Luister goed naar me, stelletje snobs: Sarah Crowner tekent met een schaar en schildert met een naaimachine. Deze kunstenares uit Brooklyn, geboren in Philadelphia, geeft niets om jullie elitaire categorieën en duidelijke grenzen tussen schilderkunst en beeldhouwkunst, tussen ambacht en schone kunsten. Al meer dan vijftien jaar knipt, zet ze in elkaar en naait ze beschilderde doeken om werken te creëren die onze fysieke relatie tot kunst bevragen en ons dwingen te heroverwegen wat een schilderij kan zijn.
Crowner behoort tot die generatie kunstenaars die het intimiderende erfgoed van het triomferende modernisme weigert om het vervolgens in fragmenten opnieuw uit te vinden. Haar genaaide doeken roepen onmiddellijk de geometrische abstractie van de jaren 1950-1960 op, die periode waarin Ellsworth Kelly of Kenneth Noland de kenmerkende strakke contouren van de “hard-edge” beweging en de kleurvlakken verkenden. Maar waar deze meesters industrial perfection en het wissen van de hand nastreefden, eist Crowner het zichtbare naaien op, de ambachtelijke imperfectie, het spoor van de handeling. Elk stuk beschilderde stof behoudt zijn eigen identiteit binnen het geheel, waardoor composities ontstaan waarin eenheid ontstaat uit de aangenomen diversiteit van de delen.
Deze benadering vindt haar wortels in een diepgaand begrip van het modernistische architectuur en haar utopieën. De kunstenares beperkt zich niet tot het ophangen van haar werken aan muren: ze creëert platforms van geglazuurde terracotta tegels die vijftien centimeter boven de vloer uitsteken, en nodigt ons letterlijk uit het kunstruimte binnen te gaan. Deze installaties herinneren aan de totaliserende ambities van het Bauhaus, waar Walter Gropius droomde van een Gesamtkunstwerk, een totaal kunstwerk dat architectuur, schilderkunst, beeldhouwkunst en ambacht zou verenigen in een meeslepende ervaring.
De modernistische architectuur, met haar geloof in rationele constructie en haar wens om de maatschappij te transformeren via de gebouwde omgeving, doordringt Crowners hele aanpak. Net zoals de architecten van de jaren 1920 die de structuur van hun gebouwen toonden in plaats van die te verbergen, toont de kunstenares de naden van haar schilderijen en onthult ze het bouwproces. De tegels van haar platforms, ambachtelijk vervaardigd in de Ceramics Suro werkplaats in Guadalajara, dragen de sporen van hun vormgeving en bakproces en weigeren anonimiteit door industriële productie. Deze spanning tussen modernistisch project en traditioneel vakmanschap doorkruist haar gehele oeuvre.
Haar installaties roepen de utopische ruimtes op die de architecten van de moderne beweging voorstelden, die plekken waar kunst en dagelijks leven zouden samensmelten. Wanneer Crowner de galerie transformeert tot een theaterpodium met haar verhoogde platforms, activeert ze deze architecturale ambitie opnieuw en vervormt ze tegelijk. Haar werk voor het American Ballet Theatre, met name de decors en kostuums voor “Garden Blue” gechoreografeerd door Jessica Lang in 2018, verlengt deze reflectie over ruimte als kader voor esthetische ervaring [1].
Architectuur is voor Crowner niet alleen een conceptueel referentiepunt: het wordt een grondstof. Haar grote panoramische doeken van meer dan zes meter lang, zoals “Night Painting with Verticals” uit 2020, gaan een directe dialoog aan met de architecturale ruimte van de galerieën. De menselijke schaal van deze werken, hun vermogen om de blik te omhullen, hun verhouding tot de vloer en het plafond, alles draagt bij aan elke tentoonstelling als een totaalomgeving waar schilderkunst en architectuur elkaar beantwoorden.
Deze architecturale benadering van de schilderkunst vindt een krachtige weerklank in het theatrale kunstgebied, een tweede voorkeursgebied van onderzoek voor Crowner. Theater, de kunst van ruimte en tijd, de kunst van de aanwezigheid van lichamen op een gegeven plaats, biedt de kunstenares een laboratorium om de performatieve dimensies van haar werken te verkennen. Sinds haar eerste platformen in 2011 beschouwt Crowner haar installaties als potentiële podia, ruimtes voor activatie door de toeschouwer-acteur.
Deze theatrale dimensie is geen anekdote: ze structureert diepgaand haar opvatting van kunst. Wanneer Crowner spreekt over haar schilderijen als “achtergronddoeken” en over haar platformen als “podia”, onthult ze een gedachtegang die passief contempleren weigert. Haar werken vragen niet alleen om bekeken te worden: ze eisen dat ze bewoond, doorkruist en fysiek ervaren worden. De toeschouwer wordt ondanks zichzelf performer, bewust van haar lichaam in de ruimte, haar bewegingen, haar aanwezigheid.
Deze benadering sluit aan bij de meest avant-gardistische theateronderzoeken van de 20e eeuw, van Gordon Craig tot Robert Wilson, die de relatie tussen de theaterruimte en perceptie onderzochten. Zoals deze makers begrijpt Crowner dat kunst een apparaat kan zijn ter sensorische ontwaking, een middel om onze belichaamde relatie met de wereld te onthullen. Haar samenwerkingen met choreografen, muzikanten en dansers verlengen deze fundamentele intuïtie: kunst bestaat slechts ten volle in de ontmoeting tussen het werk en het lichaam dat het ervaart.
