Luister goed naar me, stelletje snobs: Emmi Whitehorse schildert zoals haar voorouders weefden, met die minutieuze geduld die gekleurde draden in spirituele cartografieën transformeert. Al meer dan veertig jaar componeert deze vrouw die lid is van de Navajo Natie visuele symfonieën waarin de natuur zich onthult in haar meest intieme naaktheid, ver weg van de westerse schilderconventies die nog steeds beweren te bepalen wat kunst is of niet is in de hedendaagse kunst.
Geboren in 1956 in Crownpoint, New Mexico, behoort Whitehorse tot die generatie inheemse kunstenaars die identiteitsopdrijvingen weigerden en hun eigen artistieke taal uitvonden. Haar opleiding aan de Universiteit van New Mexico, waar ze achtereenvolgens een diploma schilderkunst en een mastergrafiek behaalde, confronteerde haar vanaf het begin met die fundamentele spanning tussen cultureel erfgoed en artistieke moderniteit. Maar in tegenstelling tot haar tijdgenoten die kiezen voor polemische bekritising of herovering, koos Whitehorse voor de weg van contemplatieve onderdompeling.
De architectuur van het vergankelijke
Het werk van Whitehorse ontvouwt zich volgens een logica die onweerstaanbaar doet denken aan de gotische architectuur in haar conceptie van de heilige ruimte. Zoals de kathedraalbouwers die het onzichtbare goddelijke wilden materialiseren, bouwt de Navajo-kunstenares haar composities volgens een spirituele geometrie waarbij elk element bijdraagt aan een kosmisch evenwicht. Haar doeken onthullen dezelfde verticale aspiratie, dezelfde zoektocht naar transcendentie die men terugvindt in de gewelven van Chartres of de roosvensters van Notre-Dame. Maar waar de gotische kunst opstijgt naar een christelijke God, daalt Whitehorse af naar de aardse diepten van haar voorouderlijke land.
Deze verwantschap met de middeleeuwse religieuze architectuur is geen toeval. De schilderijen van Whitehorse functioneren als liturgische ruimtes waar de toeschouwer wordt uitgenodigd tot een vorm van esthetische inkeer. Haar abstracte composities, doorkruist door zwevende tekens en symbolen, herinneren aan verluchte manuscripten waar de heilige tekst wordt vermengd met ornamentale marginalia. Elk werk wordt een hedendaags getijdenboek, een visueel brevier dat de chaos van de wereld ordent volgens de kosmische ritmes van de Navajo.
De kunstenares werkt door opeenvolgende opeenhopingen en stapelt schilderlagen zoals de glasmeesters hun polychrome glas-in-loodramen samenvoegden. Deze techniek van stratificatie creëert een optische diepte die doet denken aan de gefilterde lichtspelen van grote religieuze gebouwen. In haar recente werken, tentoongesteld op de Biënnale van Venetië 2024, met name “Typography of Standing Ruins #3”, duwt Whitehorse deze architecturale analogie tot de conceptuele grens: haar “staande ruïnes” suggereren die resten van verlaten kapellen waar de natuur haar rechten herwint, waar de menselijke kunst terugkeert naar zijn organische substraat.
Maar Whitehorse beperkt zich niet tot het nabootsen van de gotische esthetiek. Ze ondermijnt de theologische logica ervan om die te vervangen door een inheemse cosmogonie waar horizontaal belangrijker is dan verticaal, waar immanentie de incarnatie vervangt. Haar “kathedralen” zijn prairies, haar “schepen” zijn canyons, haar “gewelven” zijn de oneindige luchten van het Amerikaanse zuidwesten. Deze paradigmaverschuiving is een van de meest subversieve aspecten van haar werk: ze demonteert in stilte de westerse spirituele hegemonie door die te confronteren met een spiritualiteit die put uit de pre-christelijke bronnen van de mensheid.
