Luister goed naar me, stelletje snobs. Ik ga het hebben over een kunstenares die, als een ondeugende tovenares in het atelier van de kunstgeschiedenis, de traditie van het Europese portret transformeert in een boeiend surrealistisch spektakel. Ewa Juszkiewicz, dat Poolse wonderkind dat oprees uit de mist van Gdańsk, beperkt zich niet tot schilderen; ze bouwt af, heruitvindt en veroorzaakt opschudding in onze zekerheden over de vrouwelijke representatie in de kunst.
In haar atelier in Warschau, waar vintage pruiken en kostbare stoffen zich opstapelen als achter de schermen van een barok theater, orkestreert Juszkiewicz een picturale revolutie die tegelijk subtiel en radicaal is. Ze maakt zich meester van de klassieke portretcodes uit de 18e en 19e eeuw met een onberispelijke technische beheersing, maar doet dat om ze juist te ondermijnen. Haar schilderijen zijn als vergiftigde snoepjes, verleidelijk aan de oppervlakte, maar drager van een scherpe sociale kritiek.
Laten we even stilstaan bij haar techniek. Elk schilderij is een technische prestatie die meerdere weken van nauwgezet werk vraagt. Ze brengt de verf in opeenvolgende lagen aan, gebruikmakend van glacis zoals de oude meesters, en creëert oppervlakken die het licht vangen met een bijna onfatsoenlijke sensualiteit. De stoffen onder haar penseel worden levendig, de kant ademt, de glinsterende zijden hypnotiseren ons. Het is precies deze technische virtuositeit die haar interventie zo krachtig maakt; ze beheerst perfect de codes die ze kiest te overtreden.
Maar hier ontvouwt zich het ware genie van Juszkiewicz: waar de gezichten van haar vrouwelijke onderwerpen zouden moeten zijn, creëert ze spectaculaire leegtes. Massa’s haar die zijn gebeeldhouwd als hallucinante buxussen, draperieën die lijken te leven, boeketten bloemen die spontaan uit kanten kragen lijken te zijn ontsproten, maskers die tegelijkertijd verbergen en onthullen. In deze spanning tussen aanwezigheid en afwezigheid schuilt de hele kracht van haar werk.
Deze radicale artistieke daad verwijst ons direct naar de reflecties van Walter Benjamin over de technische reproduceerbaarheid van kunstwerken. In zijn fundamentele essay uit 1935 vroeg Benjamin zich af naar het begrip aura in kunst in het tijdperk van mechanische reproductie. Juszkiewicz, door historische portretten te herinterpreteren, beperkt zich niet tot reproduceren; ze blaast er een nieuwe aura in en creëert werken die zowel huldebetoningen als rebellie-acties zijn. Ze dwingt ons na te denken: wat vormt de authenticiteit van een kunstwerk? Is het de trouw aan een traditie, of het vermogen om die traditie te overstijgen om iets radicaal nieuws te creëren?
Deze kwestie van authenticiteit brengt ons bij een belangrijk aspect van Juszkiewicz’ werk: haar relatie met de geschiedenis van de vrouwelijke kunst. Ze gaat vooral in dialoog met het werk van Élisabeth Vigée Le Brun, de bijzondere portretschilderes uit de 18e eeuw die de officiële schilderes van Marie-Antoinette was. Vigée Le Brun slaagde erin zich te handhaven in een door mannen gedomineerde artistieke wereld, door portretten te creëren die, terwijl ze de conventies van haar tijd respecteerden, erin slaagden haar onderwerpen een opmerkelijke vitaliteit en aanwezigheid mee te geven. Juszkiewicz neemt deze rode draad weer op, maar weeft die in een resoluut hedendaags tapijt.
De manier waarop zij de traditionele elementen van het aristocratische portret manipuleert is bijzonder fascinerend. De weelderige kleding, de fonkelende juwelen, de elegante poses, al deze statusmarkeerders worden minutieus gereproduceerd, maar hun betekenis wordt volledig verstoord door de afwezigheid van het gezicht. Het is alsof ze ons zegt: “Kijk hoe absurd deze conventies zijn, hoe willekeurig deze codes zijn.” De stoffen die de gezichten van haar onderwerpen bedekken worden een krachtige metafoor voor de manier waarop de maatschappij de vrouwelijke individualiteit verstikt onder het gewicht van verwachtingen en conventies.
