잘 들어봐요, 스놉 여러분, 이제 색채 전통을 뒤흔들며 초신성의 폭발과 같은 섬세함으로 화풍의 관습을 깨뜨리는 예술가에 대해 이야기할 시간입니다: 1975년 베이징 출생인 Huang Yuxing. 이 화가는 캔버스를 전통적인 중국 고대 예술과 형형색색의 형광색들이 미친 듯이 춤추는 전쟁터로 바꿉니다. 마치 칸딘스키가 불교 사원에서 LSD를 복용한 것 같은 느낌이며, 그 결과는 절대적으로 최면적입니다.
수 미터에 달하는 거대한 캔버스에 Huang Yuxing은 마치 젠 달인이 레이저 검을 저글링하듯 우리의 인식을 가지고 놉니다. 그의 기술은 전통적인 중국 “공비종채”에 뿌리를 두고 있으면서도 엄청난 광채의 형광색 공격으로 붕괴되는데, 이 색들은 댄스 파티를 도서관 모임처럼 보이게 만듭니다. 그러나 오해하지 마십시오, 이 색채의 난잡함 뒤에는 우리의 존재 본질에 대한 깊은 성찰이 숨겨져 있습니다.
그의 강과 산 시리즈를 예로 들어 봅시다. Huang Yuxing은 여기서 헨리 베르그송을 무덤 속에서 웃게 만들 시간에 대한 관점을 전개합니다. 프랑스 철학자에게 시간은 순수한 지속, 분리할 수 없는 연속적인 흐름이었습니다. 그리고 우리 예술가는 무엇을 하는가요? 그는 마치 영원부터 흘러내리는 듯한 강들, 서로 얽혀 마치 우주적 의식 속에 융합된 순간들 같은 색채 소용돌이를 던집니다. 이 강들은 단순한 하천이 아니라 시간 그 자체에 대한 시각적 은유이며, 끊임없이 흐르면서도 영원히 현재에 머무르는 시간을 나타냅니다.
그의 풍경화는 단순한 자연의 재현이 아니다. 너무 쉽고 평범한 일이 될 테니까, 그의 복잡하고 고뇌에 찬 정신에게는 말이다. 아니, 황위싱은 불교의 무상(無常) 개념인 유명한 “anitya”에 대한 시각적 명상을 우리에게 제공한다. 붓질 하나하나, 형광색들의 중첩은 끊임없이 변하는 세계의 이야기를 들려준다. 그의 산들은 돌에 고정되어 있지 않고 뛰고 떨리며 순수 의식의 바다 속에서 환각적인 사탕처럼 우리 눈앞에서 녹아내리는 듯하다.
그가 색상을 다루는 방식은 그야말로 혁명적이다. 잠시 상상해 보라, 로스코가 티베트 수도원에서 10년간 명상을 한 후 형광색 물감 가게에 들렀다고. 황위싱은 물감을 사용하기 일주일 전에 열어 점도를 완벽한 상태로 줄인다. 그는 납을 금으로 바꾸는 대신 화폭의 물질을 순수한 시각적 에너지로 변환시키는 현대 연금술사다. 그의 화폭은 단순히 빛을 반사하는 것이 아니라 마치 각각의 제곱센티미터가 자체 생명을 가진 듯 내부에서 빛을 생성하는 것 같다.
“Bubbles” 시리즈에서 화가는 시간성과 존재에 대한 사유를 한층 더 발전시킨다. 그의 작품 속 떠다니는 이 거품들은 단순한 기하학적 도형이 아니라 우리 자신의 덧없는 존재를 상징하는 시각적 은유이다. 마치 존재의 불변성에 집착했던 고대 그리스 철학자 파르메니데스가 모든 것이 확률과 변화일 뿐인 양자 현실에 직면한 것 같다. 황위싱의 거품은 동시에 여기 있고 없으며, 단단하면서도 연약하고, 영원하면서도 순간적이다. 그것들은 우리의 존재가 우주의 광대함 속에서 스치는 짧은 반짝임일 뿐임을 상기시킨다.
그가 작품에서 공간을 다루는 방식 또한 매우 매혹적이다. 그는 “산재점(散在點)”이라 불리는 전통 중국 원근법을 사용하여 유클리드 기하학의 논리를 거스르는 환경을 만든다. 그것은 물리적 공간이라기보다는 정신적 공간이며, 서양 원근법의 법칙들이 무의미해지는 영역이다. “Seven Treasure Pines”에서는 부처교의 7가지 보물인 산호, 마노, 진주, 금, 은, 조개, 터키석을 각기 대표하는 7개의 판넬로 이루어진 우주 전체를 창조한다. 이 거대한 작품은 단순한 기술적 기교의 과시가 아니라 진정한 화가적 우주론이다.
그의 작업에 미친 선불교의 영향은 부인할 수 없지만, 황위싱은 동양의 영성을 서양인의 이국취향에 맞춰 희석해 제공하는 유형은 아니다. 아니, 그는 고대 개념들을 강제로 21세기로 끌어들여 전통과 현대가 정면으로 충돌하는 모습을 만들어내어 빛나는 불꽃을 내뿜는다. 그의 회화는 선(禪)의 시각적 공안과 같아서 우리의 이성적 사고를 잠시 멈추고 현실의 더 깊은 이해에 이르게 한다.
