Luister goed naar me, stelletje snobs, de hedendaagse kunst heeft zojuist haar meest unieke stem gevonden in de persoon van Allison Katz. Deze kunstenares uit Montreal, die sinds haar studies aan Columbia in Londen woont, doorbreekt tegenwoordig de codes van het schilderen met een provocerende intelligentie die elk doek tot een onderzoeksgebied maakt waar het intieme en het universele, het triviale en het sublieme samenkomen.
In het licht van de huidige picturale productie, vaak gevangen in een reactionair sentimentaliteit of neurotische perfectie, biedt Allison Katz een radicaal alternatief. Haar werk functioneert als een noodzakelijke ontwaking, een heilzame klap uitgedeeld aan een artistieke omgeving die vaak té zeker is van haar overtuigingen. De tentoonstelling “Artery” in het Camden Art Centre in 2022 was in dit opzicht een manifest: dertig werken die de galerieruimte transformeerden in een laboratorium van betekenis, waar elk schilderij in dialoog ging met de anderen volgens een poëtische logica die traditionele categorieën ontweek.
De handtekening als beweeglijk territorium
De benadering van Katz stelt de notie van een “handtekeningstijl” die nog steeds de hedendaagse kunstmarkt doordringt, onomwonden ter discussie. Waar andere kunstenaars een geruststellende stilistische consistentie cultiveren, hanteert zij een gecontroleerde vorm van schizofrenie, wisselend tussen hyperrealisme in trompe-l’oeil en de meest karikaturale composities. Deze wispelturigheid is niet vrijblijvend: ze bevraagt de mechanismen van artistieke herkenning zelf, die economie van het herkenbare die kunst vaak reduceert tot branding.
In Akgraph (Tobias + Angel) (2021) vormen de letters M, A, S en K een kalligrafisch gezicht boven de spookachtige representatie van Tobie en de Engel van Verrocchio. Mevrouw Allison Sarah Katz wordt letterlijk MASK, waarmee ze onthult dat artistieke identiteit evenzeer voortkomt uit het masker als uit de openbaring. Dit werk vat perfect de benadering van de kunstenares samen: het autobiografische vermengt zich met historische kunst, de handtekening wordt motief, het intieme universaliseert zich.
Het spel met haar eigen naam loopt als een obsessieve rode draad door haar gehele oeuvre. AK wordt AKA (“alias”), Allison verandert in “All Is On”, wat die fundamentele fascinatie voor het benoemen toont die de kunstenares opeist. Deze praktijk van anagrammen en woordspelingen is niet anekdotisch: ze onthult een diepgaand begrip van de taalkundige mechanismen die onze relatie tot de wereld bepalen.
Het herhaald gebruik van op het schilderoppervlak geplakte rijstkorrels vormt een andere paradoxale handtekening. Deze textuurelementen doorbreken de autonomie van het illusionistische doek, en herinneren voortdurend aan de materialiteit van het geverfde object. In The Other Side (2021) bedekken deze korrels de afbeelding van een bewegende gele haan, waardoor een strooieffect ontstaat dat zowel aan kippenvoer doet denken als aan de glitters van een cabaretvoorstelling.
Literatuur en narratieve strategieën
De invloed van Virginia Woolf doordringt diep de praktijk van Katz, die regelmatig deze woolfiaanse definitie van poëzie citeert: “een stem die antwoordt op een stem” [1]. Dit dialogische begrip van artistieke creatie structureert haar hele benadering. Net als de modernistische schrijfster verwerpt Katz de puurheid van het monoloog en beschouwt zij elk werk als een betrokken gesprek met de kunstgeschiedenis, de populaire cultuur en haar eigen biografie.
Deze literaire dimensie komt tot uiting in haar manier van “schilderen zoals ze schrijft”, volgens haar eigen woorden, door te bouwen rond visuele citaten. Haar schilderijen functioneren als romans in fragmenten, waar elk terugkerend motief, hanen, kolen, monden en liften, een persoonlijke woordenschat ontwikkelt die zich van doek tot doek verrijkt. Deze semantische opeenhoping doet denken aan de narratieve technieken van Gertrude Stein of James Joyce, waarbij herhaling geleidelijk betekenis creëert.