Architectuur wordt bij Whitehorse een metafoor voor culturele herinnering. Net als die gotische monumenten die de sporen dragen van al hun opeenvolgende herwerkingen, bewaren haar doeken de gelaagde herinnering aan het Navajo-land. Elke schilderlaag komt overeen met een geologische periode, elk symbool met een historische gebeurtenis die in het landschap is gegrift. Deze gelaagde opvatting van schilderen maakt van Whitehorse een archeologe van het gevoelige, een ontdekkingsreiziger van zielen die de waarheden opgraaft die onder de afzettingen van kolonisatie begraven liggen.
Licht speelt in haar werken dezelfde structurele rol als in de gotische kunst: het onthult, hiërarchiseert, heiligert. Maar terwijl gotisch licht van de hemel naar de aarde neerdaalt, straalt het licht van Whitehorse uit de geologische diepten om haar composities te baden in minerale fosforescentie. Deze omkering van de lichtbron drukt perfect het verschil uit tussen een spiritualiteit van verheffing en een spiritualiteit van worteling.
De alchemie van de Amerikaanse poëzie
Als de gotische architectuur Whitehorse haar ruimtelijke vocabulaire levert, put ze haar temporale ritme uit de Amerikaanse poëzie. Haar composities roepen onweerstaanbaar de prosodie van Walt Whitman op, dat ruime en ademende ritme dat de uitgestrekte vlakten van het Amerikaanse continent omarmt. Net als de auteur van “Leaves of Grass” hanteert Whitehorse een esthetiek van kosmische inventarisatie waarin elk natuurlijk element zijn plaats vindt in een algehele symfonie.
Deze poetieke afstamming gaat verder dan louter stilistische analogie en raakt aan de filosofische fundamenten van artistieke creatie. Whitman revolutioneerde de Amerikaanse poëzie door de metrische vormen te verlaten die uit Europa waren overgenomen en een vrij vers te creëren dat de natuurlijke ritmes van spraak en landschap volgt. Evenzo bevrijdt Whitehorse de inheemse schilderkunst van de esthetische canons die door de westerse kunst zijn opgelegd om die oorspronkelijke organischeheid te herstellen waardoor kunst een verlengstuk van de natuur wordt in plaats van een imitatie.
Het Whitmaniaanse begrip van het “kosmische Zelf” krijgt bij Whitehorse een plastische vertaling. Haar abstracte zelfportretten uit de serie “Self Surrender” onthullen een artistiek subject dat oplost in de omringende natuur om zich er beter in te regenereren. Deze ontbinding van het individuele zelf in het grote kosmische Alles doet denken aan Whitmans pantheïstische extases, die momenten waarop de dichter zich “doorkruist” voelt door universele energie. Bij Whitehorse vindt deze fusie plaats via het middel van kleur: haar gloedvolle geel, haar abyssale blauw, haar aardse rood functioneren als dragers van mystieke gemeenschap met de elementaire krachten.
De techniek van Whitehorse roept via haar procesmatige en generatieve karakter de schrijfstijl van Whitman op. Zoals Whitman die constant zijn “Leaves of Grass” herschreef en uitbreidde, werkt de Navajo-kunstenares met eindeloze herhalingen en variaties op dezelfde organische motieven. Haar zaden, haar stuifmeel, haar plantaardige filamenten transformeren van het ene doek naar het andere volgens een evolutionaire logica die de natuurlijke cycli van groei en regeneratie nabootst.
Deze poëtiek van voortdurende variatie plaatst het werk van Whitehorse binnen de grote traditie van orale inheemse poëzie, waar elke voordracht de mythe actualiseert volgens de omstandigheden van de uiting.
De invloed van de Amerikaanse poëzie komt ook tot uiting in Whitehorses tijdsconcept. Zoals bij Whitman of Emily Dickinson is de tijd niet lineair maar cyclisch, gestructureerd door biologische en kosmische ritmes eerder dan door de menselijke geschiedenis. Haar recente werken uit de serie “Sanctum”, geschilderd tijdens de pandemie, onthullen deze alternatieve temporaliteit waar sociale isolatie de gelegenheid wordt voor een herverbinding met de fundamentele ritmes van het bestaan [1].
