Luister goed naar me, stelletje snobs, hier is een schilder die je rechtstreeks terugvoert naar je eigen verloren jeugd, naar die dromen van kleur en vrijheid die je ergens hebt achtergelaten tussen je eerste stropdas en je eerste bankrekening. Hunt Slonem, deze zoon van een marineofficier geboren in 1951 in Maine, schildert al vijftig jaar konijnen, vogels en vlinders met een obsessie die bijna heilig is. En terwijl jullie om je conceptuele installaties heen draaien en jezelf vol praten met postmoderne theorieën, doopt hij zijn penselen nog steeds in die primitieve waarheid die jullie ontgaat: de ruwe schoonheid van door kunst getemde natuur.
De man leeft letterlijk samen met zijn modellen. In zijn atelier in Brooklyn van ongeveer 3.000 vierkante meter fladdert een honderd exotische vogels vrij rond, wat die chromatische en sonore symfonie creëert die dagelijks zijn inspiratie voedt. Die samenwoning is geen artistieke caprice, maar een tastbare manifestatie van een benadering die put uit de diepste bronnen van het collectieve onbewuste. Want bij Slonem onthult elke penseelstreek die universele archetypen die Carl Jung had geïdentificeerd als de psychische fundamenten van de mensheid.
De wezens van Slonem functioneren als archetypische symbolen in de jungiaanse betekenis van het woord. De vogel, symbool van de ziel in de meeste religieuze tradities, wordt onder zijn penseel de incarnatie van die spirituele zoektocht die zijn hele werk doorkruist. Het konijn, dier van geluk en vruchtbaarheid in het populaire beeld, verandert in een repeterend mandala, die geometrische figuur die Jung beschouwde als de spontane expressie van de psychische totaliteit. Wat de vlinder betreft, levende metamorfose, belichaamt het die voortdurende transformatie die het onbewuste zoekt in zijn streven naar individuatie.
Deze repetitieve aanpak, die de kunstenaar volledig aanvaardt door te verklaren dat zijn hele leven samengevat zou kunnen worden in het woord “exotica”, is niet het resultaat van creatieve luiheid, maar van een intuïtief begrip van de diepe psychische mechanismen. Zoals Andy Warhol zijn Campbell-soepblikken herhaalde, herhaalt Slonem zijn diermotieven, maar waar Warhol de consumptiemaatschappij bevroeg, verkent Slonem de diepten van de menselijke ziel. Deze obsessieve herhaling verandert het schilderen in een actieve meditatie, in een visueel mantra dat toegang geeft tot die archaïsche lagen van de psyche die Jung het collectieve onbewuste noemde.
Henry Geldzahler, de voormalige conservator van het Metropolitan Museum, merkte terecht op dat Slonem vooral bewondering had voor Malcolm Morley, Francesco Clemente en Roberto Juarez, allemaal “exotici wier werken een spirituele aura uitstralen” [1]. Deze artistieke afstamming onthult de diepgang van een benadering die, onder een speels uiterlijk, de meest fundamentele vragen van het menselijk bestaan raakt. De hatchuren die zijn doeken bedekken als metaforische kooien zijn geen belemmeringen maar doorgangen, symbolische drempels tussen het bewuste en het onbewuste, tussen het gedomesticeerde en het wilde.
Het systematische gebruik van de techniek van kruisbestekking bij Slonem vindt overigens zijn oorsprong in een toevallige gebeurtenis. Door een longontsteking en niet in staat om met olie te werken, wendde de kunstenaar zich tot aquarel en begon het oppervlak van zijn doeken te krassen met het uiteinde van zijn penseel terwijl hij naar de kooien van zijn vogels keek. Deze techniek, ontstaan uit toeval en contemplatie, onthult de diep intuïtieve dimensie van zijn praktijk. Het roept die “oerbeelden” op die Jung beschreef als spontaan opkomend uit het onbewuste, zonder duidelijke externe oorzaak.
