Luister goed naar me, stelletje snobs, ik ga het hebben over Danielle Orchard, geboren in 1985, deze kunstenares die conventies verscheurt met een verfijnde brutaliteit die mij doet juichen. Gevestigd in Brooklyn, beperkt deze in Michigan City geboren vrouw zich niet tot schilderen, ze demonstreert het rad van de kunstgeschiedenis met een verrukkelijke cynisme dat zelfs de oude meesters jaloers zou maken.
Het werk van Danielle Orchard draait om een essentiële thematiek: de deconstructie van de mannelijke blik op het vrouwelijke lichaam. Haar schildertechniek, geërfd van het analytisch kubisme maar overstegen door een hedendaagse gevoeligheid, biedt een krachtige reflectie op de representatie van het vrouwelijke lichaam in de westerse kunst. De vrouwen van Orchard zijn niet simpelweg passieve modellen; ze leven gewoon. Het is juist in deze aangenomen banaliteit dat hun subversieve kracht schuilt.
Kijk bijvoorbeeld naar haar badende vrouwen, die op een ironische manier doen denken aan die van Cézanne, terwijl ze ze tegelijkertijd met een verbluffende durf in onze tijd plaatsen. De gefragmenteerde, ontbonden en vervolgens opnieuw samengestelde lichamen volgens een persoonlijke geometrie verwijzen ons naar het filosofische concept van de fenomenologie van Maurice Merleau-Ponty. In zijn werk “Het Oog en de Geest” (1964) ontwikkelt de filosoof het idee dat onze waarneming van de wereld intrinsiek verbonden is met ons lichaam, dat we het kijken niet kunnen scheiden van het bekeken worden. Orchard illustreert deze theorie briljant door figuren te creëren die zowel waarnemende subjecten als waargenomen objecten zijn, waarbij bewust de grenzen vervagen tussen de waarnemer en het waargenomene.
De vrouwen van Orchard lijken zich in hun nonchalante naaktheid perfect bewust te zijn van het feit dat ze bekeken worden, maar het kan hen niets schelen. Ze lezen, roken, drinken wijn, rekken zich uit op banken met een nonchalance die de traditionele conventies van de voorstelling van vrouwen tart. Deze houding doet opvallend denken aan de theorie van de genderperformativiteit ontwikkeld door Judith Butler in “Gender Trouble” (1990). De onderwerpen van Orchard voeren hun vrouwelijkheid uit terwijl ze die tegelijkertijd ontmantelen, waarmee ze een complexe dialoog aangaan met de kunstgeschiedenis en haar genderconventies.
Het eerste opvallende kenmerk in haar werk is haar beheersing van kleur. Haar gedurfde paletten, waarin huidtinten in gesprek gaan met elektrisch blauw en zuurgeel, creëren een visuele spanning die onze verwachtingen destabiliseert. Dit doet denken aan de theorieën van Johann Wolfgang von Goethe over kleur, zoals ontwikkeld in zijn “Farbenlehre” (1810), waarin hij de psychologische en emotionele dimensie van kleuren onderzoekt. Orchard gebruikt kleur niet als enkel een decoratief instrument, maar als een volwaardig middel om complexe emotionele toestanden en subtiele sociale commentaren over te brengen.
Neem bijvoorbeeld haar reeks vrouwen die lezen, waarbij de lichamen vaak gefragmenteerd en opnieuw samengesteld zijn volgens een geometrie die doet denken aan het analytisch kubisme. Deze composities zijn geen loutere formele oefeningen; ze vormen een diepgaande reflectie op de manier waarop het vrouwelijke lichaam ruimte inneemt, zowel fysiek als sociaal. De boeken die haar personages vasthouden worden objecten van macht, symbolen van intellectueel verzet tegen de traditionele objectivering van het vrouwelijke lichaam in de kunst.
Het tweede kenmerk van haar werk is haar unieke benadering van vrouwelijke intimiteit. Haar schijnbaar alledaagse scènes uit het dagelijks leven zijn doordrenkt met een psychologische spanning die doet denken aan de psychoanalytische theorieën van Julia Kristeva over abjectie en het vrouwelijke. In “Macht der Abscheu” (“Powers of Horror”, 1980) onderzoekt Kristeva hoe het vrouwelijke lichaam historisch gezien geassocieerd is met het afschuwelijke, met wat de sociale orde verstoort. Orchard pakt dit idee over, maar keert het om: haar vrouwen bewonen hun “afschuw” met een stille trots die de traditionele blik destabiliseert.
In haar voorstellingen van vrouwen die roken of drinken, creëert Orchard personages die zich bewust onttrekken aan traditionele morele categorieën. Deze figuren zijn noch heiligen, noch zondaren; ze bestaan in een tussengebied dat categorisatie tart. Juist deze ambiguïteit geeft haar werk zijn subversieve kracht. De sigaretten die regelmatig in haar werken verschijnen zijn niet zomaar accessoires; ze worden symbolen van verzet, tastbare manifestaties van een vrouwelijke handelingsbekwaamheid die weigert zich te conformeren aan sociale verwachtingen.
De kunstenares gebruikt vaak terugkerende motieven zoals tulpen, sigaretten, boeken, die fungeren als visuele leidmotieven die een onderliggende verhaallijn creëren in haar werk. Deze alledaagse voorwerpen worden volledig geïntegreerde elementen in haar composities, dragers van meerdere betekenissen die de interpretatie van haar schilderijen verrijken. De tulpen, bijvoorbeeld, met hun vergankelijke levenscyclus, roepen de traditie van vaniteiten op en dienen tegelijkertijd als metafoor voor de positie van de vrouw in de hedendaagse maatschappij.