De tentoonstelling “Artery” illustreerde perfect deze literaire benadering van ruimte. De vijf schilderijen van monden, gepresenteerd in een Chevron-opstelling aan vrijstaande wanden, veranderden de galerie in een complex narratief apparaat. Elke “epiglottale perspectief”, volgens de smakelijke uitdrukking van Brian Dillon, omlijstte uiteenlopende scènes, een ornamentale haan, een kat met digitale reflecties en de kunstenaar zelf in een Miu Miu-reclame, waardoor een fragmentarisch vertel effect ontstond waarbij de betekenis uit de spleten oprees.
Deze narratieve strategie bereikt haar hoogtepunt in het systematisch gebruik van zelfspot en anti-humor. The Cockfather (2021) toont een eierdop in de vorm van een haan, fier opgericht in een donkere grot, die in één beeld de absurditeit van het mannelijke artistieke ego samenvat. De titel, die evenveel de hipsterrestaurants oproept als Francis Ford Coppola, onthult het vermogen om het triviale om te vormen tot het epische, kenmerkend voor de meest inventieve hedendaagse literatuur.
De serie Cabbage (and Philip) (2013-2020) illustreert ook deze literaire dimensie. Elke kool, met manische zorg geschilderd, staat naast de silhouet van Philip, de partner van de kunstenares. Deze “stillevens-portretten” wenden de traditionele schildergenres af terwijl ze een persoonlijke mythologie creëren waarin het intieme universeel wordt. Het anekdotische verandert in archetypisch, wat die “onmogelijkheid om waardig te zijn voor schilderkunst” onthult die Katz opeist en die paradoxaal genoeg de bron van haar expressieve kracht is.
De invloed van Clarice Lispector, een andere literaire referentie van de kunstenares, blijkt in deze raadselachtige benadering van het dagelijkse. Dit citaat van de Braziliaanse schrijfster die Katz liefheeft, “Ik heb haar niet ontcijferd. Maar zij heeft mij ook niet ontcijferd”, zou als epigraaf kunnen dienen voor haar hele oeuvre. Net als de Sfinx van Lispector weerstaan de schilderijen van Katz eenduidige interpretatie terwijl ze voortdurend uitnodigen tot het zoeken naar betekenis.
De temporele dimensie, essentieel bij Woolf, vindt bij Katz een originele plastische vertaling. Haar “vluchtige pigmenten”, verwijzend naar de experimenten van Joshua Reynolds met instabiele kleuren, bevragen de duurzaamheid van kunst. Deze fascinatie voor gecontroleerde degradatie onthult een opvatting van picturale tijd die verder gaat dan louter voorstelling en de ontologie van het beeld zelf raakt.
Psychoanalyse en subjectieve constructie
Het werk van Katz gaat op een opvallende manier in dialoog met Lacans theorieën over de spiegelstadium en de subjectieve constructie. Haar talrijke zelfportretten, nooit frontaal, altijd schuin, onthullen een intuïtief begrip van de identificatiemechanismen zoals beschreven door Jacques Lacan. Het ego, volgens de Franse psychoanalyticus, wordt gevormd door identificatie met een extern beeld, een fundamenteel vervreemdend proces dat toch de toegang tot subjectiviteit structureert [2].
Deze constitutieve vervreemding vindt bij Katz een bijzondere plastische vertaling in haar “monden” schilderijen. Deze interne perspectieven, geïnspireerd door André Derain, veranderen het spreekorgaan in een gezichtsveld. In M.A.S.K. (2021) schildert de kunstenares zichzelf vanuit de binnenkant van haar eigen mond, waarbij ze een opstelling creëert waarin de kijkende subject en het bekeken subject samenvallen in een duizelingwekkende mise en abyme. Deze radicale omkering van het traditionele perspectief verwijst rechtstreeks naar Lacans analyses over de constitutie van het ik door de blik van de Ander.
