잘 들어봐요, 스놉 여러분: Sarah Crowner는 가위로 그리고 재봉틀로 그림을 그립니다. 필라델피아 출신 브루클린 예술가는 회화와 조각, 공예와 미술 사이의 당신의 엘리트주의적 범주와 확립된 경계에 관심이 없습니다. 15년 넘게 그녀는 페인팅된 캔버스를 오리고 조합하고 바느질하여 예술과 우리의 물리적 관계를 탐구하고 회화가 무엇일 수 있는지 다시 생각하게 만드는 작품을 창조합니다.
Crowner는 모더니즘의 위압적인 유산을 거부하고 조각조각 재창조하는 세대의 예술가 중 한 명입니다. 그녀의 바느질된 캔버스는 즉시 1950~1960년대 기하학적 추상화를 떠올리게 하는데, 그 시기 Ellsworth Kelly나 Kenneth Noland이 “hard-edge” 운동의 뚜렷한 윤곽과 채색 영역을 탐구했습니다. 그러나 이 거장들이 산업적 완벽함과 손길의 제거를 추구한 반면, Crowner는 보이는 바느질, 장인적 불완전함, 행위의 흔적을 주장합니다. 칠해진 각 천 조각은 전체 안에서 고유한 정체성을 유지하며, 부분들의 의도된 다양성에서 비롯된 통일성을 창출하는 구성을 만듭니다.
이 접근법은 모더니즘 건축과 그 유토피아에 대한 깊은 이해에 뿌리를 두고 있습니다. 예술가는 단순히 작품을 벽에 거는 데 그치지 않고, 15센티미터 높이로 솟아오른 유약을 입힌 테라코타 타일 플랫폼을 만들어 낸 공간으로 우리를 문자 그대로 초대합니다. 이 설치물은 발터 그로피우스가 건축, 회화, 조각, 공예를 하나로 결합한 총체적 예술작품(Gesamtkunstwerk)을 꿈꾸었던 바우하우스의 총체적 야망을 떠올리게 합니다.
모더니즘 건축은 그 건설 합리성에 대한 신념과 환경적 구축을 통한 사회 변혁 의지로 Crowner의 전체 작업을 관통합니다. 1920년대 건축가들이 그들의 건물 구조를 감추지 않고 드러냈던 것처럼, 예술가는 자신의 회화 바느질을 보여주고 제작 과정을 드러냅니다. 과달라하라의 Ceramics Suro 작업실에서 장인 제작된 그녀의 타일들은 그 제작과 굽는 흔적을 간직하여 산업적 익명성을 거부합니다. 이러한 모더니즘적 프로젝트와 전통 장인의 기술 간의 긴장이 그녀의 전 작품을 아우릅니다.
그녀의 설치물은 모더니즘 운동 건축가들이 상상한 유토피아적 공간, 예술과 일상이 융합되어야 했던 장소를 떠올리게 합니다. Crowner가 갤러리를 15cm 높이의 플랫폼으로 연극 무대로 바꾸면, 그녀는 이 건축적 야망을 재활성화하는 동시에 전복합니다. 그녀가 2018년 제시카 랭이 안무한 “Garden Blue”를 위한 미국 발레 시어터 작업, 무대 연출과 의상 디자인, 은 미적 경험의 틀로서 공간에 관한 이러한 성찰을 연장합니다 [1]정리자 주: 이 공연은 미국 발레 시어터의 협업 작품입니다..
건축은 Crowner에게 단순한 개념적 기준을 넘어서 원재료가 된다. 2020년작 “Night Painting with Verticals”와 같은 6미터가 넘는 대형 파노라마 캔버스들은 갤러리의 건축 공간과 직접적으로 대화한다. 이 작품들의 인간적인 규모, 시선을 감싸는 능력, 바닥과 천장과의 관계 모두가 각 전시를 회화와 건축이 서로 응답하는 총체적 환경으로 만든다.
이러한 건축적 회화 접근은 Crowner가 중점적으로 탐구하는 또 다른 영역인 연극 예술에서 강력한 울림을 찾는다. 연극은 공간과 시간의 예술이며, 특정 장소에서 몸의 존재를 표현하는 예술로서, 작가가 자신의 작품의 수행적 측면을 탐구할 수 있는 실험실을 제공한다. 2011년 초창기 플랫폼 이래로 Crowner는 자신의 설치 작품들을 관객-행위자가 활성화할 수 있는 잠재적인 무대, 장으로 생각해 왔다.
이 연극적 차원은 단순한 일화가 아니라 그녀의 예술관을 깊게 구조화한다. Crowner가 자신의 회화를 “배경 그림”이라 부르고 플랫폼을 “무대”라 말할 때, 그녀는 수동적 관조를 거부하는 사고를 드러낸다. 그녀의 작품들은 단지 보기만 하는 것이 아니라 거주하고, 돌아다니며, 신체적으로 경험될 것을 요구한다. 관객은 자신의 신체와 공간, 움직임, 존재를 자각하는 상태에서 자신도 모르게 수행자가 된다.
이 접근법은 20세기 가장 전위적인 연극 연구들, Gordon Craig부터 Robert Wilson까지, 무대 공간과 인식의 관계를 탐구한 연구들과 호응한다. 이 창작자들처럼 Crowner는 예술이 감각을 일깨우는 장치이자, 세계에 대한 우리 몸의 관계를 드러내는 수단임을 이해한다. 그녀가 안무가, 음악가, 무용가와 협업하는 것은 이 근본적 직관을 확장하여, 예술은 작품과 그것을 경험하는 몸의 만남 속에서만 완전하게 존재함을 보여준다.