De techniek van Orchard is bijzonder interessant in haar manier van het behandelen van het schilderoppervlak. Haar energieke penseelstreken, haar royale impasto en haar soms zichtbare delen van het doek creëren een materiële spanning die de psychologische spanningen weerspiegelt die spelen in haar onderwerpen. Deze tastbare benadering van het schilderen doet denken aan de theorieën van kunsthistoricus Heinrich Wölfflin over het picturale en het lineaire, maar dan doorgedreven in een resoluut hedendaagse richting.
Haar behandeling van de ruimte is net zo revolutionair. De interieurs die zij afbeeldt zijn vaak vervormd, samengedrukt of uitgerekt volgens een logica die emotionele expressie boven traditionele perspectieven plaatst. Deze ruimtelijke vervormingen zijn niet willekeurig; ze dienen om psychologische omgevingen te creëren die de geestelijke staat van haar onderwerpen weergeven. De spiegels, ramen en deuren die in haar composities verschijnen functioneren als metaforische apparaten die vragen stellen over identiteit en representatie.
De artistieke opleiding van Orchard, die studies aan de Indiana Universiteit en het Hunter College omvat, weerspiegelt zich in haar verfijnde technische beheersing. Wat haar werk echter echt opmerkelijk maakt, is haar vermogen om deze academische opleiding te overstijgen en een unieke visuele taal te scheppen die direct tot onze tijd spreekt. Haar verwijzingen naar kunstgeschiedenis zijn nooit louter citaten; ze zijn eerder vertrekpunten voor een kritische reflectie op de representatie van het vrouwelijk lichaam in de hedendaagse kunst.
Het werk van Orchard behoort tot de traditie van feministische kunstenaars die de representatie van het vrouwelijk lichaam in de kunst herconfigureren. Haar benadering onderscheidt zich echter door haar afwijzing van directe confrontatie ten gunste van een subtielere maar even doeltreffende subversie. Haar vrouwen hebben niet de bedoeling te choqueren; ze bestaan simpelweg, in hun naakte waarheid, met een rustige zekerheid die de conventies tart.
Deze houding doet denken aan de theorieën van Roland Barthes over fotografie, vooral ontwikkeld in “La Chambre claire” (1980), waar hij het concept van “punctum” onderzoekt, dat detail dat prikken doet en de kijker verwondt. In de schilderijen van Orchard neemt het punctum vaak de vorm aan van een schijnbaar onschuldig gebaar: een hand die een sigaret vasthoudt, een afgewend blik, een nonchalante houding. Deze details fungeren als breekpunten die onze gebruikelijke perceptie van het vrouwelijk lichaam destabiliseren.
De recente evolutie van haar werk toont een steeds gedurfder verkennen van expressieve mogelijkheden van de schilderkunst. Haar nieuwste werken onthullen een groeiend vertrouwen in haar vermogen om vorm en kleur te manipuleren om beelden te creëren die zowel persoonlijk als universeel zijn. Haar tentoonstelling “You Are a Serpent Who’ll Return to the Ocean” in de Perrotin-galerij in 2023 markeert een belangrijk keerpunt in haar carrière, waarbij intiemere thema’s als zwangerschap en verlies aan bod komen, terwijl ze haar kritische blik op de representatie van het vrouwelijk lichaam behoudt.
Het werk van Orchard is vandaag de dag bijzonder relevant door het behandelen van complexe kwesties omtrent gender, identiteit en macht, terwijl ze kunstwerken creëert die visueel diepgaand verleidelijk blijven. Haar schilderijen bekritiseren niet alleen artistieke conventies; ze bieden een nieuwe manier om het vrouwelijke lichaam te zien en te vertegenwoordigen die zowel respectvol als revolutionair is.
Als men haar gehele oeuvre bekijkt, kan men niet anders dan denken aan Walter Benjamins theorie over de aura van het kunstwerk. In “Das Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit” (1935) maakte Benjamin zich zorgen over het verlies van de aura in de moderne kunst. Orchards schilderijen, met hun indrukwekkende fysieke aanwezigheid en emotionele intensiteit, lijken de mogelijkheid van een aura in de hedendaagse kunst te herbevestigen, terwijl ze tegelijkertijd de fundamenten van dit begrip ter discussie stellen.
Haar werk dwingt ons niet alleen onze manier van naar kunst kijken te heroverwegen, maar ook onze wijze van het waarnemen van het vrouwelijke lichaam in de hedendaagse samenleving. Haar vrouwen zijn geen passieve objecten van beschouwing; zij zijn actieve subjecten die ons terug aankijken en ons dwingen onze eigen aannames over gender, schoonheid en macht te bevragen.
Danielle Orchard is niet zomaar een kunstenaar die vrouwen schildert; zij is een belangrijke stem in de voortdurende dialoog over de representatie van het vrouwelijke lichaam in de kunst. Haar werk, zowel intellectueel prikkelend als visueel boeiend, herinnert ons eraan dat schilderkunst een krachtig medium blijft om de meest urgente kwesties van onze tijd te verkennen. In een wereld waarin debatten over gender en identiteit relevanter zijn dan ooit, biedt haar oeuvre ons een model van subtiele maar doeltreffende weerstand tegen gevestigde conventies.