De herhaling van het motief van de lift in haar werk is bijzonder interessant in dit psychoanalytische perspectief. Elevator III (Camden Art Centre) (2021), deze opvallende trompe-l’oeil die de tentoonstelling “Artery” opent, functioneert als een perfecte metafoor voor het identificatieproces. De perfecte illusie nodigt de toeschouwer uit om een ruimte te betreden die alleen bestaat door representatie, waarmee de fundamentele ervaring van het spiegelstadium wordt nagebootst waarin het kind zich identificeert met een beeld dat het voor de realiteit van zijn zijn neemt.
Deze psychoanalytische dimensie blijkt ook uit de behandeling van de fragmentatie van het lichaam, een centraal thema bij Lacan. De keramische neusbeeldjes, deze “Nose/Ass” die in één object het orgaan van de ademhaling en dat van de uitscheiding samenbrengen, roepen rechtstreeks het “gespleten lichaam” op zoals beschreven in de psychoanalyse. Deze werken materialiseren de angst voor fragmentatie die voorafgaat aan de imaginaire eenwording van het ik, en onthullen de drijfveren achter elke identiteitsconstructie.
De relatie tot de Ander, een centraal concept in de theorie van Lacan, structureert ook de curatoriële benadering van Katz. Haar tentoonstelling “In the House of the Trembling Eye” in het Aspen Art Museum in 2024 illustreerde deze dimensie perfect. Door haar eigen werken te vermengen met fragmenten van fresco’s uit Pompeii en stukken uit lokale privécollecties, creëerde ze een temporele dialoog die onthulde hoe het hedendaagse subject wordt gevormd door identificatie met beelden van elders en vroeger.
Deze curatoriële praktijk sluit logisch aan bij haar schilderpraktijk. Omdat ze “schildert door te citeren”, exposeert ze door betekenissenconstellaties te creëren die verder gaan dan enkel de juxtapositie. De organisatie van de ruimte volgens het plan van een Romeinse domus onthulde een verfijnd begrip van de projectie- en identificatiemechanismen die onze verhouding tot beelden beheersen. Elke zaal, atrium, triclinium en tablinum fungeerde als een theater van subjectiviteit waarin de werken volgens een onbewuste logica met elkaar in dialoog stonden.
Het herhaaldelijk gebruik van de handtekening als visueel element, verplaatst van zijn traditionele plaats naar het midden van het beeld, materialiseert deze problematiek van identificatie. In verschillende werken vormen de letters van haar naam letterlijk een gezicht, waarmee wordt aangetoond dat identiteit zowel voortkomt uit symbolische inschrijving als uit speculaire herkenning. Deze praktijk verwijst rechtstreeks naar Lacans analyses over symbolische vervreemding die elke subjectieve constitutie voorafgaat.
Op weg naar een poëtica van onbepaaldheid
De originaliteit van Katz ligt in haar vermogen om het raadsel te behouden terwijl ze betekenis creëert. Haar werken weerstaan een eenduidige interpretatie zonder ooit in zinloze hermetiek te vervallen. Deze productieve spanning doet denken aan de beste prestaties van de conceptuele kunst, maar verrijkt met een schilderachtige sensualiteit die vaak ontbreekt in puur intellectuele praktijken.
Haar behandeling van de historische kunst illustreert deze benadering perfect. In plaats van direct te citeren, werkt ze met allusies, overlap en subtiele verdraaiingen. Posterchild (2021), deze herinterpretatie van een Londens metroposter uit de jaren 1930, mengt persoonlijke en culturele referenties volgens een associatieve logica die zowel Freud als Warburg oproept. De originele poster die de charmes van Hampstead prees, wordt het drager van een persoonlijke mythologie waarin de kindertijd in Montréal, het heden in Londen en Italiaanse kunst uit het Quattrocento samenkomen.
Deze poëtiek van onbepaaldheid vindt haar mooiste uitdrukking in de serie monden. Deze onmogelijke kaderingen, die het orgaan van de spraak veranderen in een raam naar de wereld, creëren een blijvende perceptuele verwarring. We zien door de mond, we spreken met de ogen, de zintuigen vermengen zich in een gecontroleerde synesthesie die de complexiteit onthult van onze zintuiglijke relaties met de realiteit.
