Ouçam-me bem, bando de snobs. Se pensam que a arte abstrata está morta, é porque nunca contemplaram verdadeiramente uma tela de Marcello Lo Giudice. Este siciliano, nascido em Taormina em 1957, oferece-nos uma pintura que não tem nada daquela abstração insípida e intelectualizada em demasia que invade as nossas galerias contemporâneas. Não, Lo Giudice propõe-nos uma viagem sensorial, quase primitiva, às origens da matéria.
As suas obras, expostas no MAXXI em Roma, no Palácio Real de Milão, e em outros locais importantes da arte, criam janelas para mundos paralelos com as suas imponentes telas. Os seus “Eden”, como os designa, transportam-nos para planetas distantes, em paisagens deserticas compostas de pigmentos puros, inspirados pelos sons invisíveis do universo. Cada cor é tratada como um indivíduo, e a combinação desses indivíduos cria uma explosão de luz deslumbrante, como no dia do Big Bang.
Lo Giudice não é um pintor que se contenta em fazer algo bonito. Há no seu trabalho uma profundidade quase geológica, e com razão, o homem estudou geologia na Universidade de Bolonha antes de frequentar a Academia de Belas Artes de Veneza. Esta formação científica não foi em vão. Permitiu-lhe desenvolver uma abordagem única da pintura, onde a matéria não é simplesmente aplicada, mas transformada, metamorfoseada.
A observação atenta das suas telas revela um universo complexo de camadas, de sedimentos, de pigmentos sobrepostos que foram raspados, erodidos, abrasados para revelar camadas inferiores. Este trabalho não deixa de lembrar os próprios processos geológicos, a erosão, a sedimentação, os movimentos tectónicos. Mas seria redutor ver na sua obra apenas uma aplicação estética de conhecimentos científicos.
Porque Lo Giudice é antes de mais um pintor no sentido mais carnal do termo. Ele mantém com a matéria uma relação quase sensual. “A minha relação com a matéria pode ser comparada a uma relação profunda e forte entre um pescador e o seu peixe” [1], confidencia. Esta declaração poderia parecer absurda se não conhecêssemos a sua obra. Mas diante das suas telas, compreende-se. Há algo de orgânico, de vivo nessas superfícies texturizadas.
O azul ultramar conta as cristas oceânicas e os vastos mares, o amarelo torna-se uma terra queimada pelo sol, os vermelhos e os pretos ardentes evocam fluxos de lava e crateras vulcânicas. É impossível não pensar na Sicília natal do artista, terra de vulcões e contrastes. Mas seria, mais uma vez, redutor limitar sua pintura a uma evocação de paisagens.
Nas suas obras abstratas, Lo Giudice convida-nos a uma experiência quase meditativa. A cor não é simplesmente um meio, torna-se uma entidade por si só, quase uma manifestação de forças cósmicas. Poder-se-ia ver nesta abordagem uma forma de espiritualidade, mas uma espiritualidade enraizada no material, no tangível.
Deve-se também notar a dimensão ecológica do seu trabalho. Lo Giudice está empenhado na preservação do ambiente, nomeadamente através do projeto “Save Mediterranean Sea” ao lado do Príncipe Alberto II de Mônaco. A sua pintura não é apenas uma celebração da beleza do nosso planeta, mas também um apelo à sua preservação. Há algo profundamente comovente nesta abordagem, uma forma de humildade perante a grandeza e a fragilidade do nosso meio ambiente.
Mas não nos enganemos, Lo Giudice não é um artista ingénuo. Ele insere-se numa tradição, aquela da Arte Informal europeia, o movimento que emergiu após a Segunda Guerra Mundial e que colocava ênfase no aspeto formal da arte, atribuindo particular importância ao tratamento do pigmento. Podemos ver influências de grandes nomes como Dubuffet ou Klein, mas com uma voz própria.
O que me agrada em Lo Giudice é a sua capacidade de criar obras que são tanto intensamente físicas como profundamente contemplativas. Há no seu trabalho uma tensão entre o gesto, aquele do pintor que aplica a matéria, que a raspa, que a transforma, e a contemplação, aquela do espetador perante estas paisagens abstratas que evocam realidades primordiais.
Tomemos como exemplo a sua série “Eden”, onde o azul predomina frequentemente. Essas obras não são simplesmente belas, são evocativas. Falam-nos de espaços infinitos, de profundezas oceânicas, de céus sem limites. Há algo da ordem do sublime kantiano nestes quadros, uma beleza que ultrapassa a compreensão e que nos confronta com a nossa própria pequenez.
