잘 들어봐요, 스놉 여러분. 안토니오 조제 데 바로스 카르발류 에 멜루 무롱(1952-2016), 별명 퉁가는 단순한 유행하는 브라질 조각가 이상이었습니다. 70년대의 지적 활기 속에서 자랐으며 아버지 헤라도 멜루 무롱의 시와 사회 운동가인 어머니의 정치적 저항에 둘러싸여, 그는 여전히 현대 미술관의 멸균된 벽을 진동시키는 대담함으로 소재와 공간에 대한 우리의 관계를 새롭게 재창조했습니다.
우리는 그의 연금술과 물질 변형에 대한 매력에서 시작해야 합니다. 이는 단순한 스타일 효과가 아니라 그의 예술 실천의 근본입니다. 퉁가가 납, 유리, 머리카락, 수정 등을 대규모 설치작품에 조합할 때 단순한 조각품을 만드는 것이 아니라 가장 위대한 연금술 논문에 필적하는 변화를 연출합니다. 2005년 루브르에서 선보인 그의 걸작 “Deux Mondes의 빛 안에서” 설치작은 고전 미술의 성전인 이곳에 투자된 최초의 현대 미술 작품으로서 단순한 제도적 도발이 아니었습니다. 이는 그의 연금술 탐구의 절정으로, 유리 피라미드를 이질적인 소재가 불가사의한 합성으로 융합되는 용광로로 변모시켰습니다. 이 접근법은 가스통 바슐라르가 “과학 정신의 형성”에서 연금술적 사고와 과학적 합리성 간의 전환을 탐구한 사상을 떠올리게 합니다. 바슐라르처럼 퉁가는 물질적 상상력이 합리적 지식을 선행하고 양육한다는 것을 이해합니다. 그의 작품은 과학 이론의 설명이 아니라 클래식 물리학의 제약에서 벗어나 미지의 가능성을 탐구하는 실험실과 같습니다.
예를 들어, 그는 “젖은 길(La Voie Humide)”(2011-2014) 시리즈에서 연금술 전통을 명시적으로 언급하고 있습니다. 이 작품군에서 퉁가는 단순히 재료를 병치하는 것이 아니라 각 요소가 서로 영향을 끼치고 변형시키는 연쇄 반응을 창조합니다. 그의 조각을 지탱하는 강철 삼각대는 단순한 받침대가 아니라 다양한 물질 상태를 연결하는 에너지 전도체입니다. 수정과 스펀지가 채워진 토기 용기는 상징적인 변형이 이루어지는 매트릭스가 됩니다. 이러한 접근은 연금술적 사고를 단순한 의사과학이 아닌 물질과 정신이 떼려야 뗄 수 없이 연결된 복잡한 변형 시스템으로 깊게 이해했음을 보여줍니다.
이 변혁적인 차원은 특히 그의 공연에서 특별한 의미를 갖는데, 특히 “Xifópagas Capilares”(1984)에서 두 쌍둥이 자매가 머리카락으로 연결되어 신비로운 안무를 선보인다. 이 상징적인 작품은 개인의 몸과 집단의 몸 사이의 경계뿐만 아니라 안토닌 아르토가 발전시키고 지일 들뢰즈가 나중에 계승한 “기관 없는 몸” 이론을 문자 그대로 구현한다. 이 혁명적인 철학적 관점에서, 몸은 더 이상 미리 정해진 기능을 가진 생물학적 기계가 아니라 강도와 변화를 담는 장(field)으로 간주된다. 퉁가의 공연자들이 엉킨 몸은 변형의 매개체가 되어, 자신과 타자, 유기체와 무기체 사이의 경계가 우주의 춤 속에서 희미해져 우리 보통의 사고 범주를 무너뜨리는 실험 구역이 된다.
