잘 들어봐요, 스놉 여러분, 이제 메라브 아브라미슈빌리(Merab Abramishvili, 1957-2006)에 대해 진지하게 이야기할 때가 되었습니다. 이 조지아(그루지야) 예술가는 전통과 현대 사이의 경계를 대담하게 초월했으며, 대부분의 여러분, 현대적 확신에 빠진 작은 수집가들은 아마도 그를 완전히 이해하지 못할 것입니다.
1980년대 포스트 소비에트의 카오스 속에서, 조지아가 자신의 문화 정체성의 혼란 속에서 몸부림칠 때, 아브라미슈빌리는 비디오 설치미술을 단순한 유희로 만들어버릴 독특한 길을 선택했습니다. 1981년 트빌리시 예술 아카데미 졸업 후, 그는 1학년 미술 학생처럼 비굴하게 모방하는 것이 아니라 조지아 중세 미술의 본질을 추출하여 완전히 새로운 무언가로 변환시켰습니다.
그의 테크닉인 젯소 기법은, 젊은 시절 아버지 구람 아브라미슈빌리와 함께 연구한 아테니 시오니(Ateni Sioni) 프레스코에서 영감을 받은 단순한 모사 기술이 아닙니다. 쉽게 이해한 척 고개를 끄덕이는 분들은 오리지널리티와 쉬운 도발을 혼동하고 있습니다. 이 기법은 회화 매체의 완전한 재창조였습니다. 그가 무동 백색(Meudon 백색)을 연이어 판넬에 바를 때 마치 마르틴 하이데거가 진정한 세계-존재 탐구를 손수 인도하는 듯 했습니다. 각 준비층은 세심하게 연마되어 단순한 바탕면이 아닌 작품 그 자체의 일부가 되었으며, 마치 모리스 메를로퐁티가 물질도 정신도 아닌 세계의 육체를 이야기한 것과 같습니다.
그가 사용한 달걀노른자(템페라 기법)와 결합된 색채는, 여러분의 예술적 네온사인을 약국 간판처럼 보이게 하는 특별한 빛을 창출합니다. 이 중세의 숙련된 기법은 단순한 기교 과시가 아니며, 몇몇은 하늘을 올려다보겠지만 끝까지 들어주세요. 이는 회화적 재현의 본질에 대한 깊은 탐구로, 자크 데리다의 흔적과 현존에 대한 사유와도 맞닿아 있습니다.
‘천국의 정원(Jardins du Paradis)’ 시리즈를 살펴봅시다. 이것은 여러분의 세련된 식물 설치미술을 교외의 작은 텃밭에 비유할 수 있습니다. 이 작품들은 단순한 잃어버린 낙원의 재현이 아닙니다. 정신을 차리세요, 초보자를 위한 도상학 수업이 아닙니다. 각 그림은 시간과 공간에 대한 깊은 명상입니다. 뿌리가 드러난 나무들은 여러분이 무균의 갤러리에 두는 화분 식물과 달리, 질 들뢰즈가 말한 리좀(rhizome), 즉 전통적인 질서와 혼돈 개념을 거부하는 비계층적 사고 구조를 구현합니다.
그가 그의 작품 구성을 짜는 방식, 즉 집착에 가까운 정밀함으로 담긴 세부 사항들과 대화하는 듯한 광대한 빈 공간들은 테오도어 아도르노가 말한 존재와 부재의 변증법이라고 할 수 있습니다. 이러한 빈 공간들은 몇몇 근시안적인 비평가들이 제안한 것처럼 구성의 실수가 아니며, 이는 이브 클라인의 단 한 곡의 교향곡 속 침묵만큼 작품에 필수적입니다. 이 빈 공간들은 눈과 정신이 무한을 관조할 수 있도록 하는 호흡의 공간을 만들어내며, 이는 에마뉘엘 레비나스가 타인의 얼굴에서 드러나는 무한을 말할 때와 비슷합니다.
