Luister goed naar me, stelletje snobs. Hier is een kunstenares die het verdient om gestopt te worden, bekeken te worden, en eindelijk te begrijpen wat het werkelijk betekent om geschiedenis te schilderen in 2025. Lubaina Himid is geen gewone kunstenares. Zij is een cartograaf van het onzichtbare, een vertelster die de codes van representatie heruitvindt om gestalte te geven aan degenen die uit de officiële verhalen zijn gewist.
Geboren in Zanzibar in 1954, geëmigreerd naar Groot-Brittannië op vier maanden leeftijd, draagt Himid in zich deze fundamentele ervaring van verplaatsing die haar gehele oeuvre doordrenkt. Afgestudeerd in theaterontwerp aan het Wimbledon College of Art in 1976, en daarna in culturele geschiedenis aan het Royal College of Art in 1984, ontwikkelde zij een unieke benadering waarin scenografie en historische schilderkunst samenkomen. Want daar gaat het echt om: Himid heruitvindt de historische schilderkunst, dit nobele genre bij uitstek van de westerse kunst, om daarin de vergeten figuren van de Afrikaanse diaspora op te nemen.
De architectuur van het collectieve geheugen
Haar loopbaan als kunstenaar-curator in de jaren 1980 toonde een scherp bewustzijn van representatievraagstukken. Met tentoonstellingen zoals “The Thin Black Line” in het Institute of Contemporary Arts in Londen in 1985 beperkt zij zich niet tot tonen: zij bouwt een ruimte van zichtbaarheid voor zwarte Britse kunstenaressen. Deze curatoriële dimensie van haar werk is niet bijkomstig; het structureert haar artistieke denken als een echt architectonisch project.
Architectuur vormt dan ook de eerste conceptuele draad die door Himids oeuvre loopt. Maar het gaat niet om monumentale architectuur van machtsgebouwen. Neen, Himid is geïnteresseerd in architectuur van het intieme en het alledaagse, die de leef- en overlevingsruimtes organiseert. Haar installaties zoals “Naming the Money” (2004) veranderen de tentoonstellingsruimte in een theater van het geheugen, waar honderd uitgeknipte silhouetten de Afrikanen belichamen die in de Europese hoven van de 18e eeuw tot slaaf zijn gemaakt. Elk figuur draagt een naam, een identiteit, een functie: hondenopleider, speelgoedmaker, cartograaf, dansmeester, musicus, schilder. De kunstenares hergeeft deze door de officiële geschiedenis verpletterde levens een narratieve architectuur.
Deze architecturale benadering van het geheugen vindt haar meest volmaakte expressie in haar recente “strategy paintings” getoond in “Make Do and Mend” in 2024. Deze doeken beelden zwarte figuren af die rond tafels zitten en kleine voorwerpen manipuleren die bronnen, gebieden en hele bevolkingen vertegenwoordigen. Architectuur wordt hier de architectuur van macht: wie mag er aan tafel zitten? Wie blijft staan? Wie beslist over het lot van anderen? In “Bitter Battles” (2023) onthullen de op de tafel geplaatste citroenen in verschillende opstellingen, kooien, sokkels en lege ruimtes, de onzichtbare hiërarchieën die onze samenlevingen structureren. Himid demonteert zo de architectuur van de macht om de meest verraderlijke mechanismen te onthullen.
De huiselijke ruimte neemt ook een centrale plaats in binnen deze architecturale reflectie. Haar recente schilderijen, zoals de serie “How May I Help You?” (2025), tonen straatverkopers in hun dagelijkse interacties met kopers. Deze ogenschijnlijk eenvoudige scènes onthullen in werkelijkheid een complexe geografie van sociale relaties, een onzichtbare architectuur van machtsverhoudingen die zich in de openbare ruimte afspelen. “Ik ben absoluut geobsedeerd door de dagelijkse handeling van het kopen en verkopen van gewone dingen”, zegt de artieste [1]. Deze obsessie toont een diepgaand begrip van hoe de sociale architectuur zich ontvouwt in de eenvoudigste gebaren.
De invloed van haar achtergrond in theaterontwerp valt op te maken uit deze ruimtelijke benadering. Himid ontwerpt haar tentoonstellingen als scènes waarbij de toeschouwer acteur wordt. De tentoonstelling uit 2021 in de Tate Modern was expliciet opgevat als “een reeks scènes ontworpen om bezoekers in het middelpunt van het toneel en achter de schermen te plaatsen” [2]. Deze dramaturgie van de ruimte onthult een architectonisch begrip van kunst als een meeslepende en transformerende ervaring.
Maar architectuur bij Himid beperkt zich niet tot de organisatie van fysieke ruimte. Ze structureert ook de temporaliteit van haar werken. Haar beschilderde panelen, verticale formaten die doen denken aan muzikale maatstaven, creëren een visueel ritme dat de tentoonstellingsruimte ordent als een partituur. In de serie “Aunties” (2023) vormen vierenenzestig stukken hout gevonden nabij haar atelier een sterrenbeeld van vrouwelijke aanwezigheid die de traditionele architectuur van de galerie herdefinieert. Deze “tantes”, beschermvrouwen uit vele niet-Europese culturen, creëren een intieme en beschermende ruimte in het hart van de kunstinstelling.
