흐름과 조화를 이루는 행동을 의미한다. 이 철학은 채운페이가 색들이 서로 섞이고 침투하며 캔버스 표면 위에 자신만의 길을 만든다는 방식에 반영된다. 그는 물질을 강요하지 않고 대화한다.
그의 상업적 성공, 즉 작품들이 이제 거의 15만 유로에 달하는 가격으로 팔리는 것은 예술시장을 예술의 부패로 보는 순수주의자들의 신경을 자극할 수 있다. 그러나 채운페이를 단순히 시장 현상으로 축소하는 것은 잘못이다. 그의 성공은 무엇보다도 창의적 진실성을 해치지 않고도 넓은 대중에게 감동을 준 예술적 비전의 성공이다.
오늘날 그의 기법을 모방하려는 젊은 예술가들은 본질을 놓치고 있습니다. 예술가를 만드는 것은 기법이 아니라 비전입니다. 그리고 차이 윤페이의 비전은 중국의 풍경을 단순한 그림 같은 배경이 아니라 중국 우주론에서 모든 것을 움직이는 생명 에너지인 기(氣)의 표현으로 깊이 이해하는 데 뿌리를 두고 있습니다.
중앙미술학원 교수인 유양은 그의 작품에서 북과 남의 융합을 강조합니다 [4]. 이 지리적이고 스타일적인 통합은 단순한 일화가 아닙니다. 이는 지역적 특수성을 초월하여 보편성을 추구하는 회화 언어를 창조하려는 더 큰 야망을 반영합니다.
작가 자신은 성공에도 불구하고 놀랄 만큼 겸손합니다. 드문 인터뷰에서 그는 일상의 작업, 끊임없는 연습, 인내심 있는 관찰의 중요성을 강조합니다. 이러한 작업 윤리는 전형적인 유교적 가치관으로, 신의 영감을 받아 천재적인 예술가라는 낭만적 이미지와 대조를 이룹니다. 차이 윤페이는 예술이 무엇보다도 직업이고 훈련임을 일깨워줍니다.
그의 최근 작품들은 점점 더 추상적인 구성으로 발전하며, 산은 복잡한 색채 놀이의 구실이 됩니다. 일부는 이것을 장식적인 경향으로 봅니다. 저는 오히려 이것이 풍경의 외형이 아니라 본질을 포착하려는 연구의 논리적 귀결이라고 봅니다.
이제 남은 질문은 유산에 관한 것입니다. 75세가 넘은 차이 윤페이는 두 배나 젊은 예술가들도 부끄러워할 에너지를 가지고 계속 창작하고 있습니다. 하지만 그의 개인적 창작을 넘어 새로운 세대 예술가들에게 미치는 영향이 결정적일 것입니다. 그는 자신의 기법뿐만 아니라 전통 중국 풍경에서 무한한 실험의 영역을 볼 수 있는 비전을 전수할 수 있을까요?
예술사의 가르침은 진정한 혁신가들이 살아생전 잘 이해받지 못한다는 것입니다. 차이 윤페이는 운이 좋든 나쁘든 그의 생전에 인정받고 축하받는 행운을 가졌습니다. 하지만 이러한 인식이 그의 예술적 제안의 급진성을 가리게 해서는 안 됩니다. 화려한 색채 폭발과 기술적 탁월성 뒤에는 오늘날 풍경화가 가질 수 있는 것에 대한 근본적인 재검토가 숨겨져 있습니다.
그러나 본질로 돌아가 봅시다: 작품 자체로. 융바오자이 미술관에서 그의 거대한 그림을 볼 기회를 가진 방문객들은 거의 최면 상태와 같은 경험을 묘사합니다. 색채가 저마다의 생명을 맥동하는 듯한 이 생기 넘치는 표면 앞에서, 차이 윤페이는 산을 그리는 것이 아니라 의식의 상태를 그린다는 것을 이해할 수 있습니다. 그의 작업에 깃든 이 명상적 차원은 장불교의 관조적 수행과 맞닿아 있으며, 대상에 대한 긴 관찰이 깨달음으로 이끌 수 있음을 보여줍니다.
