Luister goed naar me, stelletje snobs: Nan Haiyan overstijgt al uw kleine vooropgezette categorieën over wat hedendaagse Chinese schilderkunst zou moeten zijn. Geboren in 1962 in het district Pingyuan in Shandong, heeft deze professionele schilder van de Peking Academie voor Schilderkunst in meer dan drie decennia een oeuvre opgebouwd dat de contouren van het figuratieve realisme in inkt en kleur herdefinieert. Zijn representaties van het Tibetaanse volk zijn noch goedkope exotiek, noch toeristisch folklore, maar een diepe meditatie over de menselijke conditie die zijn wortels vindt in een dubbele artistieke en filosofische afkomst.
De erfenis van Millet en de spiritualiteit van arbeid
De invloed van Jean-François Millet op de kunst van Nan Haiyan gaat verder dan een loutere stilistische verwijzing en bereikt een diepe spirituele gemeenschap met het ideaal van sociaal realisme. Zoals Millet in het werk op het veld een vorm van profane gebed zag, vindt Nan Haiyan in de dagelijkse gebaren van Tibetanen een authentieke spiritualiteit die zijn doeken doordrenkt.
Toen Millet “Het Angelus” of “De Gelaarsde Maagden” schilderde, veranderde hij de eenvoudige arbeiders in bijna bijbelse figuren [1]. Deze transfiguratie van het prozaïsche vindt een indrukwekkend weerklank in de werken van Nan Haiyan zoals “Devotie” of “Schitterende Zon”. In deze composities worden de door hoogte en elementen geharde gezichten dragers van een universele waarheid over menselijke waardigheid. Nan Haiyan deelt met de Franse meester deze zeldzame gave om in het particuliere het universele te vangen, in het lokale het kosmische.
Maar waar Millet verankerd bleef in zijn Normandische geboortegrond, voert Nan Haiyan een geografische en culturele verschuiving naar het Tibetaanse hoogplateau uit. Deze thematische migratie is geen toeval: ze onthult een vergelijkbare zoektocht naar authenticiteit in een veranderende wereld. Als Nan Haiyan zegt: “Ik schilder mijn eigen gevoelens over dit onderwerp”, spreekt hij het denken van Millet na, die ervaring boven academische idealisering stelde.
De schildertechniek van Nan Haiyan, een gedurfde mix van traditionele inkt en westerse acryl, materialiseert deze filosofische synthese. Zoals Millet de conventies van de École des Beaux-Arts verbrak om zijn eigen taal te creëren, verlaat Nan Haiyan de conceptuele routines van de traditionele Chinese schilderkunst om nieuwe expressieve gebieden te verkennen. Zijn gekleurde impasto’s geven de Tibetaanse lichamen een sculpturale dichtheid die doet denken aan de monumentaliteit van de boeren van Barbizon.
Deze verwantschap met Millet blijkt ook uit de keuze van kaders en composities. Het gebruik van close-ups, de monumentaliteit van eenvoudige figuren, de prioriteit die aan uitdrukking boven anekdote wordt gegeven: het zijn allemaal methodes die Nan Haiyan leent uit het arsenaal van Millet om zijn eigen visuele poëtiek op te bouwen. In “Gebed” roept het gebaar van de hand die naar de hemel wordt geheven direct “Het Angelus” op, maar dan gesitueerd in een culturele context waar de boeddhistische meditatie het christelijke gebed vervangt.
Deze filosofische verwantschap gaat dieper dan de oppervlakte: ze raakt aan een gemeenschappelijk opvatting van kunst als onthuller van sociale waarheden. Toen Millet de adel van de eenvoudigen liet zien, bereidde hij een veranderde blik op de arbeidersklasse voor. Evenzo draagt Nan Haiyan, door de Tibetanen weer te geven met die ingetogen waardigheid, zonder folklore of pittoresk, bij aan de erkenning van hun volledige menselijkheid. Zijn realisme wordt zo een politieke daad, discreet maar beslist.