De drijvende gebieden van de poëzie
Het andere concept dat door Himids werk stroomt, behoort tot de poëzie, niet als literaire genre, maar als een bijzondere wijze van betrekking tot taal en beeld. Himid ontwikkelt een visuele poëtica die werkt via condensatie, metafoor en verplaatsing, drie fundamentele operaties van poëtisch schrijven toegepast op het beeldende veld.
De condensatie eerst. In haar doeken draagt elk element een maximale symbolische lading. De stoffen die ze in haar schilderijen verwerkt zijn nooit louter decoratief: ze dragen familiale herinneringen, textieltradities, culturele codes mee. “Motieven en kleding zijn belangrijk in mijn schilderijen. Jurken zijn een middel voor vrouwen om hun persoonlijkheid aan elkaar en aan de toeschouwer te tonen”, legt ze uit over “Between the Two my Heart is Balanced” [3]. Deze poëtische condensatie verandert elk textielfragment in een synecdoche van een hele cultuur.
De metafoor vervolgens. Himids werk functioneert door voortdurende metaforische verschuivingen. In “The Carrot Piece” wordt de wortel die door een blanke man wordt getoond tegenover een zwarte vrouw die wegloopt, een metafoor voor de valse beloften van erkenning aan zwarte artiesten. In de serie “Le Rodeur” (2016) verandert het slavenhandelsschip in een ruimte van verzet en creatie. Deze metaforische verschuivingen onthullen een poëtisch denken dat letterlijke interpretatie weigert ten gunste van veelzinnigheid.
De verplaatsing tenslotte. Himid maakt in haar werken constante temporele verplaatsingen. “De personages bevinden zich niet altijd in dezelfde tijdszone of historische zone”, benadrukt ze. “Ze kruisen elkaar door de tijd en spreken met elkaar (en met u) over hoe het verleden aanwijzingen voor het heden bevat, en een plaats is van potentiële actie” [4]. Deze zwevende temporaliteit kenmerkt het poëtische denken dat een lineaire chronologie afwijst ten voordele van een gelaagde temporaliteit.
Deze poëtische benadering vindt haar meest verfijnde uitdrukking in haar samenwerking met Magda Stawarska, haar partner en artistiek medewerker. Hun installatie “Slightly Bitter” (2025) in Kettle’s Yard onderzoekt de fragmentarische correspondentie tussen schrijfster Sophie Brzeska en kunstenares Nina Hamnett aan het begin van de 20e eeuw. Dit werk werkt met poëtische montage, waarbij geluiden, schilderijen, vondsten en ansichtkaarten worden samengevoegd om een relatie te doen herleven die door de Geschiedenis is uitgewist. “Deze installatie is geen documentaire, het gaat over gesprekken, vertalingen en uitwisselingen”, aldus Himid. Deze poëtiek van het spoor en het fragment onthult een diep moderne gevoeligheid voor de discontinuïteit van historische ervaring.
De geluidsdimensie van deze samenwerking met Stawarska verrijkt aanzienlijk de visuele poëtiek van Himid. De geluidscomposities van Stawarska functioneren niet als slechts een eenvoudige begeleiding, maar als een poëtisch tegenwicht voor de geschilderde beelden. In “Naming the Money” creëren de stemmen die de Afrikaanse en Europese namen van de afgebeelde figuren uitspreken een polyfonie van herinneringen die de emotionele lading van de installatie vermenigvuldigt. Deze synergie tussen geluid en beeld onthult een poëtisch begrip van kunst als totale kunst.
De poëtiek van Himid voedt zich ook met haar fascinatie voor alledaagse voorwerpen die door de schilderkunst worden getransfigureerd. Haar beschilderde keramiek uit de serie “Swallow Hard: the Lancaster Dinner Service” (2007) transformeert het huishoudelijk servies tot drager van historische herinnering. Deze borden, versierd met motieven die verwijzen naar de slavenhandel, ondermijnen de decoratieve functie van het porselein en maken er een kritisch medium van. Deze poëtiek van transfiguratie onthult een bijzondere gevoeligheid voor de magische dimensie van kunst.
Het gebruik van kleur door Himid is ook kenmerkend voor een bijzondere poëtiek. Haar stralende gele, diepe rode en intense blauwe tinten streven niet naar waarschijnlijkheid, maar naar expressieve intensiteit. Zoals criticus Fred Moten opmerkte, wordt haar “viering van de kleur” de “ultieme plechtigheid”. Deze chromatische poëtiek transformeert het schilderij in een lied van verzet en bevestiging.
De strategie van het zichtbare
Himids recente werk toont een opmerkelijke artistieke volwassenheid in haar vermogen om deze verschillende benaderingen te synthetiseren. Haar “strategy paintings” uit 2023 vormen in dit opzicht een hoogtepunt in haar reflectie op de relaties tussen macht, representatie en verzet. Deze doeken tonen onderhandelingsscènes waarin zwarte figuren symbolische objecten manipuleren op tafels. De architectuur van deze composities, de plaatsing van de lichamen in de ruimte, de geometrie van de tafels en de verdeling van de objecten onthullen de onzichtbare mechanismen van politieke en economische macht.
