잘 들어봐요, 스놉 여러분. 우리는 그림이 여전히 미지의 영역을 우리에게 드러낼 수 있다는 믿음을 갖게 하는 예술가를 마주하고 있다. 대부분의 이들은 폴록 이후 모든 것이 말해졌다고 생각했는데 말이다. 1991년 브리스톨에서 태어나 런던에 거주하는 프란체스카 몰렛은 2020년 로열 칼리지 오브 아트 졸업 이후 매우 정교한 회화 언어를 발전시켜 일상의 관찰을 거의 신비로운 경험으로 바꾸고 있다. 그녀의 추상화는 표면에 비치는 빛에 대한 세밀한 관찰로 풍부하며, 우리 주변의 반짝임과 무지갯빛을 보지 못하고 본질을 놓치고 있다는 불편한 진실과 마주하게 한다.
몰렛의 작품은 우리가 세상을 인식하고 세상과 연결되는 방식을 탐구하는 깊이 있는 현상학적 접근에 자리 잡고 있습니다. 그러나 전통적인 철학적 접근과 달리, 이 영국 예술가는 경험을 이론화하려 하지 않고 그것을 직접 캔버스 위에 구현합니다. 그녀의 구성은 암스테르담의 광택 나는 문에 비친 반사, 어두운 공간 속 발광하는 이끼, 오래된 지질 구조물 등 예리한 관찰에서 탄생하며, 직관과 기술적 엄격함을 혼합한 복잡한 회화 과정을 통해 변형됩니다.
이 접근법은 대륙 철학 전통, 특히 에드문트 후설의 지각과 의식의 지향성 연구에 뿌리를 두고 있습니다. 후설은 우리의 의식이 항상 무언가에 대한 의식이며, 세계의 객체와 의도적 관계를 가진다고 발전시켰습니다[1]. 몰렛에게 이 지향성은 회화가 되는데, 각 캔버스는 예술가의 의식과 특정 빛 현상 간의 특별한 만남을 증명합니다. 그녀의 작품 Two Thistles(2021)나 Halves(2023)는 단순히 객체를 묘사하는 것이 아니라, 그 객체에 대한 특별한 주의의 질을 구현합니다. 예술가는 이렇게 정확하게 표현합니다: “각 그림은 고유한 반짝임을 만들어내려고 하지만, 동시에 세계의 반짝임에서 비롯됩니다. 반짝임은 시각적으로 보이는 효과이자, 계시와 가까운 무형의 순간입니다” [2].
몰렛의 방법은 후설이 언급한 자연 판단의 중단인 에포케(epochè)에 대한 깊은 이해를 드러냅니다. 이는 현상의 본질에 접근하게 하는 것입니다. 그녀는 숯으로 스케치를 시작하고, 아크릴의 유동층을 적용한 뒤, 마지막으로 유화와 나이프를 사용해 질감을 만듭니다. 이 단계적 축약 과정은 이미지를 원천에서 멀어지게 하여 인지 본질에 더 가깝게 합니다. 이 과정은 화가의 행위를 현상학적 탐구로 변환시키며, 각 동작은 인식의 새로운 층을 드러냅니다.
시간적 차원은 이 탐구에서 중심적인 위치를 차지합니다. 몰렛의 그림은 순간적인 반사광, 젖은 표면 위 빛의 진동 등 덧없는 순간들을 포착하여 회화적 지속성으로 전환합니다. 이 시간의 연금술은 후설의 시간 의식과 유지(retention) 이론과 맞닿아 있습니다. 작가의 각 작품은 과거의 순간을 현재로 유지하며 미래의 가능성을 여는 확장된 유지처럼 기능합니다. 그녀의 최근 구성, 특히 2024년 뉴욕 Grimm Gallery에서 전시된 작품들은 여러 시간성이 동일한 회화 공간에 공존하는 독특한 능력을 보여줍니다.
현대 문학이 몰렛의 작업에 미친 영향은 분석 차원의 두 번째 축을 열어주며, 특히 콘스탄츠 학파와 한스-로베르트 야우스가 발전시킨 수용 이론과 대조될 때 더욱 풍부해집니다. 예술가는 엘레나 페란테, 점파 라히리, 패니 하우 등 감정 기억의 메커니즘과 정체성의 유동성을 탐구하는 여성 작가들을 자주 인용합니다. 이 문학적 영향은 단순한 일러스트레이션이 아니라, 그녀의 회화를 예술가와 관객 사이의 대화 공간으로 직접 형성합니다.