De vijfentwintig jaar die Nan Haiyan besteedt aan zijn Tibetaanse omzwervingen maken hem tot de hedendaagse erfgenaam van die traditie van Millet als schilder-waarnemer. Zijn doeken functioneren als een collectief dagboek, waarin anonieme gezichten elkaar opvolgen die de geschiedenis van een volk in zich dragen. Deze documentaire benadering, vrij van sensatiezucht, sluit direct aan bij het Franse sociale realisme van de 19e eeuw.
Het kleurgebruik bij Nan Haiyan onthult eveneens deze diepe verwantschap. Zijn gedempte roodtinten, aardse okers en diepe blauwen roepen het palet van Millet op, maar verrijkt met de specifieke harmonieën van het Tibetaanse plateau. Deze kleurgetrouwheid aan het afgebeelde milieu getuigt van dezelfde eis tot waarheid: schilderen wat men ziet, zonder kunstgrepen of idealisering.
De auteursfilm en de poëtica van het dagelijks leven
De tweede artistieke lijn die het werk van Nan Haiyan doordringt, vindt haar oorsprong in de esthetiek van de auteurscinema, vooral in het vermogen om uit het alledaagse een diepgaande poëzie te destilleren. Zijn composities functioneren als stilstaande shots uit een contemplatieve film, waarin iedere figuur lijkt gevangen in een moment van tijdsopschorting.
Deze cinematografische benadering komt eerst tot uiting in de behandeling van het licht. Nan Haiyan hanteert contrasten met de subtiliteit van een director of photography, waarbij hij sferen creëert die de actie onmiddellijk situeren in een specifieke tijd en plaats. In “Terre pure” doet het schuine licht dat de gezichten streelt denken aan de verfijnde belichting van een Tarkovski of Hou Hsiao-hsien. Deze beheersing van de verlichting transformeert ieder doek tot een virtuele filmset.
De composities van Nan Haiyan getuigen ook van deze cinematografische invloed. Zijn werken verkiezen vaak krappe kaders van gezichten, zoals close-ups in de auteurscinema die de innerlijkheid van de personages onthullen. In “Attente” beslaat het gezicht van de oudere vrouw bijna het hele doek, wat een ontregelende intimiteit schept met de toeschouwer. Deze gedwongen nabijheid roept een onmiddellijke emotie op die verder gaat dan louter voorstelling en pure empathie bereikt.
De invloed van cinema is ook terug te vinden in de narratieve opbouw van zijn werken. Net als auteursfilms de voorkeur geven aan ellips en suggestie boven explicietheid, bouwt Nan Haiyan zijn composities rond opgeschorte momenten, onafgemaakte gebaren en in het niets verloren blikken. Deze schilderachtige “tijdsluiken” creëren een projectieruimte voor de toeschouwer, die de gesuggereerde verhaallijn mentaal aanvult.
De serie moeders en kinderen van Nan Haiyan functioneert in het bijzonder volgens deze cinematografische logica. Elk doek zou een freeze frame kunnen zijn uit een lange film over het Tibetaanse moederschap. Tedere gebaren, samenzweerderige blikken, beschermende houdingen: alles draagt bij aan het scheppen van een visuele grammatica van moederlijke liefde die haar equivalenten vindt in de hedendaagse auteurscinema.
Deze filmische dimensie verklaart ook het bijzondere gebruik dat Nan Haiyan maakt van de achtergrond. In tegenstelling tot de Chinese schildertraditie die vaak neutrale of gestileerde achtergronden prefereert, bouwt hij zijn decors met de precisie van een decorontwerper. Bergen, weilanden, traditionele architecturen: elk contextueel element draagt bij aan de constructie van betekenis, en creëert een emotionele geografie die de actie stevig verankert in zijn specifieke omgeving.
De bijzondere temporaliteit van zijn werken onthult ook deze verwantschap met auteurscinema. Zijn personages lijken gevangen in ogenblikken van eeuwigheid, alsof de tijd rondom hen tot stilstand is gekomen. Deze tijdsverlenging, kenmerkend voor contemplatieve cinema, transformeert elk doek in een meditatie over duur en onbestendigheid.