In “Predicting Positions” (2023) doen de maquettes op de tafel denken aan zonnestelsels, een ironische verwijzing naar de koloniale ambities van sommige van onze hedendaagse oligarchen. Dit werk is een bijzonder scherpe kritiek op de heersende klasse en haar neiging om degenen die ze bestuurt te ontmenselijken. Himid stelt een fundamentele vraag: wat verliezen we als we accepteren dat we worden gereduceerd tot manipuleerbare gegevens op een strategieertafel?
De serie “Aunties” (2023) onthult een andere kant van deze artistieke volwassenheid. Deze vierenzestig beschilderde panelen transformeren de tentoonstellingsruimte in een vergadering van beschermherenfiguren. Elke “tante” heeft haar eigen eigenaardigheid, texturen van gevonden hout, gekleurde stoffen en geschilderde motieven, terwijl ze samen een samenhangend geheel vormen. Dit werk slaagt erin het huzarenstukje te leveren om individualiteit en collectiviteit, eigenheid en gemeenschap te verzoenen.
De late maar glanzende erkenning van haar werk, Turner Prize in 2017, Commandeur van de Orde van het Britse Rijk (CBE) in 2018, tentoonstelling in Tate Modern in 2021 en vertegenwoordiging van Groot-Brittannië op de Biënnale van Venetië in 2026, mag de volharding van haar kritische benadering niet overschaduwen. Op meer dan zeventigjarige leeftijd blijft Himid de machtsverhoudingen met dezelfde scherpzinnigheid bevragen als in haar beginjaren. “We hebben een kans gemist”, vertrouwt ze toe over de jaren 1980 en 1990. “We hadden ons ten doel gesteld ons werk aan zoveel mogelijk mensen te tonen. Maar we dachten er niet aan om het te verkopen. Dat kwam niet in ons op” [5].
Deze kritische helderheid over de mechanismen van de kunstmarkt toont een kunstenares die niets heeft verloren van haar vermogen tot politieke analyse. Haar installatie voor de Biënnale van Venetië 2026 belooft een beslissend moment te worden om de relevantie van haar boodschap in de hedendaagse geopolitieke context te meten.
De groeiende invloed van Himid op de nieuwe generaties kunstenaars getuigt van de juistheid van haar visie. Haar vermogen om politieke betrokkenheid en esthetische excellentie te verbinden biedt een zeldzaam voorbeeld in het hedendaagse kunstlandschap. Ze toont aan dat het mogelijk is een sterke politieke stem te voeren zonder afbreuk te doen aan formele en conceptuele complexiteit.
Haar verbondenheid met Preston, waar ze sinds 1991 woont, onthult ook een territoriale dimensie van haar betrokkenheid. “Het is een kleine stad, maar ze werkt voor ons”, legt ze uit. Deze lokale verankering van haar praktijk, ver weg van de artistieke centra van Londen, getuigt van een wil tot decentralisatie die overeenkomt met haar algemene esthetische benadering.
Het werk van Lubaina Himid vormt een van de meest significante bijdragen aan de Britse hedendaagse kunst van de afgelopen veertig jaar. Ze slaagt erin formele innovatie en politieke betrokkenheid, esthetisch onderzoek en historische bewustwording te verzoenen. Haar schilderijen, installaties en samenwerkingen tonen een kunstenares die voortdurend haar plastische taal weet te heruitvinden om de kwesties van haar tijd te bevragen.
Haar vermogen om een hoge formele eis te handhaven terwijl ze een radicale politieke boodschap draagt, maakt haar tot een unieke figuur in het internationale kunstlandschap. De architectuur van haar installaties en de poëtiek van haar schilderijen ontsluiten onontgonnen gebieden voor de hedendaagse representatie. Himid herinnert ons eraan dat kunst nooit neutraal is, dat het altijd bijdraagt aan de constructie van de wereld waarin we leven. Door de onzichtbaren van de Geschiedenis vorm te geven, helpt ze een rechtvaardigere en menselijkere wereld op te bouwen. Daarom overstijgt haar werk de kunstwereld ruimschoots en raakt het de meest urgente politieke en ethische kwesties van onze tijd.
- Wallpaper, “Lubaina Himid en Magda Stawarska’s nieuwe tentoonstelling in Kettle’s Yard zal de ontbrekende verhalen in de alledaagse levensverhalen onthullen”, juni 2025
- Tate Modern, “Lubaina Himid”, tentoonstellingscatalogus, november 2021
- Tate Kids, “Wie is Lubaina Himid?”, 2021
- Greene Naftali Gallery, “Lubaina Himid”, artistieke biografie, 2024
- The Guardian, “Kunstenaar Lubaina Himid: ‘De YBAs waren gericht op het verkopen van kunst. Wij hadden geen idee dat dat de manier was om het te doen'”, maart 2025
