잘 들어봐요, 스놉 여러분, 이제는 팸 에블린(1996년 영국 서리 출생)에 대해 이야기할 시간입니다. 그녀는 태풍의 힘으로 현대 미술계를 흔드는 그림 폭풍입니다. 겨우 28세에 그녀는 21세기에 그림이 의미하는 바에 대해 명백한 교훈을 우리에게 제공한다. 젊은 예술가들에 대한 편견은 잊어라, 이 친구는 다르다.
그녀의 작업에서 첫 번째로 눈에 띄는 것은 거의 초자연적인 능력으로 그림을 살아있는 힘으로 바꾸는 것이다. 그녀의 캔버스는 단순히 안료가 덮인 평평한 표면이 아니다. 그것들은 숨쉬고, 땀 흘리며, 강렬함으로 떨고 있는데, 이는 발터 벤야민이 예술작품의 아우라에 대해 묘사한 것과 유사하다. 그러나 오해하지 말라. 그녀는 단순한 미국 추상 표현주의의 후계자가 아니다. 아니다, 에블린은 훨씬 더 급진적이고 현대적이며 긴급한 무언가를 한다.
그녀 작업에서 드러나는 첫 번째 주제는 회화의 물질성과의 내면적인 관계이다. 2022년작 “Hidden Scene”이라는 장대한 삼부작에서, 에블린은 단순히 그림을 그리는 것이 아니라, 표면과 깊이 사이의 실제적인 싸움을 조직한다. 거친 천 조각들이 검은 자국으로 흩뿌려졌으며, 단순히 표면에 붙어있는 것이 아니라, 아래의 만화경 같은 구도와 뚜렷한 긴장을 만들어낸다. 마치 모리스 메를로퐁티가 그림 수업을 받은 듯이, 지각의 현상학이 여기서는 육체적이고 거의 폭력적인 형태를 취한다.
이런 물질성에 대한 접근은 롤랑 바르트가 쓴 “현실의 질감”을 떠올리게 하지만, 에블린은 그 개념을 한층 더 밀고 나간다. 그녀는 질감을 암시하는 데 그치지 않고, 문자 그대로 한 겹 한 겹 쌓아 올림으로써 창조한다. 하나의 캔버스에 6개월까지 걸리는 과정이다. 이는 질 들뢰즈의 접힘과 펼침 이론에 부응하는 행위이지만, 단호히 현대적인 회화 언어로 번역된 것이다.
그녀의 작품을 관통하는 두 번째 주제는 시간과 움직임과의 관계입니다. “Deluge”(2023)를 보십시오. 여기서 캔버스 표면은 어두운 상처 입은 배경 위로 기본 색상의 붓자국 폭풍이 마치 색종이처럼 쏟아져 내리는 무대가 됩니다. 이 작품은 앙리 베르그송의 순수 지속, 즉 측정된 시간이 아닌 체험된 시간에 관한 사유를 떠올리게 합니다. 그러나 베르그송이 이론화했다면, 에블린은 그것을 구체화합니다.
그녀에게서 매력적인 점은 그림 그리기 행위를 일종의 실존적 공연으로 전환하는 능력입니다. 각 캔버스는 통제와 혼돈, 의도와 우연 사이의 싸움이 벌어지는 전쟁터가 됩니다. 그리고 전후 추상미술의 제스처를 단순히 재활용하는 일부 현대 화가들과 달리, 에블린은 자신만의 회화 언어를 창조합니다.
“Traced Train Windows”(2023)에서 그녀는 기차 여행의 경험을 포착하지만 문자 그대로가 아닙니다. 아니요, 그녀는 움직임 그 자체의 감각, 기름진 유리를 통해 풍경이 변형되고 흐려지는 방식을 번역합니다. 이는 순수한 앙리 르페브르식 공간 생산으로, 단순히 재현하는 것을 넘어 진정한 새로운 공간 현실을 창조합니다.
내가 특히 좋아하는 점은 그녀가 형식을 사용하는 방식입니다. 그녀의 캔버스는 단지 크기만 큰 것이 아니라 야심찹니다. 거의 5미터 폭에 이르는 딥틱을 만들 때 단순한 장관을 위한 욕구가 아닙니다. 아니요, 그녀의 회화 언어가 온전히 펼쳐지기 위해 그 공간을 요구하기 때문입니다. 마치 로버트 모리스가 그의 “Notes on Sculpture”에서 이론화한, 예술의 물리적 경험에서 규모의 중요성을 본능적으로 이해한 것 같습니다.