De invloed van filmmontage is waarneembaar in de manier waarop Nan Haiyan de elementen van zijn composities organiseert. Zoals een regisseur zijn scènes volgens een precieze narratieve logica ordent, verdeelt de schilder de kleurvlakken en volumes volgens een verfijnd visueel ritme. In “Chants qui évoquent la mémoire” creëert de afwisseling tussen scherpe en wazige zones een oogbeweging die de lezing van het werk begeleidt volgens een vooraf bepaald parcours.
Deze filmische benadering stelt Nan Haiyan in staat om het eenvoudige etnografisch portret te overstijgen en een ware visuele wereld te construeren. Zijn Tibetanen zijn geen eenvoudige modellen die poseren voor een schilder, maar natuurlijke actoren die zich bewegen in hun authentieke omgeving. Deze natuurlijkheid, die hij met moeite heeft verworven tijdens zijn herhaalde verblijven in de regio, verleent zijn werken een zeldzame documentair geloofwaardigheid.
De invloed van auteurscinema komt ten slotte tot uiting in de behandeling van stilte en bewegingloosheid. Zoals grote filmmakers pauzes weten te gebruiken om emotie te creëren, bouwt Nan Haiyan zijn composities rond momenten van bezinning en meditatie. Zijn personages lijken bezield door een intense innerlijke levenswereld die doorschemert in hun geconcentreerde uitdrukkingen.
Een artistieke synthese ten dienste van het universele
De grootsheid van Nan Haiyan ligt in zijn vermogen om deze twee artistieke erfenissen te verenigen, het sociale realisme van Millet en de hedendaagse filmische esthetiek, ten dienste van een coherente en persoonlijke artistieke visie. Deze synthese is geen oppervlakkig eclectisme, maar een diepgaande expressieve noodzaak.
Zijn artistieke parcours getuigt van deze voortdurende zoektocht naar authenticiteit. Oorspronkelijk opgeleid in de traditionele Chinese technieken, heeft hij zijn expressieve palet geleidelijk uitgebreid om invloeden van de westerse schilderkunst te integreren. Deze evolutie vormt geen verraad aan zijn oorsprong, maar een methodische verrijking van zijn expressiemiddelen.
De internationale erkenning van zijn werk, gematerialiseerd door zijn prijzen en tentoonstellingen, bevestigt de relevantie van deze synthese. Zijn werken spreken tegelijkertijd liefhebbers van traditionele Chinese kunst en westerse verzamelaars aan, wat bewijst dat ze culturele barrières overstijgen om het universele te bereiken.
De recente evolutie van zijn werk naar Nepalese en Indiase thema’s toont de artistieke rijpheid van Nan Haiyan. Langs specialistische Tibetaanse invalshoek, verkent hij nieuwe geografische en culturele gebieden terwijl hij zijn benaderingsmethode en artistieke filosofie behoudt. Deze thematische uitbreiding getuigt van een intellectuele nieuwsgierigheid die zijn kunst in voortdurende evolutie houdt.
Zijn invloed op de jonge generatie Chinese schilders bevestigt de historische relevantie van zijn aanpak. Door te laten zien dat het mogelijk was om traditie en moderniteit, Oost en West, academisme en innovatie te verzoenen, heeft Nan Haiyan nieuwe wegen geopend voor de Chinese hedendaagse kunst.
De spirituele dimensie van zijn werk, nooit opzichtig maar altijd aanwezig, vormt waarschijnlijk het meest ontroerende aspect van zijn kunst. In een wereld gedomineerd door consumptie en oppervlakkigheid bieden zijn doeken eilanden van meditatie en diepte die herinneren aan de oorspronkelijke roeping van kunst: het onzichtbare zichtbaar maken in het zichtbare.
Uiteindelijk profileert Nan Haiyan zich als een van de essentiële schakels tussen de traditionele Chinese kunst en de geglobaliseerde hedendaagse uitingen. Zijn oeuvre vormt een brug tussen tijdperken en culturen, en toont aan dat authentieke kunst geen grenzen kent en niet gebonden is aan tijd.
- Shao Dazhen, een erkende kunstcriticus, analyseert de realistische technieken van Nan Haiyan in zijn commentaren over de evolutie van de hedendaagse Chinese inktschilderkunst, met bijzondere nadruk op zijn vermogen om westerse technieken te integreren terwijl hij de geest van de traditionele Chinese schilderkunst behoudt.