서구의 서정적 추상화 거장들과의 비교가 자연스럽게 떠오릅니다. 샘 프랜시스나 헬렌 프랭켄탈러처럼, 차이 윤페이는 회화 재료의 유동성을 활용하여 순수한 감각의 공간을 창조합니다. 하지만 미국인들이 모든 구상적 참조로부터 해방되려고 했던 반면, 그는 실제 풍경과의 미세하지만 중요한 연결고리를 유지합니다. 추상과 구상의 긴장감이 그의 작품의 중심적인 심장입니다.
베이징에 작업실을 둔 채오 윤페이는 고향인 사오싱을 떠난 뒤 이곳에 정착했으며, 젊은 예술가들이 멘토링을 받기 위해 찾는 순례지가 되었다. 그러나 채오 윤페이는 기술적 조언에 인색하다. 그가 전하는 것은 창작에 대한 태도, 즉 인내심, 관찰, 그리고 실패를 창작 과정의 필수적인 일부로 받아들이는 것이다. 이러한 침묵의 교육법은 설명보다 본보기로 가르치는 선(禅) 스승들의 교수법을 연상시킨다.
최근 채오 윤페이의 작업이 점점 더 야심 찬 형식으로 확장되어, 어떤 작품은 이제 10미터가 넘는 길이를 자랑한다는 점은 나이가 들어도 쇠퇴하지 않는 야망을 보여준다. 이러한 기념비적인 구성들은 신체적인 숙련도와 정신적인 숙련도를 모두 요구한다. 채오 윤페이가 넓은 동작으로 온몸을 사용해 색을 노출하는 모습을 보는 것은 예술가가 자연의 힘과 화면 사이의 매개자가 되는 주술적 춤을 보는 듯하다.
유럽에서 몇몇 주목받은 전시가 있었음에도 불구하고, 그의 작품에 대한 국제적 비평 수용은 아직 미미하다. 중국 밖에서 상대적으로 알려지지 않은 이유는 문화적으로 깊게 뿌리내린 중국 전통 미술을 시각적, 개념적으로 번역하는 데 어려움이 있기 때문이다. 그러나 아마도 쉽게 보편화되지 않는 이러한 저항성이 채오 윤페이의 힘이기도 하다. 그의 예술은 세계 시장에 호소하기보다는 독특한 세계관을 심화시키려 한다.
채오 윤페이는 전통을 배신하지 않으면서도 새롭게 할 수 있다는 훌륭한 교훈을 준다. 그의 예술은 세기와 문화, 감수성 사이를 잇는 다리다. 그것은 영속성과 변화, 전통과 혁신, 숙련과 놓아버림에 대해 이야기하는 예술이다. 요컨대, 우리를 구성하는 모순들을 포용하는 능력에서 깊이 인간적인 예술이다. 그의 생동감 넘치는 화폭 앞에서 우리는 풍경, 전통, 현대성에 대한 우리의 관계를 재고하도록 초대받는다. 그리고 어쩌면 이것이 채오 윤페이의 진정한 위대함일 것이다: 우리를 가장 오래된 인류의 근원과 다시 연결시키면서 세상을 새롭게 보게 하는 능력.
- 쉬 딩이, “차이 윤페이 : 색과 먹의 여행자”, Artist.artron.net, 2022년 11월 1일.
- 왕 중, 차이 윤페이의 색과 먹 작품 전시에서 코멘트, 용보채 박물관, 2021년 10월.
- 첸 추안시, “회화에 몸을 맡기고 시를 표현하다, 유명 화가이자 서예가 차이 윤페이 작품 감상.”, Sohu.com, 2020.
- 위 양, 차이 윤페이 작품 심포지엄에서 발표, 중앙미술학원, 2021.