O primeiro contacto com o seu trabalho poderia suscitar ceticismo. Mais um pintor abstrato que brinca com a matéria e a cor, poderia pensar-se. Mas há em Lo Giudice uma sinceridade, uma autenticidade que transcende modas e correntes. Não tenta estar na moda, segue o seu próprio caminho, com uma constância e coerência notáveis.
A controvérsia em torno do seu trabalho é reveladora. Alguns críticos veem nas suas pinturas uma forma de regressão a um expressionismo abstrato ultrapassado. Outros veem nelas uma continuação necessária da exploração da matéria e da cor. Estes dois pontos de vista perdem o essencial. Lo Giudice não é nem um nostálgico, nem um revolucionário. É simplesmente um artista que encontrou a sua linguagem e que a explora com uma paixão e uma rigor admirável.
O que é interessante no seu percurso é esta transição do conceptual para o material. Nos anos 1970, Lo Giudice trabalhava num estilo conceptual, utilizando materiais mistos como cera, morangos e fumo. Desenvolveu então o seu próprio estilo, incorporando os seus conhecimentos em geologia para criar grandes paisagens terrestres orgânicas. Esta evolução testemunha uma busca autêntica, de um artista que procura constantemente aprofundar a sua prática.
A geologia como inspiração artística não é nova. Artistas como Robert Smithson ou Michael Heizer exploraram a relação entre arte e terra nas suas obras de Land Art. Mas Lo Giudice traz uma dimensão diferente a esta exploração. Ele não trabalha diretamente com a terra, mas capta a sua essência, os processos, as transformações.
Esta abordagem lembra-me as reflexões de Claude Lévi-Strauss sobre a relação entre natureza e cultura [2]. Em “O Pensamento Selvagem”, o antropólogo francês explora como as sociedades humanas interpretam e transformam os elementos naturais para criar significado. Lo Giudice faz algo semelhante. Ele pega em processos naturais, a erosão, a sedimentação, a metamorfose das rochas, e transforma-os em gestos artísticos, em criações culturais.
Lévi-Strauss mostra-nos como os mitos são tentativas de organizar e compreender o mundo natural. Da mesma forma, as pinturas de Lo Giudice podem ser vistas como mitos visuais, tentativas de dar forma a forças naturais que nos ultrapassam. Há no seu trabalho uma forma de pensamento selvagem, uma inteligência que não passa pelos conceitos abstratos mas pela matéria, pelo sensorial.
Esta dimensão antropológica é particularmente evidente na sua série “Totem”. Desde 1989, Lo Giudice trabalha nestas esculturas invulgares: colchões queimados, rasgados, esvaziados, depois pintados com várias camadas espessas de cor (pigmento e esmalte). Estes totens simbolizam as atrocidades da guerra, inspirados por uma imagem televisiva da primeira guerra do Golfo, onde uma casa civil foi atingida por um foguete por engano: detritos, corpos despedaçados e vários objetos comuns destruídos, como um colchão.
Estes totens recordam os objetos rituais das sociedades tradicionais estudadas por Lévi-Strauss. Têm uma função semelhante: exorcizar a violência, comemorar os mortos, criar uma ligação entre o mundo dos vivos e o dos desaparecidos. Lo Giudice reativa assim uma função primitiva da arte, a de dar sentido à violência e à morte.
Esta dimensão ritual também se encontra na sua série “Dalla Primavera del Botticelli” (inspirada na Primavera de Botticelli), onde o colchão está totalmente esvaziado e a sua estrutura primária acolhe agora um grande número de borboletas de cerâmica de Albisola que representam “A Beleza colocada sobre a violência e a guerra”. A borboleta, símbolo universalmente reconhecido e emblemático da primavera, do renascimento e da evolução, representa a esperança que a humanidade deposita nas novas gerações e na sua nova consciência.
Aqui vemos como Lo Giudice se insere numa tradição artística ao mesmo tempo que a renova. Ele faz referência a Botticelli, grande mestre do Renascimento italiano, mas transforma a sua imagética numa instalação contemporânea que fala da nossa época e das suas violências. É essa capacidade de criar pontes entre o passado e o presente, entre a natureza e a cultura, que faz a riqueza da sua obra.