Het gebruik van “vluchtige” materialen, die onstabiele pigmenten die in de loop der tijd evolueren, draagt bij aan deze esthetiek van onbepaaldheid. Zoals de kleuren van Reynolds die uiteindelijk verbleken, integreren Katz’ werken hun eigen worden en weigeren ze de geruststellende fixiteit van de traditionele kunst. Deze open temporaliteit verandert elk schilderij in een proces in plaats van een afgewerkt object.
De herhaling van bepaalde motieven, hanen, kolen, neuzen en liften, creëert een persoonlijk vocabulaire dat voortdurend evolueert. Elke herverschijning verrijkt het motief met nieuwe betekenissen, waardoor een semiotisch systeem ontstaat dat voortdurend uitbreidt. De haan uit The Other Side gaat in dialoog met die uit The Cockfather, de kolen van Philip praten met die van eerdere tentoonstellingen, waardoor een netwerk van verbanden ontstaat dat het hele oeuvre structureert.
Deze benadering onthult een diepe kennis van de mechanismen van het culturele geheugen. Zoals de archetypische symbolen van Jung, accumuleren Katz’ motieven lagen van betekenis terwijl ze hun vermogen tot onmiddellijke evocatie behouden. Deze persoonlijke symbolische economie gaat een dialoog aan met de grote iconografische systemen van de westerse kunst zonder er ooit door te worden gereduceerd.
De humor, overal aanwezig, fungeert als een oplosmiddel van zekerheden. Deze visuele woordspelingen, deze iconografische verdraaiingen, deze culturele knipogen creëren een kritische afstand die elke sacralisering voorkomt. Katz’ kunst is serieus zonder zichzelf serieus te nemen, diep zonder zwaarte, complex zonder complicatie.
De tentoonstelling als totaalwerk
De architectonische en scenografische dimensie van Katz’ werk is ook interessant. Haar tentoonstellingen presenteren niet alleen werken: ze creëren betekenisvolle omgevingen waar de ruimte zelf betekenis draagt. Deze benadering onthult een verbrede opvatting van schilderkunst die het traditionele kader van het schilderij overstijgt en de complete esthetische ervaring omarmt.
De presentatie van “Artery” illustreerde deze dimensie perfect. De zelfdragende wanden van de tweede zaal, gebouwd op de exacte breedte van de doeken, veranderden de ruimte in een optisch labyrint waar de toeschouwer afwisselend de mondschilderijen en de kolen van Philip ontdekte. Deze ruimtelijke choreografie onthulde ongekende verbanden tussen de werken en creëerde een metadiscours over de relaties tussen zichtbaar en verborgen, voor- en achterkant, publiek en privé.
Dit scenografisch ontwerp bereikt zijn hoogtepunt in “In the House of the Trembling Eye”. Door de structuur van de Pompeïsche domus te transponeren naar de hedendaagse museumruimte creëerde Katz een duizelingwekkend tijdsapparaat waarin oudheid en hedendaagsheid op elkaar inhaken. Deze archeologie van het heden onthulde de persistentie van bepaalde symbolische structuren door millennia heen, en bevroeg onze vooronderstellingen over artistieke moderniteit.
Het herhaald gebruik van affiches als elementen van de tentoonstelling toont een verfijnde reflectie op de tijdsdimensies van de kunst. Deze aankondigingen, ontworpen voor elke tentoonstelling, functioneren als autonome werken die de ervaring verlengen buiten de officiële duur. Geëtaleerd in de galerieruimte en vervolgens bewaard als verzamelobjecten, bevroegen ze de grenzen tussen kunst en communicatie, tussen werk en documentatie.