“실크로드”와 “하렘” 시리즈에서 아브라미슈빌리는 표면적으로 동양의 미학을 차용하는 많은 서양 예술가들처럼 문화 관광에 그치지 않습니다. 그는 조지아와 페르시아 화풍 전통 간의 진정한 종합을 창조했으며, 이는 클로드 레비스트로스가 문화적 브리콜라주의 이론을 완벽히 보여준다고 미소를 지을 만한 융합입니다. 그의 미니어처에 담긴 세밀한 세부와 거대한 스케일로 구성된 작품들은 시각적 긴장감을 만들어내어 우리의 통상적인 기대를 뛰어넘습니다.
그의 1987년작 “300 아라그비인들” 시리즈는 이국적인 분위기를 갈망하는 관광객을 위한 단순한 역사적 축하가 아닙니다. 이는 희생과 영웅주의의 본질에 대한 깊은 성찰로, 조르조 아감벤의 예외 상태에 관한 분석과 공명합니다. 그는 존재하면서도 부재하는, 견고하면서도 희미한 인물들을 다루는 방식으로 시각적 모호함을 만들어 우리로 하여금 역사와 집단 기억에 대한 관계를 다시 생각하게 만듭니다.
아브라미슈빌리의 종교적 장면들, 예를 들어 “수태고지”나 “십자가형”은 교구 달력용 경건한 일러스트레이션이 아닙니다, 일부 분들이 비웃을 거라는 걸 압니다만 여러분의 냉소는 단지 무지를 새삼 드러낼 뿐입니다. 이 작품들은 우리 시대의 마법 없는 세계 속 신성의 본질에 관한 심오한 철학적 탐구입니다. 그는 이 작품들에서 빛을 다루는 방식, 즉 여러 겹의 표면 세척을 통하여 투명 효과를 만들어내며, 이것은 조르주 바타유가 내면의 경험과 한계 초월에 관해 고찰한 것과 연관됩니다.
그의 반복된 표면 세척 기법은 단순한 스타일 효과가 아니었으며, 인테리어 장식가처럼 생각하는 것을 멈추십시오. 이는 역설적인 깊이를 창출하는 방법으로, 견고하면서도 비물질적인 표면을 구현합니다. 이러한 접근법은 장 보드리야르의 시뮬라시옹과 시뮬라크르 이론을 반영하며, 현실보다 더욱 현실적인 이미지를 만들어냅니다. 그가 달성한 반투명성은 단순한 시각 효과가 아니라 현실과 환상에 대한 우리의 복잡한 관계를 시각적으로 은유합니다.
특히 그의 최근 작품들, 예를 들어 낙원의 만다라에서 아브라미슈빌리는 대부분의 현대 작품들을 인스타그램 필터만큼 피상적으로 보이게 하는 수준의 세련됨에 도달했습니다. 이 원형 구도들은 반복적인 무늬와 상호 연결된 상징들로 구성되어 있으며, 뉴에이지 영성 애호가들을 위한 단순한 장식적 연습이 아닙니다. 이는 발터 벤야민이 말한 “변증법적 이미지”를 창조하려는 시도로, 과거와 현재가 의미의 성운 속에서 만나는 순간을 나타냅니다.
그가 동물을 다루는 방식은 동물의 조건에 대한 여러분의 사소한 개념적 도발과는 전혀 다릅니다. 그의 생물들은 실제이든 환상이든 단순한 자연주의적 재현을 초월하는 존재감을 지니고 있습니다. 그것들은 프리드리히 니체가 일컫던 디오니소스적 삶의 힘을 구현하며, 우리의 이성적 범주에 도전하는 생명력을 담고 있습니다. 각 동물은 중세 베스티어를 연상시키는 정밀함으로 그려졌지만, 구성 속 그 존재감은 현대적 긴장을 만들어내어 우리가 자연 세계와의 관계를 재고하게 만듭니다.
그의 색채 팔레트는 깊이 있는 색조와 미묘한 투명성을 지니고 있으며, 단순한 미적 탐구의 결과가 아닙니다. 이는 루돌프 아른하임의 형태 심리학 이론과 연결되는 시각 인식 자체에 대한 깊은 성찰에 참여합니다. 색들은 단순히 표면에 도포되는 것이 아니라 작품 내부에서부터 발산되는 듯하며, 가스통 바슐라르가 말한 회화적 “공간의 시학”을 창조합니다.