이 공연은 고립된 사례가 아니라 몸을 예술적 매체로서 탐구하는 체계적인 연구의 일환이다. 1997년 독사 다 X에 선보인 “Inside Out, Upside Down”에서 퉁가는 입는 남성들이 여행가방을 들고 입자를 가속시키는 가속기의 궤적을 따라가는 설치형 퍼포먼스를 만들어 이 생각을 한층 확장시켰다. 그들의 길이 교차할 때, 가방 안의 젤리 같은 신체 조각들이 바닥에 퍼져 섬세하게 조율된 안무를 이루었다. 이 작품은 양자 물리학과 일상생활의 연극 사이에 강렬한 평행선을 그리며, 우리의 가장 평범한 현실 속에 오직 예술만이 드러낼 수 있는 신비한 힘들이 흐르고 있음을 암시한다.
퉁가는 지속되는 시스템, 끝없는 고리로서 각 요소가 또 다른 의미의 사슬로 이어지는 작품을 만든다. 그의 설치-영화 “Ão”(1981)는 완벽한 예이다. 리우데자네이루의 두 형제 터널에서 상영된 이 작품은 건축 공간을 수학적 토우러스(도넛 모양)로 변모시키고, 프랭크 시나트라가 부른 콜 포터의 “Night and Day”가 반복된다. 이 작품은 전형적인 퉁가로, 비유클리드 기하학, 도시 건축, 대중문화가 어지러울 정도로 융합된 것이다. 그는 단순히 이 참조들을 나열하는 것이 아니라, 마치 초현실주의 시 속 단어들이 교미하는 것처럼 이들을 문자 그대로 결합하여 우리 합리적 이해를 뛰어넘는 개념적 하이브리드를 생성하며 상상력을 자극한다.
이 체계적인 접근은 그의 독특한 드로잉 관계에서도 발견된다. 많은 현대 예술가들이 드로잉을 단순한 준비 도구로 사용하는 것과 달리, 퉁가는 드로잉을 자신의 실천의 중심 요소로 삼는다. 특히 “Vê-Nus”(1976-1977) 시리즈의 드로잉들은 스케치가 아니라 생명력을 지닌 선들이 살아 움직이는 자율적인 작품이다. 이 선에서 나타나는 생체형태들은 때로 신비한 기관 같고 때로는 상상의 별자리 같아 미시적 세계와 거시적 세계가 우주의 춤 속에서 만나는 시각 세계를 창조한다.
그의 첫 개인전인 1974년 리우데자네이루 현대미술관 전시 “Museu da Masturbação Infantil”은 이미 독특한 드로잉 접근을 드러냈다. 전시에 등장한 추상적이고 구상적인 형태들은 현실을 재현하려 하지 않고, 종이에 선을 긋는 행위 자체에 내재된 에로틱 긴장감을 탐구했다. 이 초기 전시는 퉁가의 전체 경력 동안 그를 사로잡을 주제를 예고했는데, 그것은 물질의 변형, 대립의 융합, 이성과 비이성의 경계 탐험이었다.
이 변신에 대한 집착은 단순한 미적 변덕이 아니라 헤라클레이토스와 그의 “판타 레이”(모든 것은 흐른다) 개념으로 거슬러 올라가는 깊은 철학적 전통에 뿌리를 두고 있다. 그러나 그리스 철학자가 우주론적 보편 원리를 본 반면, 퉁가는 이를 자신의 예술 실천의 모든 측면에 적용하는 창조적 원리로 본다. 그의 작품들은 변화를 나타내는 것이 아니라 변화가 실행되는 것이다. 각 설치와 퍼포먼스는 물질, 공간, 시간 모두가 상상의 물리학 법칙에 복종하는 미시세계가 되어 우리가 존재의 숨겨진 가능성을 엿보게 한다.