De verzadigde kleuren van Slonem, die zure groenen, explosieve rozen, elektrische blauwen die zijn composities tot trillen brengen, maken deel uit van deze esthetiek van overdaad die kenmerkend is voor de manifestaties van het collectief onbewuste. Jung merkte op dat archetypen zich vaak manifesteren in een schijnbare chaos, in een overvloed aan beelden en sensaties die de rationele logica overstijgen. De doeken van Slonem, met hun opeenstapeling van dierfiguren in samengeperkte ruimtes, reproduceren deze esthetiek van chaotische overvloed die kenmerkend is voor de producties van het onbewuste.
Deze spirituele dimensie vindt een opmerkelijke echo in de andere grote passie van de kunstenaar: de restauratie van historische huizen. Slonem bezit en restaureert verschillende neo-gotische stijleigendommen, waaronder een kasteel van ongeveer 6.000 vierkante meter in Massachusetts en oude plantages in Louisiana. Deze fascinatie voor de gotische architectuur onthult een bijzondere gevoeligheid voor de spirituele waarden die deze architectuurstijl uitstraalt.
De gotische architectuur, met zijn slanke gewelven, steunberen en rozetten, was ontworpen om de ziel naar het goddelijke te verheffen. Middeleeuwse kathedralen functioneerden als stenen boeken, meditatieruimtes waar elk architectonisch element deel uitmaakte van een collectieve spirituele zoektocht. Augustus Pugin, theoreticus van de gotische revival in de 19e eeuw, stelde dat deze architectuur een “morele en spirituele waarheid” weerspiegelde die de klassieke stijlen verloren hadden.
Bij Slonem blijkt deze gotische gevoeligheid in zijn opvatting van de beeldruimte. Zijn composities functioneren als huiselijke heiligdommen, privékapellen waar de herhaling van diermotieven die sfeer van bezinning creëert die eigen is aan religieuze gebouwen. De opeenstapeling van zijn “konijnenmuren”, die installaties bestaande uit honderden doeken naast elkaar, roept het effect op van gotische glas-in-loodramen: een sensorische verzadiging die de toeschouwer in een bijna mystieke staat van contemplatie brengt.
Deze architectonische dimensie van zijn werk blijkt ook uit het gebruik van oude gouden lijsten die hij op rommelmarkten heeft gevonden. Deze lijsten, vaak uit het Victoriaanse tijdperk, voegen een temporele dimensie toe aan zijn werken, waarbij een dialoog ontstaat tussen verleden en heden, tussen ambachtelijke traditie en hedendaagse creatie. Net als de architecten van de gotische revival die putten uit het middeleeuwse erfgoed om hun moderniteit te voeden, gebruikt Slonem deze historische lijsten om zijn hedendaagse visies te verankeren in de lange duur van de kunstgeschiedenis.
Het gebruik van diamantpoeder op sommige van zijn doeken maakt deel uit van deze esthetiek van sacralisatie. Deze techniek, afkomstig uit zijn samenwerkingen met Andy Warhol, transformeert zijn dieren in fonkelende iconen, in kostbare relieken die doen denken aan de decoratieve kunsten van Byzantijnse kerken of middeleeuwse verluchtingen met goudverf. Deze decoratieve dimensie is niet oppervlakkig maar voldoet aan een diepe logica: die van de transfiguratie van het alledaagse door kunst.
John Ashbery, dichter en kunstcriticus, beschreef de werken van Slonem als “prachtige explosies van het veranderlijke leven dat ons omringt en alleen maar bekeken hoeft te worden om tot leven te komen” [2]. Deze animatie, dit leven dat opwelt uit contemplatie, onthult de werkelijk spirituele dimensie van dit schilderij. Het functioneert als die Tibetaanse mandala’s die de monniken vernietigen nadat ze zijn gemaakt, herinnerend aan de vergankelijkheid van alles en de noodzaak om een nieuwe blik op de wereld te cultiveren.
Slonems schilderkunst weerstaat de traditionele esthetische categorieën. Ze beweegt zich tussen figuratie en abstractie, tussen bewuste naïviteit en technische verfijning, tussen populaire kunst en geleerde kunst. Deze liminale positie, deze permanente tussentoestand, kenmerkt de werken die putten uit de bronnen van het collectieve onbewuste. Jung merkte op dat archetypen zich vaak manifesteren in deze onbepaalde zone waar tegengestelden elkaar ontmoeten en verzoenen.