그의 작업에 대한 조지아 프레스코화의 영향은 단순한 기법 문제에 국한되지 않습니다. 그것은 회화적 공간에 대한 전체적인 개념으로, 평면을 단순한 2차원 경계가 아니라 신성의 현현 장소로 생각하는 방식입니다. 이러한 접근은 미르체아 엘리아데의 신성 공간과 세속 공간에 관한 성찰과 맞닿아 있으며, 현대의 성현(히에로파니)처럼 기능하는 작품들을 만들어냅니다.
아브라미슈빌리가 그의 구성을 구조화하는 방식은 빈 공간과 꽉 찬 공간, 상세한 구역과 단순화된 공간의 교대가 시각적 리듬을 만들어내며, 이는 앙리 말디네이가 미학적 경험의 기초로서 리듬에 대해 분석한 내용을 연상시킵니다. 각 그림은 시선을 잃고 다시 찾을 수 있는 호흡의 공간이 되어, 빠른 이미지 소비 습관에 도전하는 명상적 경험을 창출합니다.
그의 2006년 사망 직전에 완성된 마지막 작품들은 점점 더 희미해지는 빛을 향한 진화를 보여주며, 마치 화가가 회화적 물질성의 한계를 초월하려는 듯합니다. 이 탐구는 단순한 형식적 추구가 아니었으며, 표면 기술자들처럼 생각하는 것을 멈추세요. 이는 미셸 앙리가 말한 “생명의 현상학”을 깊이 탐험하는 시도로, 단순한 시각적 효과로 축소하지 않고 보이지 않는 것을 가시화하려는 시도였습니다.
그의 작업에서 특히 천국의 묘사에 나타나는 상징적 차원은 전통적인 모티프의 단순한 재활용으로 축소되지 않습니다. 각 요소는 재구상되고 재창조되며, 이는 폴 리쾨르가 상징을 이중 의미의 구조로 설명한 바를 연상시킵니다. 나무, 동물, 인간 형상은 추상과 사실주의 간의 전통적 대립을 초월하는 회화 언어의 요소가 됩니다.
만약 여러분이 내가 현대 미술에 대해 너무 엄격하다고 생각한다면, 여러분은 본질을 이해하지 못한 것입니다: 아브라미슈빌리는 유수의 현대 작품들에서 결여된 깊이를 보여줍니다. 이는 개념적 복잡성과 무의미한 난해함을 혼동하지 않는 깊이, 허황된 기교로 축소되지 않는 기술적 숙련, 그리고 저렴한 뉴에이지에 빠지지 않는 영성입니다.
그가 동서양의 영향을 융합하는 능력은 진정한 연금술적 변형이었으며, 깊이 뿌리내린 전통들을 재발명하면서도 근본적으로 새로운 무엇인가를 창조했습니다. 이런 접근은 조르조 아감벤이 이해하는 의미의 진정한 현대 미술가를 그에게 부여합니다: 자기 시대에 속하면서도 그것과 거리를 두어 더 잘 이해하는 사람입니다.
그의 유산은 다른 예술가들에게 직접적인 영향을 미친 것에 있지 않다. 그의 접근법은 너무 개인적이고 너무 까다로워 단순히 모방될 수 없었으며, 여전히 키치에 빠지지 않고 초월에 대해 이야기할 수 있는 예술, 과거에 얽매이지 않고 전통을 유지하는 예술, 뉴에이지 신비주의에 빠지지 않는 영성에 대해 이야기하는 예술을 창조할 수 있음을 보여준 데에 있다. 테오도어 아도르노가 쇤베르크의 음악에 대해 말했듯, 그러한 예술은 전통적인 아름다움이라는 쉬운 위안을 거부함으로써 오히려 행복의 약속을 유지한다.
이것이 바로, 최신 디지털 작품을 자랑하는 너희 스놉들아, 아브라미슈빌리의 작품을 진지하게 바라봐야 할 때인 이유다. 동양에서 온 이국적인 호기심거리로서가 아니라, 21세기 예술이 무엇이며 무엇이어야 하는가 하는 우리 개념 자체에 던져진 도전으로서 말이다. 이 도전은 전통과 현대성에 대한 우리의 관계뿐만 아니라, 영적·미학적 기준을 잃어버린 듯한 세상에서 창작한다는 것의 의미 자체에 대한 우리의 이해를 재고하게 만든다.