In dit eerste deel van de analyse zien we hoe Juszkiewicz de schildertraditie gebruikt als een instrument om maatschappelijke normen te deconstrueren. Maar dit is slechts het begin van haar artistieke project. Want voorbij de sociale kritiek is er iets diepers dat zich in haar doeken afspeelt: een verkenning van de aard zelf van identiteit en representatie.
Het tweede deel van haar werk dompelt ons nog dieper onder in onrustiger wateren. Want als Juszkiewicz de kunst van het verbergen meester is, blinkt ze ook uit in die van het onthullen. Haar plantaardige en textiele maskers zijn niet slechts obstakels voor onze blik, ze zijn uitnodigingen om anders te zien. Door de gezichten te vervangen door bloemstukken, verstrengelingen van haar of complexe draperieën creëert ze wat ik een “esthetiek van overstroming” zou noemen.
Dit begrip van overstroming staat centraal in haar werk. De elementen die de gezichten vervangen lijken altijd op het punt te staan de controle te ontsnappen, alsof de natuur zelf in opstand komt tegen de beperkingen van de klassieke representatie. Deze uitbarstingen van organisch materiaal herinneren aan de reflecties van Georges Bataille over het informe, die neiging van materie om de categorieën die we haar opleggen te overstijgen. In de portretten van Juszkiewicz neemt het informe juist bezit van die plek waar de westerse schildertraditie de zetel van identiteit en rede plaatst: het gezicht.
Laten we even stilstaan bij de historische betekenis van dit gebaar. In de Europese portrettraditie was het gezicht de voorkeursplaats voor de uitdrukking van individualiteit en sociale status. Vooral de portretschilders uit de 18e eeuw blonken uit in de kunst om hun onderwerpen op een zowel flatteuze als herkenbare wijze weer te geven, waardoor beelden ontstonden die tegelijkertijd dienden als sociale documenten en machtsbekrachtigingen. Door deze gezichten systematisch te wissen, beperkt Juszkiewicz zich niet tot het bekritiseren van deze traditie, ze herontwerpt haar volledig.
Haar werk nodigt ons uit om na te denken over de aard van vrouwelijke identiteit in de kunstgeschiedenis. De vrouwen die in historische portretten werden afgebeeld, werden vaak teruggebracht tot archetypen: de nobele deugdzame dame, de jonge onschuldige schoonheid, de respectabele matrones. Hun gezichten, met zorgvuldig samengestelde uitdrukkingen en geïdealiseerde trekken, waren minder representaties van individuen dan sociale maskers. Door deze gezichten te vervangen door sculpturale haarmassa’s of bloemstukken maakt Juszkiewicz expliciet wat al impliciet was in deze portretten: hun diep kunstmatige aard.
Het haar speelt in haar werk een bijzondere rol. In de 18e-eeuwse samenleving was haarstijl een belangrijke sociale marker, onderworpen aan strikte codes en veranderende mode. Vrouwen uit de hoge kringen droegen ingewikkelde kapsels die duizelingwekkende hoogtes konden bereiken, wat urenlange voorbereiding en de hulp van vele bedienden vereiste. Door deze kapsels te transformeren in maskers die letterlijk het gezicht van haar onderwerpen verslinden, verandert Juszkiewicz een symbool van sociale controle in een uitdrukking van anarchistische rebellie.
Deze transformatie is vooral duidelijk in haar werken waarin het haar een eigen leven lijkt te hebben gekregen, zich wringend en verstrengelend als Medusaanse slangen. Deze composities herinneren ons eraan dat haar altijd een spanningsveld is geweest in de voorstelling van het vrouwelijke, zowel een symbool van verleiding als een object van sociale controle. Door het haar te bevrijden van zijn historische beperkingen bevrijdt Juszkiewicz symbolisch ook haar onderwerpen van de sociale beperkingen die hen definieerden.