Dit poëtische tijdsconcept verklaart waarom Whitehorse elke definitieve oriëntatie van haar doeken weigert en ze voortdurend roteert tijdens het creatieve proces. Deze permanente rotatie bootst de seizoens- en dagcycli na die de temporale ervaring van inheemse mensen structureren. Elke positie van het doek onthult een ander aspect van de afgebeelde realiteit, net zoals die gedichten van Dickinson die van betekenis veranderen afhankelijk van de nadruk op een bepaald vers.
De openbaring van het microkosmos
“Mijn schilderijen vertellen het verhaal van het kennen van de aarde in de tijd, volledig, microkosmisch op een plek zijn” [2], vertrouwt Whitehorse toe in een van haar zeldzame interviews. Deze formule vat de essentie van haar artistieke aanpak samen: de oneindigheid van het kleine onthullen, het onzichtbare getij van het elementaire leven laten zien dat elk stukje territorium bezielt. Haar composities functioneren als poëtische microscopen die het onwaarneembare vergroten tot een visuele epifanie.
Deze esthetiek van het microkosmos vindt haar wortels in de jeugd van de artieste, doorgebracht met het hoeden van schapen in de uitgestrekte woestijngebieden van New Mexico. Deze vroege eenzaamheid scherpte haar waarneming van de subtiele lichtvariaties, de microbewegingen van de vegetatie, al die fijne verschijnselen die gewoonlijk aan menselijke aandacht ontsnappen. Haar werken vertalen deze sensorische hypersensitiviteit in een plastische taal van uiterste subtiliteit, waarbij elke chromatische nuance correspondeert met een bijzondere gewaarwording.
Het werk van Whitehorse onthult een intieme kennis van de ecosystemen in het zuidwesten van de Verenigde Staten die het oppervlakkige toeristische of zelfs ranch-eigenaarschap ver overstijgt. Haar verwijzingen naar endemische planten, “Ice Plant XIV”, “Needle and Thread Grass III” en “Prickly Green II”, getuigen van een bijna wetenschappelijke vertrouwdheid met de lokale flora. Maar deze botanische precisie wordt gecombineerd met een spirituele dimensie die van elke plantensoort een acteur maakt in het kosmische drama van de Navajo.
De filosofie van hózhó, centraal in de Navajo-cosmologie, vindt in het werk van Whitehorse haar meest volmaakte plastische vertaling. Dit concept, onvertalend in onze taal, duidt op de dynamische harmonie die alle levende wezens verbindt in een netwerk van subtiele onderlinge afhankelijkheden. Whitehorse materaliseert deze holistische visie door haar techniek van overlappen: haar verschillende schilderlagen interageren volgens een ecosysteemlogica waarin elk element alle andere beïnvloedt en wijzigt.
Deze systemische benadering van schilderkunst maakt van Whitehorse een pionier van de hedendaagse ecologische kunst. Vóórdat de klimaatcrisis de kunstwereld bewust maakte van milieukwesties, ontwikkelde zij een plastische taal die in staat is de onderlinge verbondenheid van alle natuurlijke fenomenen zichtbaar te maken. Haar werken functioneren als schaalmodellen van de biosfeer, picturale ecosystemen waarin nieuwe relaties tussen de mens en haar omgeving worden geëxérimenteerd.
Deze ecologische dimensie krijgt een bijzondere weerklank in de huidige context van de zesde massa-uitsterving. De fragiele evenwichten die de doeken van Whitehorse onthullen, herinneren ons aan de kwetsbaarheid van onze natuurlijke wereld en de urgentie om nieuwe manieren van samenleven met andere soorten uit te vinden. Haar kunst wordt daarmee een stille pleitbezorger voor de erkenning van de intrinsieke waardigheid van het levende, voorbij zijn nut voor de menselijke soort.
Naar een kritische synthese
Het werk van Emmi Whitehorse weerstaat aan overhaaste categoriseringen die het willen opsluiten in het ghetto van “de inheemse kunst” of het willen annexeren aan de dominante stroming van de hedendaagse abstractie. Haar eigenheid schuilt precies in dat synthesevermogen dat de meest diverse plastische tradities laat dialogeren zonder ze ooit te hiërarchiseren of tegenover elkaar te plaatsen. Zij toont aan dat het mogelijk is radicaal modern te zijn zonder haar culturele wortels te verloochenen, te vernieuwen zonder beeldenstorm.