그가 오늘날 작업에서 그토록 중요성을 가지는 이유는 동서의 이분법을 초월하기 때문이다. 너무 많은 현대 중국 예술가들이 이국주의나 지나친 서구화를 장난삼아 할 때, 황위싱은 자신만의 시각 언어를 창조한다. 중국 전통 회화와 미국의 추상 표현주의, 선불교와 양자물리학을 모두 담은 언어다. 그는 이 다양한 영향들을 조화시키려 하지 않고 오히려 충돌하게 해 전혀 새로운 무언가를 창조한다.
그가 색을 겹쳐 바르는 기법은, 페인트를 바른 후 며칠 동안 그대로 두었다가 다시 칠하는 방식으로, 깊이감을 만들어내어 현기증을 일으키는 효과를 냅니다. 연속적으로 쌓이는 안료 층은 눈이 마치 블랙홀 안에서 길을 잃는 듯한 색채의 심연을 만듭니다. 이것은 양자 회화로, 각 붓질은 슈뢰딩거의 고양이가 상자 안에서 여러 상태에 동시에 존재하는 것처럼 여러 상태에서 동시에 존재합니다. 이 독특한 회화 재료 접근법은 단순한 스타일 효과가 아니라 진정한 회화 철학입니다.
예를 들어 그의 “Mountain Layer” 시리즈에서는 중국 전통 먹으로 그린 회화와 영국의 풍경 전통을 융합합니다. 그 결과는 놀랍습니다. 산들은 환각적인 꿈에서 솟아나는 듯하며, 그 윤곽선은 형언하기 어려운 형광색의 파동 속으로 녹아 들어갑니다. 마치 터너가 물리 법칙이 더 이상 적용되지 않는 평행 차원에서 중국의 회화 대가를 만난 듯한 느낌입니다.
그가 형광색을 사용하는 것은 단순한 미적 변덕이 아닙니다. 그 자신이 “형광색은 우리 세대의 색이다”라고 밝혔듯이, 전통 이젤 회화에는 그런 색 체계가 없습니다. 이는 일종의 강렬한 생명력 같은 것으로 압축되거나 방출되는 특별한 색입니다. 이러한 색들은 우리 시대의 시각적 표현으로, 끊임없는 자극, 인공적인 빛, 증강 현실의 시대를 나타냅니다.
가장 최근 작품에서 황위싱은 회화의 가능성을 계속해서 탐구합니다. 그의 풍경은 점점 더 복잡해지며, 색의 층들은 지질학적 층처럼 쌓여 여러 차원이 동시에 존재하는 듯한 회화적 영토를 만들어냅니다. 마치 각 캔버스가 산악 환각 시인이 물리 법칙을 다시 쓴 평행 우주로 열린 창과 같습니다.
그가 자연을 다루는 방식은 그의 세계관을 특히 잘 드러냅니다. 인간을 자연 위에 두는 서구 전통이나 인간을 자연의 일부로 보는 동양 전통과 달리, 황위싱은 이러한 구분이 무의미한 제3의 공간을 창조합니다. 그의 그림에서 자연은 배경도 신비한 힘도 아니며, 끊임없이 변형되는 에너지 장입니다.
비평가들은 종종 그의 작품을 피터 도익의 작업과 비교하지만, 이 비교는 그의 독창적인 비전을 제대로 반영하지 못합니다. 도익이 기억과 현실의 경계를 탐구하는 반면, 황위싱은 존재 그 자체에 관한 보다 근본적인 문제를 다룹니다. 그의 그림은 상상의 세계를 보는 창이 아니라 우리가 상상할 수 있는 것보다 더 크고 이상한 현실로의 관문입니다.
그가 최근 거둔 상업적 성공, 즉 작품들이 정기적으로 수백만 유로에 팔리는 점은 그가 성공 공식을 찾아 그것에 안주한 것처럼 볼 수 있습니다. 하지만 이는 완전히 틀린 생각입니다. 각 새로운 시리즈마다 진화가 있으며, 회화의 가능성을 더 멀리 밀어붙이려는 의지가 보입니다. 그는 성공한 것을 반복하는 데 그치지 않고 계속 탐험하고 실험하며 위험을 감수합니다.
그의 최근 시리즈는 북송 왕시멍의 “만리강산”에서 영감을 받았습니다. 황위싱은 이 고전 작품을 단순히 재해석하는 것이 아니라 완전히 해체하여 핵심을 추출하고 자신의 비전에 따라 다시 재구성합니다. 그 결과는 전통에 대한 경의와 급진적인 독립 선언을 동시에 담은 회화 시리즈가 되었습니다.
그래, 잘 들어봐요, 스놉 여러분, 여러분은 계속해서 미니멀리즘 개념 설치 미술이나 포스트포스트 모더니즘 퍼포먼스에 감탄할 수 있습니다. 그동안 황유싱은 그의 형광색으로 온 우주를 그리며 회화가 죽지 않았고, 단지 우리가 상상할 수 있는 것보다 더 이상하고 더 멋진 무언가로 변이하고 있음을 증명할 것입니다. 그는 현대 미술이 전통에 깊이 뿌리내리면서도 미래를 향해 단호히 나아갈 수 있으며, 대중적이면서도 복잡하고, 상업적이면서도 개인적인 동시에 존재할 수 있다는 살아있는 증거입니다.