Het theater biedt Crowner ook een alternatieve tijdsmodellen aan in vergelijking met traditionele museumcontaemplatie. Een theatervoorstelling legt haar duur, ritme en dramatische ontwikkeling op. Evenzo creëren de installaties van de kunstenares parcoursen, opeenvolgende benaderingen en ontdekkingen die de esthetische ervaring temporaliseren. Men bekijkt niet zomaar een werk van Crowner: men bezoekt het, verkent het, verblijft erin.
Deze tijdsdimensie vindt haar meest letterlijke uitdrukking in de performances die de kunstenares soms organiseert binnen haar installaties. Dergelijke evenementen, zoals “Post Tree” in samenwerking met James Hoff en Carolyn Schoerner in 2016, onthullen het latent dramatische potentieel van haar ruimtes. De dans activeert de geometrische vormen van de schilderijen, de muziek laat de kleurrijke oppervlakken trillen, waardoor de installatie een partituur wordt voor lichamen en blikken.
Maar misschien toont Crowner zich het meest subtiel in haar begrip van het theatrale alledaagse. Haar platformen transformeren het simpele lopen in een bewust handeling, een betekenisvol gebaar. Het beklimmen van deze plateaus van vijftien centimeter is het accepteren om gezien te worden, om actrice te worden van haar eigen bezoek. Deze minimale theatralisering van het alledaagse onthult de gewoonlijk onzichtbare performatieve dimensies van onze relatie tot kunst.
De kunst van Crowner ontspringt aan deze dubbele architecturale en theatrale afstamming. Haar werken creëren specifieke ruimte-tijden waar de esthetische ervaring haar fysieke, sociale en collectieve dimensie herwint. In een tijdperk gedomineerd door de virtualisering van de menselijke relaties en de atoomisering van ervaringen, biedt dit werk een stille maar hardnekkige weerstand. Het herinnert ons eraan dat kunst nog steeds een ontmoetingsplaats kan zijn, een ruimte van gedeelde aanwezigheid.
De naai-techniek, centraal in de praktijk van Crowner, verpersoonlijkt deze filosofie van verbinding en assemblage. Elk genaaid doek is een manifest voor kunst als collectieve constructie, als optelling van singulariteiten. In tegenstelling tot de romantische mythe van de eenzame kunstenaar, beweert Crowner een kunst gemaakt van samenwerkingen: met haar assistenten die haar helpen naaien, met de Mexicaanse ambachtslieden die haar tegels maken, met de architecten die de tentoonstellingsruimtes ontwerpen, met de performers die haar installaties tot leven brengen.
Deze esthetiek van samenwerking vindt haar meest volmaakte uitdrukking in de grote recente panoramische doeken. Landschapwerken op architecturale schaal, ze kunnen niet in één oogopslag worden begrepen en vereisen een parcours, een verplaatsing van de toeschouwer die zelf deel wordt van het werk. Zoals in de beste artistieke samenwerkingen behoudt elk element zijn autonomie terwijl het bijdraagt aan een geheel dat hen overstijgt.
De historische verwijzingen die Crowner oproept, van Ellsworth Kelly tot Lygia Clark en de Russische constructivisten, getuigen van een veeleisende artistieke cultuur die ten dienste staat van een hedendaagse visie. De artieste kopieert deze meesters niet: ze citeert, manipuleert en actualiseert ze. Haar versie van “Superficie Modulada” van Lygia Clark, gemaakt in 2009, luidt haar techniek van genaaide schilderkunst in en brengt tegelijkertijd hulde aan deze pionier van de Braziliaanse participatieve kunst.
Deze citerende benadering onthult een opvatting van de kunstgeschiedenis als een reservoir aan vormen om opnieuw te activeren in plaats van als een star erfgoed om te vereren. Crowner beoefent een creatieve recycling van de avant-gardes van de 20e eeuw, waarbij ze deze door de filter van haar hedendaagse gevoeligheid en haar huidige bekommernissen laat gaan. Ze toont aan dat het modernistische erfgoed nog steeds levende artistieke onderzoeken kan voeden, mits het wordt herzien en heruitgevonden.
Het werk van Sarah Crowner leert ons uiteindelijk dat hedendaagse kunst haar transformatieve ambities kan herwinnen zonder haar kritische complexiteit op te geven. Door abstractie en vakmanschap, elitisme en toegankelijkheid, contemplatie en participatie te verzoenen, baant ze een originele weg in het hedendaagse kunstlandschap. Haar genaaide schilderijen en tegelinstallaties bieden een esthetische ervaring die zowel verfijnd als direct gevoelig, geleerd en populair is.
In een kunstwereld die vaak teruggetrokken is in haar eigen codes, herinnert Crowner ons eraan dat kunst nog steeds een gedeelde taal kan zijn, een ontmoetingsruimte tussen verschillende gevoeligheden. Haar werken creëren situaties waarin esthetische ervaring opnieuw collectief, fysiek en vreugdevol wordt. Ze nodigen ons uit om de kunst te bewonen in plaats van alleen te beschouwen, om ze te ervaren in plaats van te ontcijferen.
Deze fundamentele vrijgevigheid, dit geloof in de krachten van de kunst als transformatieve ervaring, maken van Sarah Crowner een eigenzinnige en noodzakelijke stem in het hedendaagse artistieke landschap. Haar werk herinnert ons eraan dat kunst, verre van een luxe voor ingewijden, kan herwinnen wat het nooit had mogen verliezen: een middel om onze wereldperceptie te verruimen en onze gemeenschappelijke existentie-ervaring te verrijken.
- Jessica Lang, “Garden Blue”, American Ballet Theatre, Lincoln Center, oktober 2018, kostuums en decors van Sarah Crowner.