De invloed van Warhol op Slonem mag de fundamentele verschillen in hun benaderingen niet verbergen. Waar Warhol mechanisch de beelden van de consumptiemaatschappij reproduceerde, schildert Slonem ieder doek met de hand, waardoor de ambachtelijke traditie levend blijft die de hedendaagse kunst grotendeels heeft verlaten. Deze trouw aan het picturale gebaar, deze weerstand tegen de ontstoffelijking van de kunst, plaatst zijn werk in de traditie van de grote Amerikaanse coloristen, van Milton Avery tot Alex Katz.
Zijn portretten van Abraham Lincoln, een andere terugkerende serie, onthullen een subtiele maar reële politieke dimensie. Door de gemartelde president te transformeren tot een pop-icoon, bevraagt Slonem de mechanismen van constructie van nationale mythologieën. Lincoln wordt bij hem een vaderlijk archetype, een beschermfiguur van een geïdealiseerd Amerika waar rechtvaardigheid en mededogen zouden heersen. Deze serie vormt een dialoog met Warhols Marilyns, maar waar die de beroemdheid en de dood bevroeg, verkennen Slonems Lincolns het collectieve geheugen en de heroïsering.
De internationale erkenning van Slonem, aanwezig in meer dan 250 musea wereldwijd, getuigt van de universaliteit van zijn boodschap. Zijn dieren spreken alle talen, overschrijden alle culturele grenzen. Ze activeren die diepe resonanties die Jung identificeerde als sporen van onze gemeenschappelijke evolutionaire erfenis. Voor een Slonem-schilderij deelt de westerse toeschouwer dezelfde emoties als de Aziatische of Afrikaanse toeschouwer: die onmiddellijke vreugde, die instinctieve herkenning die wordt veroorzaakt door de door kunst getransfigureerde dierlijke schoonheid.
Deze universaliteit verklaart ook het commerciële succes van de kunstenaar bij verzamelaars zo divers als Sharon Stone, Julianne Moore of leden van de familie Kardashian. Voorbij de modetrends onthult deze aanhang een diepgaande behoefte van onze tijd: die van een authentiek contact met de natuur terug te vinden in een steeds meer geartificialiseerde wereld. De dieren van Slonem functioneren als beschermtotems, symbolische wachters die onze verbondenheid met het rijk van het levende herinneren.
De recente evolutie van zijn werk naar sculptuur en installatie, met name met “Huntopia” in de Botanische Tuin van San Antonio, bevestigt deze milieudimensie van zijn aanpak. Deze monumentale werken, samengesteld uit duizenden stukken gekleurd glas, creëren heiligdommen gewijd aan bedreigde biodiversiteit. Ze functioneren als seculiere kathedralen waarbij kunst de religie vervangt in haar missie om het natuurlijke heilige te vieren.
De intellectuele kritiek verwijt Slonem vaak zijn schijnbare gemak, zijn afwijzing van de conceptuele complexiteit die het dominante hedendaagse kunst kenmerkt. Deze kritiek mist het essentiële: de kunst van Slonem richt zich niet in de eerste plaats op het verstand, maar op de zintuigen en de ziel. Hij activeert die primitieve emotionele circuits die onze technische beschaving grotendeels heeft verzwakt. Daarmee sluit hij aan bij de bezorgdheden van Jung, die de disconnectie van de moderne mens met zijn collectief onbewuste betreurde.
De spontaneïteit die de kunstenaar opeist, en die stelt nooit te weten wat hij zal schilderen wanneer hij zijn atelier binnenkomt, maakt deel uit van deze esthetiek van onmiddellijkheid die de producten van het onbewuste kenmerken. Zoals de surrealisten automatische schrift beoefenden om de rationele censuur te omzeilen, beoefent Slonem een automatische schilderkunst die de scheppende krachten van de instinct laat spreken.