De manier waarop ze historische mode behandelt is net zo onthullend. De weelderige jurken, sieraden, accessoires – al deze elementen die in de oorspronkelijke portretten dienden om de sociale status van het onderwerp te bevestigen – worden met maniakale precisie gereproduceerd. Maar door ze te combineren met gemaskeerde of getransformeerde gezichten onthult ze hun diep theatrale aard. Deze kledingstukken zijn niet langer symbolen van macht en prestige, maar kostuums in een sociale maskerade.
De dialoog die Juszkiewicz aangaat met de kunstgeschiedenis beperkt zich niet tot louter toe-eigening. Ze creëert wat ik een “kritische archeologie” van het vrouwelijke portret zou noemen. Door de conventies van het verleden op te graven, stelt ze ze niet alleen bloot voor onze hedendaagse blik, maar transformeert ze ze in iets radicaal nieuws. Haar schilderijen zijn als visuele getuigenissen waarin verleden en heden zich over elkaar leggen en vermengen, waardoor beelden ontstaan die zowel vertrouwd als diep verontrustend zijn.
Deze verstoring van onze visuele verwachtingen wordt versterkt door haar onberispelijke technische beheersing. De precisie waarmee ze de traditionele elementen van het portret reproduceert, de texturen van stoffen, de glans van juwelen, de subtiliteit van huidtinten, maakt haar surrealistische interventies des te indrukwekkender. Juist omdat ze de taal van de traditionele schilderkunst meester is, kan ze die op zo’n effectieve manier ondermijnen.
Het is interessant om te zien hoe haar werk een dialoog aangaat met hedendaagse vraagstukken terwijl het diep geworteld blijft in de schildertraditie. Haar portretten spreken over zeer actuele thema’s: genderidentiteit, de macht van beelden, de sociale constructie van het vrouwelijke, maar ze doen dat via het prisma van de kunstgeschiedenis. Deze spanning tussen verleden en heden, tussen traditie en subversie, geeft haar werk een bijzondere diepte en resonantie.
De filosofische implicaties van haar werk zijn aanzienlijk. Door systematisch de gezichten van haar onderwerpen te verhullen, dwingt Juszkiewicz ons na te denken over de aard van identiteit en representatie zelf. Wat vormt een portret? Is het de fysieke gelijkenis, het vastleggen van een persoonlijkheid, of iets ongrijpbaarders? Haar werken suggereren dat identiteit misschien minder een vaste essentie is dan een reeks maskers die we dragen en uitwisselen.
Deze reflectie op de aard van het masker brengt ons terug bij de vraag naar macht en representatie in de kunst. De historische portretten die zij herinterpreteert, waren instrumenten van sociale macht, ze dienden om klasse- en genderhiërarchieën te bevestigen en te perpetueren. Door deze beelden te transformeren, bekritiseert Juszkiewicz ze niet alleen, ze herontwerpt ze als ruimtes van mogelijkheid en transformatie.
Haar werk nodigt ons uit niet alleen onze relatie tot de kunstgeschiedenis te heroverwegen, maar ook ons begrip van het heden. In een wereld die verzadigd is met beelden, waar representaties van het vrouwelijke meer dan ooit gecodificeerd en commercieel benut worden, herinneren haar gemaskerde portretten ons aan de geconstrueerde en contingentiële aard van deze representaties. Ze suggereren dat achter elk “perfect” beeld een afwezigheid, een leegte, een mogelijkheid tot subversie schuilt.
Terwijl we deze afwezige gezichten, deze plantaardige maskers en dit gebeeldhouwde haar aanschouwen, worden we uitgenodigd deel te nemen aan een vorm van visuele weerstand. Juszkiewicz laat ons zien dat het mogelijk is om de codes van het verleden toe te eigenen, niet om ze te perpetueren, maar om ze te transformeren in instrumenten van kritiek en bevrijding. Haar oeuvre herinnert ons eraan dat de meest opvallende kunst vaak die is welke traditie weet te gebruiken als een springplank naar radicale innovatie.