그리고 그녀의 팔레트에 대해 말하자면, 따뜻한 푸른색과 개구리 녹색이 충돌하고, 번개처럼 구름 낀 하늘에서 튀어나오는 노란색들입니다. 그녀는 터너에서 하워드 호짓킨에 이르기까지 근현대 미술의 색채 역사를 모두 소화해 완전히 개인적인 무언가를 창조한 것 같습니다. 그녀는 호감을 얻기 위해 그림을 그리지 않고, 오늘날 회화가 무엇일 수 있는지에 대한 우리의 확신을 흔들기 위해 그립니다.
2022년 콘월의 포스모어 스튜디오에서의 레지던시 작업은 결정적인 전환점을 나타냅니다. 거친 바다와 강한 바람 앞에서 그녀는 더욱 신체적인 그림 그리기 방식을 개발했습니다. 자연 요소들은 단순한 영감의 원천이 아니라 창작 과정의 거의 협력자로 변했습니다. 그녀가 이 경험을 깊이 개인적으로 전환하는 동시에, 작품이 쉽게 유혹받는 낭만주의의 덫에 빠지지 않도록 비판적 거리를 유지한 것이 매력적입니다.
“Mirage, A Glaze of Mischief”(2023)에서 그녀는 정말 놀라운 무언가를 성공시켰습니다: 덧없는 현상, 덧없는 빛의 놀이를 회화의 두께를 통해 영구적이고 유형적인 어떤 것으로 변환한 것입니다. 캔버스 상단에서 펼쳐져 매달리고, 접히고, 조각나는 발광하는 붓질은 고정된 움직임의 현기증 나는 감각을 만들어냅니다. 마치 모리스 블랑쇼가 “순간”이라고 불렀던 그 본질을 포착한 듯합니다.
에블린을 동시대 예술가들과 정말 구별짓는 점은 쉬운 해결책에 안주하지 않는 그녀의 완고한 거부입니다. 다른 젊은 예술가들이 입증된 공식을 단순히 복제하는 반면, 그녀는 끊임없이 회화가 될 수 있는 것의 한계를 밀어붙입니다. 그녀의 과정은 종종 작품의 부분적 파괴를 포함하는데, 이는 정치바이유가 “소비”와 “과잉”에 대해 말한 이론을 상기시키는 의도적인 “사보타주” 행위입니다.
그러나 조심하세요, 오해하지 마세요, 그녀의 과정에서 나타나는 이런 겉보기의 폭력성은 무작위가 아닙니다. 가장 파괴적인 손짓조차도 현대 회화의 가능성에 대한 더 넓은 탐구의 일부입니다. 마치 그녀가 자크 데리다의 해체론을 적용하는 것 같지만, 단어 대신 붓과 유화 물감으로 하는 것과 같습니다.
시간과 함께 작업하는 그녀의 방식은 특히 매혹적입니다. 그녀의 캔버스는 단순히 선형적인 과정의 결과물이 아니라, 순간들, 결정들, 후회의 축적입니다. 마치 그녀가 여러 겹으로 작품을 쌓아 올리듯, 각 페인트 층은 이전 동작들의 기억을 담고 있습니다. 이러한 접근법은 폴 리쾨르의 시간성 및 내러티브에 관한 사유를 시각적 언어로 번역한 희귀한 힘을 지닌 표현과도 같습니다.
특기할 만한 점은 그녀가 단 28세에 놀라운 성숙도를 가진 예술적 목소리를 이미 발전시켰다는 것입니다. 그녀의 작품은 단순히 아름답거나 인상적일 뿐만 아니라, 필수적입니다. 그녀가 최근 페이스 갤러리에서 선보인 것은 놀라운 일이 아니며, 예술 제도권이 그녀의 재능을 인정할 때가 되었다는 뜻입니다. 그러나 팸 에블린은 쉽게 시장에 길들여질 예술가가 아닙니다. 그녀의 작업은 거칠고 강렬한 면모를 유지하여 손쉬운 상품화에 도전합니다.
에블린의 진정한 힘은 여러 수준에서 동시에 작동하는 작품을 창조한다는 점입니다. 그녀의 그림은 매우 지적이면서도 본능적이고, 역사 의식을 가진 동시에 확고한 현대성을 띱니다. 그녀는 감각과 정신 모두에게 말을 거는 드문 예술을 만들어냅니다. 팸 에블린은 희귀한 무언가를 대표합니다: 탐구와 발견의 수단으로서 회화의 가능성에 대한 확고한 믿음. 그녀의 작업은 예술이 죽지 않았으며, 한계를 밀어붙일 용기만 있다면 그 어느 때보다 생생함을 상기시킵니다.