야우스는 미학 경험 연구에서 예술 작품은 관객과의 만남을 통해서만 완전하게 존재한다고 발전시켰습니다[3]. 이러한 수용 미학은 몰렛에게서 특히 자극적인 적용을 찾습니다. 그녀의 그림들은 지각을 활성화하는 장치로 작용하여 관람자의 경험을 통해서만 그 완전한 의미를 드러냅니다. 작가는 이를 완벽히 인지하고 있습니다: “관람객이 주변 사물에서 연결과 가능성의 강렬함을 느끼길 바랍니다. 전시회를 관람한 후에 가장 자극적인 감각 중 하나는, 예술가의 인식을 내면화했다는 것을 느끼며 나오게 되는 것입니다; 우리는 마치 장면들이 그림인 것처럼 보이기 시작합니다, 그렇게 되길 정말 원해요”[2].
이러한 수용 활성 미학은 몰렛이 반사와 이중 효과를 탐구한 Halves(2023) 시리즈에서 완전한 표현을 찾습니다. 암스테르담의 광택 있는 문에서 영감을 받은 이 작품들은 운하를 반영하며, 관람객이 끊임없이 인식을 조정해야 하는 양면적인 회화 공간을 만듭니다. 야우스의 용어를 빌리자면, 관객의 기대 지평은 의도적으로 불안정하게 만들어져 능동적이고 참여적인 수용을 요구합니다. 몰렛의 그림들은 점진적으로 그들의 색채와 질감의 미묘함을 드러내는 느린 독해, 지속적인 주의를 요구합니다.
몰렛에 대한 현대 자전적 소설 문학의 영향은 특히 흥미롭습니다. 나폴리 4부작에서 자아와 타자 사이의 투과성을 탐구하는 엘레나 페란테의 내레이터들처럼, 이 여성 작가는 투과성의 회화를 발전시킵니다. 그녀의 최근 작품들, 특히 Spun Step(2022)이나 Cortex(2024)은 경계가 흐려지는 미결정 영역에 대한 같은 매혹을 드러냅니다. 작가는 말합니다: “현대 자전적 소설과 문학의 의식 흐름은 나의 일상 현실 인식에 큰 영향을 미쳤습니다”[2]. 이러한 영향은 정의된 형태보다는 이행과 변화를 중시하는 회화적 접근으로 나타납니다.
몰렛 작품에 대한 비평적 수용은 관람자의 경험을 변화시키는 그녀의 능력을 증명합니다. 톰 모튼은 정확히 지적합니다: “몰렛의 그림을 볼 때, 우리는 색소 속에서 이미지 형태로 떠오르는 사고의 정지된 순간을 체험합니다”[2]. 이 관찰은 시각적 현상을 단순히 표현하는 데 그치지 않고, 관람자의 인지 및 회상 과정을 활성화하는 작가 작업의 인지적 차원을 드러냅니다.
몰렛의 갑작스러운 미술 시장 부상, 그녀의 그림들은 2023년에 15,000~20,000유로에서 2024년에 65,000~70,000유로로 상승했습니다, 이 그녀 작업의 개념적 탄탄함을 가려선 안 됩니다. 그녀 세대의 많은 작가들이 투기에 휩쓸리는 반면, 몰렛은 작품 품질에 대한 엄격한 기준을 유지합니다. 이러한 엄격함은 그녀의 작업 방식에서도 반영됩니다. 런던 남부의 두 작업실에서, 하나는 사색용으로 아늑하고, 다른 하나는 실행용으로 더 기술적입니다, 몰렛은 각 구성을 수개월에 걸쳐 전개합니다. 그녀는 프로세스를 “조각을 통한 느린 도달”로 묘사하며, 점진적인 채색 층의 축적이 예상치 못한 가능성을 드러냅니다. 이러한 확장된 시간성은 종종 현대 미술의 가속화된 생산과 급격히 대비됩니다.
몰렛의 국제적인 성공은 2023년에 세 대륙에서 동시 다발적으로 전시가 열린 점에서 그녀의 회화 언어의 보편성을 증명한다. 샌프란시스코의 Micki Meng, 상하이의 Pond Society, 암스테르담의 Grimm Gallery에서 그녀의 캔버스들은 다양한 문화적 맥락과 대화할 수 있는 능력을 드러낸다. 이러한 적응력은 우연이 아니라 현상학적 방법론에서 비롯된 것으로, 특정 문화적 참조보다는 보편적인 지각 경험을 우선시한다.
최근 작업의 진화는 특히 2025년 Modern Art London에서 열린 Annual Honesty 전시에서 두드러지며, 눈에 띄는 예술적 성숙함을 보여준다. Terrestrial Stars나 Stave와 같은 작품들은 점점 더 개인적인 시각을 향한 기술적 완성도를 입증한다. 이 여성 작가는 자연적 형태와 음악적 구조 간의 대응 관계를 탐구하며, 그녀의 회화 어휘를 더욱 풍부하게 하는 공감각적 감수성을 드러낸다.