Deze intuïtieve benadering mag de technische verfijning van zijn werken niet verbergen. Het gebruik van kleur, de beheersing van zijn verfopbouw, de subtiliteit van zijn composities onthullen een kunstenaar die zich volledig bewust is van zijn plastische middelen. Deze alliantie tussen spontaniteit en technische beheersing kenmerkt grote schilderachtige temperamenten, van Van Gogh tot de Kooning.
Slonems inzet voor het behoud van het historische architecturale erfgoed getuigt van een scherp bewustzijn van de verantwoordelijkheid van de kunstenaar ten opzichte van het collectief geheugen. Door deze bedreigde woningen te restaureren, werkt hij aan het behoud van wat Jung de “pre-existente vormen” van de cultuur noemde. Deze architecturen uit het verleden functioneren als reservoirs van archetypen, symbolische matrices die de hedendaagse verbeelding voeden.
Zijn project om zijn eigendommen om te vormen tot musea onthult een genereus begrip van kunst als gemeenschappelijk goed. In een tijd waarin hedendaagse kunst zich vaak terugtrekt tot beperkte kring van ingewijden, houdt Slonem deze democratische traditie levend die verlangt dat schoonheid voor iedereen toegankelijk is. Zijn “konijnenmuren” functioneren als volksfeesten, kleurrijke carnavalachtige vieringen die het oog verblijden voordat ze de ziel ontroeren.
Deze feestelijke dimensie van zijn kunst mag zijn spirituele diepgang niet doen vergeten. Achter de ogenschijnlijke eenvoud van zijn motieven schuilt een voortdurende meditatie over de mysteries van het bestaan. Zijn dieren zijn zoveel vragen gesteld aan de zin van het leven, zoveel uitnodigingen om het deel van de kindertijd te herontdekken dat in ieder van ons blijft bestaan ondanks de wonden van de tijd.
De kunst van Hunt Slonem herinnert ons eraan dat schilderen, voordat het een discours is, vooral een zintuiglijke ervaring is. Zijn doeken functioneren als geluksmachines, generatoren van positieve emotie die rechtstreeks werken op ons zenuwstelsel. Ze heractiveren die circuits van esthetisch plezier die conceptuele kunst grotendeels heeft verwaarloosd, en herstellen die kathartische functie die kunst vervulde in traditionele samenlevingen.
Deze bijzondere positie in het hedendaagse kunstlandschap maakt van Slonem een bruggenbouwer tussen werelden. Bruggenbouwer tussen volkskunst en academische kunst, tussen traditie en moderniteit, tussen Amerika en Europa, tussen bewustzijn en onbewustzijn. Zijn oeuvre belichaamt het vermogen van ware kunst om tegengestelden te verzoenen, eenheid te scheppen in verscheidenheid.
Het is duidelijk dat Hunt Slonem een onmogelijke uitdaging is gelukt: trouw blijven aan een persoonlijke visie terwijl hij een internationaal publiek weet te bereiken, de schildertraditie levend houden terwijl hij een originele beeldtaal uitvindt, de natuurlijke schoonheid vieren terwijl hij de hedendaagse uitdagingen ter discussie stelt. Zijn kunst leert ons dat schijnbare eenvoud verborgen diepten kan bevatten, dat herhaling betekenis kan creëren, dat instinct de hand zekerder kan leiden dan alle concepten.
In een tijdperk dat wordt gekenmerkt door ecologische en spirituele crisissen, biedt de kunst van Slonem een tijdelijke toevlucht, een kleurrijke vredeshaven waar de mensheid zijn dierlijke wortels en zijn heilige dimensie kan herontdekken. Zijn springende konijnen, kleurrijke vogels en fonkelende vlinders herinneren ons eraan dat we deel uitmaken van dit grote boek van de natuur waarvan wij slechts één pagina zijn. Door ons te herverbinden met deze universele archetypen nodigen ze ons uit om dat goddelijke deel te herontdekken dat in elk levend wezen sluimert.
- Henry Geldzahler, geciteerd in de officiële biografie van Hunt Slonem, website bezocht in juni 2025
- John Ashbery, kunstcriticus, geciteerd in de officiële biografie van Hunt Slonem, website bezocht in juni 2025