연극은 또한 전통적인 미술관 감상의 시간 개념과 대조되는 시간 모델을 Crowner에게 제공한다. 연극 공연은 지속 시간, 리듬, 극적 진행을 지닌다. 마찬가지로 그녀의 설치 작품들은 경로와 접근 및 발견의 순서를 창조하여 미적 경험에 시간을 부여한다. Crowner의 작품은 단순히 보는 것이 아니라 방문하고 탐험하며 머무르는 것이다.
이 시간적 차원은 때때로 그녀가 설치 내에서 조직하는 퍼포먼스에서 가장 문자적으로 표현된다. 2016년 James Hoff와 Carolyn Schoerner와의 협업으로 만든 “Post Tree”와 같은 이벤트들은 이러한 공간의 잠재적 극적 가능성을 드러낸다. 춤은 회화의 기하학적 형태들을 활성화하고, 음악은 채색면을 진동시켜, 설치물을 몸과 시선을 위한 악보로 변모시킨다.
그러나 아마도 Crowner가 가장 섬세하게 보여주는 부분은 일상적인 연극에 대한 그녀의 이해일 것이다. 그녀의 플랫폼은 단순한 걷기 행위를 의식적인 행위이자 의미 있는 제스처로 바꾼다. 15센티미터 높이의 이 단상에 올라선다는 것은 보이는 것을 받아들이고, 자신의 방문에 대한 행위자가 되는 것을 의미한다. 이러한 일상의 최소한의 연극화는 예술과의 관계에서 보통은 보이지 않는 수행적 차원을 드러낸다.
Crowner의 예술은 이 이중적 건축적·연극적 계보에서 탄생한다. 그녀의 작품들은 미적 경험이 신체적이고 사회적이며 집단적인 차원을 되찾는 특정한 시공간을 창조한다. 인간관계의 가상화와 경험의 분절화가 지배하는 시대에 이 작업은 조용하지만 끈질긴 저항을 제안한다. 이는 예술이 여전히 만남의 장소, 공유된 존재의 공간이 될 수 있음을 상기시킨다.
크라우너의 실질적인 작업의 핵심에 있는 바느질 기법은 연결과 결합의 철학을 구체화합니다. 매번 바느질된 캔버스는 예술을 집합적 구성으로, 독특함의 합산으로 이해하는 선언문입니다. 고독한 예술가에 관한 낭만적 신화와는 반대로, 크라우너는 협업으로 이루어진 예술을 주장합니다: 바느질을 도와주는 조수들과, 그녀의 타일을 만드는 멕시코 장인들과, 전시 공간을 설계하는 건축가들과, 그녀의 설치 작품을 활성화하는 연주자들과 함께요.
이 협력의 미학은 최근 대형 파노라마 캔버스에서 가장 완성된 형태로 드러납니다. 건축 규모의 풍경 작품으로서, 한 번에 포착할 수 없고 관객의 이동과 관람, 즉 관객 스스로가 작품의 일부가 되는 과정을 필요로 합니다. 최고의 예술적 협업처럼, 각 요소는 자율성을 유지하면서도 자신을 넘어서는 전체에 기여합니다.
크라우너가 인용하는 역사적 인물들, 엘스워스 켈리부터 리지아 클라크 그리고 러시아 구성주의자들은 현대적 비전에 봉사하는 까다로운 예술 문화를 보여줍니다. 그녀는 이 거장들을 모방하지 않습니다: 인용하고, 변형하며, 현대적으로 재구성합니다. 2009년에 완성된 리지아 클라크의 “Superficie Modulada” 버전은 그녀의 바느질 회화 기법을 처음 보여줌과 동시에 이 브라질 참여 미술의 선구자에게 경의를 표합니다.
이 인용 방식은 예술사를 존중해야 할 고정된 유산이 아니라 재활성화해야 할 형식의 저장소로 이해하는 관점을 드러냅니다. 크라우너는 20세기 전위 예술의 창조적 재활용을 실천하며 자신의 현대적 감수성과 현안 문제를 거쳐 필터링합니다. 그녀는 모더니즘 유산이 재고되고 재발명되어야만 여전히 생생한 예술적 탐구를 풍요롭게 할 수 있음을 보여줍니다.
사라 크라우너의 작품은 결국 현대 예술이 비판적 복잡성을 포기하지 않고 변혁적 야망을 되찾을 수 있음을 가르쳐줍니다. 추상과 장인 정신, 엘리트주의와 접근성, 관조와 참여를 화해시킴으로써 그녀는 현재 미술계에 독창적인 길을 제시합니다. 그녀의 바느질 회화와 타일 설치 작품은 정교하면서도 즉각적으로 감각적인, 학문적이면서도 대중적인 미적 경험을 제안합니다.
예술계가 종종 자체 코드에 갇혀 있는 세상에서, 크라우너는 예술이 여전히 공유되는 언어이자 다양한 감수성 사이의 만남의 공간이 될 수 있음을 상기시킵니다. 그녀의 작품은 미적 경험이 다시금 집단적이고 육체적이며 즐거운 사건이 되는 상황을 만듭니다. 그것은 예술을 관망하는 대신 거주하고, 해독하는 대신 체험하도록 우리를 초대합니다.
이 근본적인 관대함, 예술의 변혁적 경험으로서의 힘에 대한 신념은 사라 크라우너를 현대 미술계에서 독특하고 필수적인 목소리로 만듭니다. 그녀의 작업은 예술이 소수의 전유물이 아니라는 점을 상기시켜주며, 예술이 결코 멈춰서는 안 될 본질, 즉 세상에 대한 인식을 확장하고 우리 공동의 존재 경험을 풍요롭게 하는 수단이 될 수 있음을 일깨워줍니다.
- 제시카 랭, “Garden Blue”, American Ballet Theatre, 링컨 센터, 2018년 10월, 의상 및 무대 장치 사라 크라우너.