Deze praktijk rond het affiche geeft ook blijk van een scherp bewustzijn van de mechanismen van artistieke promotie. Door haar eigen communicatiemiddelen te creëren, neemt Katz de controle over een dimensie die vaak door kunstenaars wordt verwaarloosd. Deze affiches, waarin ze haar visuele vocabulaire uitwerkt volgens de codes van het grafisch ontwerp, onthullen de onderlinge verbanden tussen kunst en culturele industrie.
Een kritieke hedendaagsheid
In de hedendaagse artistieke context, gekenmerkt door een problematische terugkeer naar traditionele figuratie en een groeiende commerciële standaardisering, biedt het werk van Katz een alternatief pad. Haar afwijzing van schilderachtige gemakzucht en van gratuite provocaties getuigt van een zeldzame artistieke volwassenheid. Ze bewijst dat het mogelijk is toegankelijk te zijn zonder toegevend te zijn, complex zonder hermetisch te zijn, hedendaags zonder opportunistisch te zijn.
Deze kritische positie manifesteert zich vooral in haar relatie tot de kunstindustrie. Haar verschijning in een Miu Miu reclamecampagne, die ze vervolgens omzet in picturaal materiaal in M.A.S.K., getuigt van een vermogen om te spelen met de codes van het spektakel terwijl ze een kritische afstand behoudt. Deze infiltratiestrategie, waarbij ze het spel accepteert om het beter te ontregelen, doet denken aan de beste successen van de kritische kunst uit de jaren 1960.
Haar internationale succes, deelname aan de Biënnale van Venetië 2022, exposities in de meest prestigieuze instellingen en vertegenwoordiging door internationale galeries hebben haar niet afgeleid van haar fundamentele vragen. Deze weerstand tegen de lokroepen van de markt toont een artistieke integriteit die bewondering afdwingt in een milieu dat vaak gecorrumpeerd is door commerciële logica.
De recente evolutie van haar werk, gekenmerkt door een complexere tentoonstellingsopzet en een verbreding van haar conceptuele palet, onthult een kunstenaar op het toppunt van haar volwassenheid. Allison Katz heeft dat zeldzame gebied bereikt waar technische virtuositeit en conceptuele diepgang elkaar voeden om een werkelijk persoonlijke artistieke taal te creëren.
Haar vermogen om haar aanpak voortdurend te vernieuwen terwijl ze een diepe coherentie behoudt, toont een uitzonderlijk begrip van de hedendaagse vraagstukken van de schilderkunst. In een wereld die verzadigd is met beelden slaagt ze erin visuele objecten te creëren die de blik vasthouden en tot nadenken stemmen. Dit vermogen om het visuele hedendaagse stroom te stoppen en op te schorten, is misschien wel haar grootste prestatie.
De intelligentie van Katz schuilt in haar vermogen om beperkingen om te zetten in creatieve kansen. De grenzen van het schildermedium worden aanleiding tot uitvinding, de codes van de traditionele tentoonstelling worden omgebogen om nieuwe ervaringen te creëren, culturele referenties worden gerecycled om nieuwe betekenis te genereren. Deze transformerende alchemie onthult een authentieke kunstenaarsaard die haar aanpak voortdurend kan vernieuwen zonder ooit haar rode draad te verliezen.
De slagader en het hart
Voor het werk van Allison Katz zien we duidelijk de afstand tussen ware kunst en haar vele hedendaagse namaakstukken. Waar anderen genoegen nemen met het illustreren van hun intenties, creëert zij een taal. Waar anderen beproefde formules herhalen, waagt zij het onbekende. Waar anderen willen verleiden, kiest zij ervoor om te bevragen.
De titel “Artery” klinkt vandaag als een perfecte metafoor voor haar artistieke benadering. De arterie bevloeit, voedt en houdt in leven. Zij verbindt het hart met de uiteinden, verzekert de vitale circulatie, en maakt uitwisseling en vernieuwing mogelijk. Deze circulerende functie neemt Katz volledig voor haar rekening in het hedendaagse artistieke landschap. Haar werken laten betekenis circuleren tussen verleden en heden, intiem en universeel, banaal en subliem.