Deze balanspositie maakt van Whitehorse een emblematische figuur van de artistieke postmoderniteit, begrepen niet als een specifieke esthetische stroming maar als een kritische houding die de grote unificerende verhalen van de westerse moderniteit verwerpt. Haar kunst biedt een alternatief voor het abstracte universalisme van de New York School door er een concreet particularisme tegenover te stellen dat interculturele communicatie niet uitsluit.
De internationale erkenning die Whitehorse nu geniet, haar opname in de Biënnale van Venetië 2024 en haar tentoonstellingen in de grootste Amerikaanse musea, getuigen van deze evolutie van de hedendaagse smaak naar inclusievere en minder eurocentrische esthetieken. Maar deze institutionele bevestiging mag niet doen vergeten hoe subversief haar werk is, haar stille in vraagstelling van de gevestigde culturele hiërarchieën.
Want de kunst van Whitehorse voert een copernicaanse revolutie uit in onze verhouding tot landschap en natuur. Waar de westerse schildertraditie haar antropocentrische blik oplegt, plaatst zij een ecocentrische visie die de mens uit zijn dominante positie verschuift om haar weer in de gemeenschap van het levende te integreren. Deze ontologische decentrering is wellicht de waardevolste bijdrage van haar werk aan de hedendaagse kunst: ons leren de wereld anders te zien dan door de prisma van onze narcistische projecties.
De nalatenschap van Whitehorse wordt minder gemeten aan de stilistische invloed die zij zou kunnen uitoefenen op de jongere generatie dan aan haar vermogen nieuwe gebieden voor esthetische ervaring te openen. Door de schoonheid van het infinitiesimale te onthullen, door plastische vorm te geven aan de spirituele intuïties van haar oorspronkelijke cultuur, door een abstracte taal uit te vinden die het onzichtbare kan zeggen, verrijkt zij ons perceptuele vocabulaire en maakt ons gevoeliger voor de subtiliteiten van de natuurlijke wereld.
Deze opvoeding van het blik is een belangrijk politiek vraagstuk op het moment dat de mensheid haar verhouding tot de biosfeer moet heruitvinden. De kunst van Whitehorse bereidt ons voor op deze noodzakelijke mutatie door die zwevende aandacht te cultiveren, die contemplatieve beschikbaarheid die het mogelijk maakt het leven in al haar vormen te waarnemen. Zij herinnert ons eraan dat kunst niet alleen een esthetisch vermaak is, maar een instrument van kennis en spirituele regeneratie.
In een wereld verzadigd met spectaculaire beelden en valse emoties bieden de schilderijen van Whitehorse een toevluchtsoord van stilte en echtheid. Ze nodigen ons uit om die perceptuele traagheid, dat meditatieve geduld terug te vinden dat toegang geeft tot de essentiële waarheden. Ze leren ons dat ware kunst niet alleen de realiteit afbeeldt, maar haar onthult in haar heilige dimensie, ons verzoenend met het fundamentele mysterie van het bestaan.
Het werk van Emmi Whitehorse vormt een waardevol tegengif tegen de ontheiliging van de hedendaagse wereld. Door de natuur haar heilige dimensie terug te geven, door de verborgen poëzie van de meest bescheiden verschijnselen te onthullen, helpt ze ons onze relatie met het reële te betoveren. Haar kunst herinnert ons eraan dat we niet alleen consumenten van beelden zijn, maar deelnemers aan de grote kosmische dialoog die alle wezens verbindt in eenzelfde gemeenschap van bestemming. Deze levensles, gegeven door een vrouw die de oeroude intuïties van haar volk wist te bewaren en ze tegelijk in de taal van de hedendaagse kunst actualiseerde, weerklinkt als een boodschap van hoop in onze onrustige tijd.
- Michael Abatemarco, “Depth of Field: Artist Emmi Whitehorse”, The Santa Fe New Mexican, 8 januari 2021
- Elisa Carollo, “Navajo Artist Emmi Whitehorse’s Symbolic Landscapes Offer a Path to Reconnection With Nature”, Observer, oktober 2024