이 접근법은 브라질 정글 속의 야외 박물관인 Instituto Inhotim에 퉁가를 위해 마련된 두 개의 전시관에서 절정에 이른다. 이 공간들은 단순한 전시장이 아니라 퉁가의 작품들이 서로 그리고 자연 환경과 대화하는 몰입식 환경이다. 예를 들어 “True Rouge”(1997)에서, 병, 구슬, 붉은 천으로 채워진 그물이 떠 있는 설치물을 이루어 과학 실험과 신비 의식을 동시에 떠올리게 한다. 이 작품은 마치 지속적으로 변신하며 우리의 익숙한 시간과 공간 인식을 도전하는 듯한 생명체의 맥동을 지니고 있다.
그의 재료 사용 역시 혁신적이다. 퉁가는 귀한 재료나 전통적 재료만 사용하지 않고, 현대 미술에서 종종 무시되는 젤라틴, 화장품, 아라비아 고무, 천연 스펀지와 같은 물질들의 표현 가능성을 탐구한다. “Cooking Crystals”(2010)에서는 형성 중인 결정체를 조각 요소로 사용하여 설치 후에도 실제로 계속 자라고 변형되는 작품을 창조했다. 이 접근법은 프랑스 철학자 질베르 시몽돈의 개체화 이론과 공명한다. 즉 형태는 외부에서 물질에 강요되는 것이 아니라 재료 내재적 잠재성에서 발현된다는 것이다.
퉁가의 작품이 오늘날에도 관련성이 높은 이유는 전통적인 자연과 문화, 과학과 마법, 이성과 상상력 사이의 이분법을 초월하기 때문이다. 우리 세계가 엄격한 범주와 경계에 집착하는 반면, 그의 예술은 현실이 우리의 분류 체계가 암시하는 것보다 훨씬 더 유동적이고 신비하다는 것을 상기시킨다. 그는 이러한 모순을 해결하려 하지 않고 오히려 증식시키며, 불확실성이 약점을 극복해야 할 약점이 아니라 창조적 힘이 되는 공간을 창출한다.
그의 영향력은 브라질과 국제 현대 미술에 상당하며, 항상 정당한 평가를 받는 것은 아니다. 에르네스토 네토와 자크 레이너 같은 예술가들은 변형 과정으로서의 예술에 대한 그의 급진적 관점에 빚을 졌다고 인정한다. 하지만 퉁가의 유산은 스타일이나 개념적 영향에만 국한되지 않고, 우리가 세상을 다르게 보게 하고 우리가 당연히 여기는 현실이 끊임없는 변신 속의 일시적 구성임을 상기시키는 능력에 있다.
오늘날 Instituto Inhotim의 퉁가 상설 설치 작품을 방문하면 그 작품들의 현대성이 압도적이다. 전례 없는 생태, 사회, 인식론적 위기에 직면한 세계에서 물질뿐만 아니라 현실 인식 자체도 변화시킬 수 있는 예술에 대한 그의 비전은 그 어느 때보다도 시의적절하다. 그의 작품은 진정한 예술적 창조가 알려진 것을 복제하는 데 있지 않고 미지의 탐험에 있으며, 확신을 확인하는 데 있지 않고 근원적 재고에 있다는 것을 일깨워준다.
그리고 만약 내가 과장된 서사에 빠져 있다고 생각한다면, 인호팀의 설치 작품 “True Rouge” 앞에서 한 시간을 보내보라고 도전하겠다. 당신은 완전히 변형되거나 전적으로 혼란스러운 상태로 나올 것이다. 두 경우 모두 투응가는 그의 내기를 이긴 셈이다: 당신이 예술과 현실의 본질에 대한 가장 깊이 뿌리내린 확신을 의심하게 만드는 것. 어쩌면 이것이 그의 가장 위대한 성취일지도 모른다: 세상을 단순히 표현하는 데 그치지 않고 재창조하는 예술을 만든 것, 우리의 일반적인 범주를 무너뜨리고 예술이 될 수 있는 것에 대한 현기증 나는 전망을 여는 주사위 던지기이다.