이 진화에는 점점 확고해지는 이론적 성찰이 동반된다. 스코틀랜드의 Roberts Institute에서의 레지던스 동안 몰렛은 비판적이고 물질주의적인 여성주의인 수체여성주의와 지의류에 관한 연구를 발전시켰으며, 다공성과 적응의 은유를 탐구했다. 이러한 이론적 탐구는 최근 작품에서 보이는 무지개 빛 효과가 복잡해져 전례 없는 깊이의 회화 공간을 창출하는 것처럼 그녀의 실천에 직접적인 영양분을 공급한다.
현대 미술계에서 몰렛의 위치는 맥락화될 가치가 있다. Jadé Fadojutimi나 Pam Evelyn 같은 예술가들과 함께 영국 여성 추상의 눈에 띄는 부흥 시기에, 몰렛은 개념적 세련미로 차별화된다. 다른 이들이 표현적 제스처나 색채 효과를 중시하는 곳에서, 그녀는 그녀의 철학적이고 문학적인 참조에 의해 영양된 보다 이성적인 접근을 발전시킨다.
이 접근 방식의 차이는 아마도 그녀의 제도적 인정을 빠르게 만든 이유일 것이다. 그녀의 작품은 이미 Kröller-Müller Museum, 헤이그의 Kunstmuseum, 마이애미의 현대 미술관(Institute of Contemporary Art) 등의 소장품에 포함되어 있다. 이러한 조기 인식은 그녀의 작업의 성숙함과 더불어 예술사와 대화할 수 있는 그녀의 능력을 보여준다.
몰렛의 예술적 미래는 중간 상태와 전이 현상에 대한 더욱 심도 있는 탐구로 향하는 듯하다. 무지개 빛과 변형에 관한 그녀의 최근 발언은 지각적 경계에 대한 연구의 심화를 암시한다. 이 방향성은 몇 년 만에 이미 도달한 개념적 풍부함을 고려할 때 특히 흥미로운 발전을 약속한다.
이미지와 시각적 자극으로 가득한 세상에서, 프란체스카 몰렛의 작품은 느린 시선과 지속적인 주의의 필요성을 상기시킨다. 그녀의 캔버스들은 예술의 빠른 소비에 저항하는 명상의 섬처럼 기능하며, 시간, 여유, 그리고 시대가 소홀히 하는 일종의 지각적 관대함을 요구한다. 이 점에서 그녀의 작품은 예술의 본질적인 임무 중 하나인 복잡함과 감각적 세계의 아름다움과 화해하는 역할을 수행한다.
몰렛이 그녀의 세대 예술가들에게 미치는 영향은 이미 드러나기 시작했다. 그녀의 방법론은 엄격한 개념성과 표현의 자유를 결합하여 현대 미술 생산에 대안적인 모델을 제안한다. 그녀는 작품의 질과 작업의 진정성에 대한 꾸준한 요구를 유지하는 한 상업적 성공과 예술적 진실성을 함께 이룰 수 있음을 입증한다.
우리는 이제 현대 추상미술의 코드를 재창조하면서도 시장의 안일함에 빠지지 않는 여성 예술가를 마주하고 있습니다. 프란체스카 몰렛(Francesca Mollett)은 몇 년 만에 눈에 띄게 독창적인 회화 언어를 확립했으며, 이는 미적 경험을 진정한 지각의 연습으로 바꿉니다. 그녀의 작품들은 우리의 감각적 세계와의 관계에서 미처 알지 못했던 차원들을 드러내는 드문 위업을 성취합니다. 이미지가 넘쳐나지만 시선이 부족한 이 시대에 그녀의 예술은 관조적 저항의 형태를 제안하며, 현재의 지각적 풍요를 다시 발견하라는 긴급한 초대장입니다. 평범한 것 속에서 비범함을 드러내고, 가장 평범한 표면들을 반짝이게 만드는 능력은 그녀의 작업이 현대미술에 기여한 가장 소중한 부분입니다. 그리고 바로 이것이, 사랑하는 스놉 친구 여러분, 우리가 필요로 하던 것입니다.
- 에드문트 후설, 현상학을 위한 기본 개념, 갈리마르, 1950.
- 프란체스카 몰렛, 아트넷 갤러리 네트워크 인용, “영국 작가 프란체스카 몰렛에게 묻는 7가지 질문: 반딧불이, 운하, 고대 동굴이 그녀의 빛나는 캔버스에 어떻게 영감을 주는가”, 아트넷 뉴스, 2023년 6월 1일.
- 한스-로버트 야우스, 수용 미학에 대하여, 갈리마르, 1978.
- 디 아트 뉴스페이퍼, “‘어떤 ‘잇’ 요인이든 그녀는 그것을 가진 것 같다’ : 프란체스카 몰렛의 신비로운 작품들이 인기를 얻는 배경”, 2024년 6월 20일.