Dit vermogen tot circulatie onthult een diep genereuze opvatting van kunst. Allison Katz verwerpt zowel de hooghartige elitairheid als de populistische demagogie, en creëert werken die gelijktijdig spreken tot de ingelichte liefhebber en de nieuwsgierige nieuwkomer. Deze toegankelijkheid is nooit eenvoudig: ze is het resultaat van technische en conceptuele beheersing die het mogelijk maakt om de meest complexe onderwerpen met een schijnbare eenvoud te behandelen.
Haar invloed op de jonge generatie kunstenaars begint zich al te laten voelen. Deze hybride benadering, die schilderkundige virtuositeit en conceptuele verfijning, autobiografie en theoretische reflectie, humor en diepgang vermengt, opent nieuwe wegen voor een hedendaagse schilderkunst die te vaak gevangen zit in reducerende tegenstellingen. Ze bewijst dat het mogelijk is om tegelijk geworteld te zijn in de traditie en resoluut hedendaags, persoonlijk en universeel, toegankelijk en veeleisend.
Het werk van Katz toont ook het doorslaggevende belang van intelligentie in hedendaagse kunstcreatie. In een kunstmarkt die vaak wordt gedomineerd door modetrends en marketingstrategieën, herinnert zij eraan dat ware kunst net zozeer ontstaat uit denken als uit gevoeligheid. Deze intellectuele dimensie drogen allerminst de emotie uit; ze voedt en verrijkt haar juist, waardoor er werken ontstaan die de tand des tijds en visuele overdaad weerstaan.
In een wereld waar beelden zich vermenigvuldigen zonder betekenis te scheppen, waar communicatie te vaak de communie vervangt, waar het onmiddellijke de duur overneemt, herinnert de kunst van Allison Katz ons aan de deugden van traagheid, reflectie en geleidelijke verdieping. Haar schilderijen vragen tijd: kijktijd, tijd om te begrijpen en tijd om hun subtiele betovering te laten werken. Deze specifieke temporaliteit, onherleidbaar tot hedendaagse onmiddellijkheid, is wellicht haar kostbaarste bijdrage.
De Canadese artieste biedt ons uiteindelijk veel meer dan een corpus opmerkelijke werken: ze geeft ons een les in creatieve vrijheid. Haar vermogen om voortdurend nieuwe plastische oplossingen uit te vinden, haar formele vocabulaire steeds te vernieuwen en te verrassen terwijl ze haar diepe samenhang behoudt, onthult de oneindige mogelijkheden die de hedendaagse schilderkunst nog altijd heeft. In een context die vaak wordt gekenmerkt door pessimisme en herhaling, vormt deze creatieve energie een waardevolle stimulans.
Want het is zeker energie waar het om gaat. De energie van iemand die de gebaande paden verwerpt, de energie van iemand die beperkingen omzet in vrijheden, de energie van iemand die blijft geloven in de specifieke krachten van schilderkunst in een wereld die overstroomt met digitale beelden. Deze energie geeft Allison Katz gul door aan wie haar weet te ontvangen, en creëert rond haar werk die gemeenschap van vrije geesten die het ware publiek van hedendaagse kunst vormt.
Het werk van Allison Katz herinnert ons eraan dat kunst, op haar beste niveau, die “geheime transactie” blijft waar Virginia Woolf het over had, die “stem die antwoord geeft op een stem” die door de eeuwen heen gaat en bewustzijnen verbindt. In de hedendaagse visuele rumoer weet zij die unieke stem te laten horen die iedereen transformeert die haar weet te luisteren. Dit vermogen tot transformatie, zowel individueel als collectief, vormt misschien wel de mooiste belofte van haar kunst: die van een wereld waar intelligentie en gevoeligheid, traditie en innovatie, het intieme en het universele eindelijk harmonieus kunnen dialogeren.
- Virginia Woolf, Orlando, 1928. Deze citaat, regelmatig geciteerd door Katz, komt uit de passage: “Was not writing poetry a secret transaction, a voice answering a voice?”
- Jacques Lacan, “De spiegelstadium als vormer van de functie van het Ik”, Écrits, Seuil, 1966.