O trabalho de Lo Giudice pode também ser analisado através do prisma da psicanálise, nomeadamente as teorias de Melanie Klein sobre a agressão e a reparação [3]. Klein demonstrou como os impulsos destrutivos são contrabalançados por impulsos reparadores no desenvolvimento psíquico. Poderíamos ver no processo artístico de Lo Giudice, esta forma de destruir a superfície para melhor a reconstruir, de agredir a matéria para melhor a sublimar, uma manifestação desta dialética entre destruição e reparação.
Os totens lacerados e depois cobertos com cores vibrantes ilustram perfeitamente esta dinâmica. A violência inicial (a laceração, a queimadura) é transformada num ato criador (a aplicação dos pigmentos). Da mesma forma, nas suas pinturas, a abrasão das camadas superiores para revelar o que está por baixo pode ser vista como uma forma de agressão controlada, seguida de uma revelação, uma reparação.
Esta leitura psicanalítica ajuda-nos a compreender a potência emocional das obras de Lo Giudice. Elas tocam-nos porque encenam processos psíquicos fundamentais, tensões que todos experimentamos: entre destruição e criação, entre violência e beleza, entre caos e ordem.
Klein fala-nos também da posição depressiva, aquele momento em que a criança percebe que o objeto que ataca nos seus fantasmas é também aquele que ama. Esta tomada de consciência gera culpa e ansiedade, mas também desejo de reparação. Não é isso que vemos nas obras ecológicas de Lo Giudice? Essa consciência de que a Terra que destruímos é também aquela que nos alimenta, e esse desejo de reparar, de preservar?
Isto leva-nos sempre à sua série “Eden”, esses paraísos imaginários que, segundo as suas próprias palavras, são uma resposta à violência da nossa época: “Eu pinto Edens porque hoje vivemos em meio a tantas guerras e tanta destruição, e estamos todos tão feridos pela vida, mas não reagimos com a coragem que deveríamos ter. A sociedade de hoje é o resultado de um hedonismo desenfreado, com poucos ideais e valores morais. Pinto Edens porque, através da pintura, quero trazer paz, felicidade e beleza” [4].
Esta declaração poderia parecer ingénua se não fosse sustentada por obras de tamanha intensidade. Lo Giudice não nos oferece um paraíso fácil, um Eden de faz-de-conta. Os seus paraísos são espaços complexos, ambivalentes, onde a beleza emerge de processos violentos, onde a luz nasce da escuridão. É uma visão paradisíaca que não ignora a realidade do mal e da destruição, mas que propõe uma transformação, uma transmutação.
O que dá valor ao trabalho de Marcello Lo Giudice é esta capacidade de criar obras que estão simultaneamente ancoradas nos processos naturais mais elementares e abertas às questões mais contemporâneas. A sua pintura fala-nos da matéria, da terra, da cor, mas também da nossa relação com o ambiente, da nossa capacidade de destruir e criar, da nossa necessidade de encontrar sentido num mundo caótico.
E é talvez aí que reside o verdadeiro sucesso de Lo Giudice: lembrar-nos que a arte, mesmo a mais abstrata, nunca está completamente desligada do mundo real. As suas pinturas não são janelas para um outro lugar inacessível, mas espelhos nos quais podemos contemplar a nossa própria relação com a matéria, a natureza, a vida.
Por isso, da próxima vez que nos encontrarmos diante de uma das suas telas monumentais, devemos tomar o tempo para realmente observar. Deixar-nos absorver por estas paisagens abstratas, estas geologias imaginárias. E talvez descobrir nelas, não uma simples demonstração de virtuosismo técnico, mas uma meditação profunda sobre o nosso lugar no mundo e a nossa responsabilidade para com ele.
Porque é disso que se trata, afinal: não simplesmente beleza, mas consciência. Uma consciência da fragilidade e do poder do nosso ambiente, uma consciência da nossa capacidade de destruir e criar, uma consciência da nossa responsabilidade para com as futuras gerações. E não é isso, afinal, o que a arte deveria trazer-nos?
- Marcello Lo Giudice, entrevista com Broadway World News Desk, maio de 2015, por ocasião da exposição “EDEN: Pianeti Lontani” na UNIX Gallery de Nova Iorque.
- Claude Lévi-Strauss, “O Pensamento Selvagem”, Éditions Plon, Paris, 1962.
- Melanie Klein, “Amor, Culpa e Reparação e Outras Obras 1921-1945”, The Free Press, Nova Iorque, 1975.
- Marcello Lo Giudice, entrevista com Giulia Russo para Juliet Art Magazine, junho de 2017, por ocasião da exposição “Eden: Distant Planets” no MAXXI Museum de Roma.
