Ouçam-me bem, bando de snobs, está na hora de falar de Ayako Rokkaku (nascida em 1982 em Chiba, Japão), esta artista que está a fazer explodir os leilões asiáticos com os seus dedos cheios de tinta acrílica.
Enquanto muitas vezes cada gesto artístico é calculado, cada pincelada é teorizada até à exaustão por curadores de fato preto que bebem champanhe morno, Rokkaku chega descalça, com as mãos cobertas de tinta, e lança ao mercado de arte a sua visão visceral da criação. Ela pinta diretamente com os dedos, sem esboço prévio, como se nos quisesse dizer: “As vossas teorias sobre arte? Lavo as mãos delas com acrílico.”
A primeira característica do seu trabalho é esta abordagem física, quase primitiva, da pintura. Ela não usa pincéis, demasiado burgueses, talvez demasiado convencionais. Não, ela mergulha as mãos diretamente na tinta, como uma criança que descobre o prazer tátil da criação. Este método não deixa de recordar os action paintings de Jackson Pollock, exceto que aqui, não há misticismo masculino à Greenberg. Rokkaku transforma o ato de pintar numa performance onde todo o corpo participa na criação. É como Yves Klein sem o azul, Ana Mendieta sem sangue, uma forma de body art que deixa marcas coloridas em vez de impressões dramáticas.
Esta abordagem corporal da pintura ecoa a filosofia fenomenológica de Maurice Merleau-Ponty. Em “O Olho e o Espírito” (1964), ele escreveu: “O pintor traz o seu corpo… É ao emprestar o seu corpo ao mundo que o pintor transforma o mundo em pintura”. Rokkaku encarna literalmente esta ideia. Os seus dedos tornam-se extensões diretas da sua consciência criadora, apagando a distância tradicional entre o artista e a sua obra que o pincel impõe. É um regressar ao que Walter Benjamin chamava a experiência táctil da arte, antes que a reprodução mecânica viesse tudo asseptizar.
A segunda característica da sua obra reside no seu universo visual único, povoado por figuras femininas com olhos desmedidos e membros esticados, a flutuar em espaços abstratos de cores vibrantes. Estas personagens, frequentemente descritas como “kawaii” (fofas em japonês), são na realidade muito mais complexas. Elas transportam dentro de si uma inquietante estranheza que faria Freud vibrar de alegria. Estas menina, por vezes com olhares vazios, por vezes acusatórios, são as habitantes de um mundo onde a inocência convive com o desconforto existencial.
As suas criações recordam o que Gaston Bachelard descrevia em “A Poética do Devaneio” (1960) como “a infância cósmica”, esse estado em que as fronteiras entre o real e o imaginário se dissolvem. Mas, ao contrário da imagem tradicional da infância, as personagens de Rokkaku não são apenas fofas ou reconfortantes. Possuem uma ambiguidade perturbadora que as aproxima mais das assustadoras bonecas de Hans Bellmer do que das personagens de mangas comerciais.
Esta dualidade entre a aparente ingenuidade e a complexidade subjacente faz de Rokkaku uma artista particularmente pertinente na nossa era de tensões entre autenticidade e artificialidade. As suas obras tornaram-se tão valorizadas que as suas telas agora são vendidas por várias centenas de milhares de euros, fazendo dela a sexta artista japonesa mais cotada de todos os tempos. Nada mal para alguém que começou por pintar em cartão recuperado nos parques de Tóquio.
O sucesso comercial poderia ser visto como uma traição à espontaneidade original da sua abordagem. Mas Rokkaku mantém uma integridade notável na sua prática. Quer pinte numa tela de sete metros ou num pedaço de cartão, ela mantém essa mesma abordagem direta, física, quase primitiva da criação. Continua as suas performances de pintura ao vivo, transformando o ato criativo em espectáculo público, desmistificando o processo artístico enquanto o teatraliza.
O seu trabalho recente estendeu-se à escultura, nomeadamente em bronze e vidro, provando que os seus dedos mágicos conseguem moldar a matéria em todas as suas formas. Nestes trabalhos tridimensionais, encontra-se a mesma tensão entre o “kawaii” e o inquietante, entre a espontaneidade do gesto e a permanência do material. As suas esculturas em vidro, criadas em Murano, são particularmente fascinantes, como se as suas personagens pintadas tivessem subitamente ganhado corpo no espaço real, congeladas na sua impulsão pela transformação do vidro fundido.
O percurso de Rokkaku é uma bofetada magistral para todos aqueles que pensam que a arte hoje em dia deve ser necessariamente conceptual, distante, intelectualizada. Ela prova que ainda é possível criar uma arte visceral, direta, carregada emocionalmente, sem, no entanto, cair na facilidade ou complacência. O seu sucesso crescente, particularmente na Ásia, onde as suas obras alcançam preços recorde, mostra que ainda existe um público para uma arte que fala ao coração tanto quanto à mente. Rokkaku recorda que a criação ainda pode ser um ato de pura alegria, de descoberta, de exploração sem entraves. Ela é a prova viva de que a inocência, quando sustentada por uma visão artística forte e uma técnica inegável, pode ser uma força revolucionária.
As suas obras recordam-nos o que Paul Klee escreveu na sua “Teoria da Arte Moderna”: “A arte não reproduz o visível, ela torna visível”. Rokkaku torna visível um mundo interior onde a alegria e a inquietação, a inocência e a consciência, a espontaneidade e o domínio coexistem num equilíbrio precário e fascinante. Ela convida-nos a mergulhar as nossas próprias mãos na matéria dos nossos sonhos, a reencontrar essa liberdade criativa que todos experimentámos quando crianças, antes que o mundo nos ensinasse a manter-nos limpos e arrumados.
Ela tornou-se uma artista incontornável da cena contemporânea, expondo em instituições prestigiosas como o Long Museum de Xangai ou o Kunsthal de Roterdão. Mas o que é notável é que conseguiu manter a essência do seu método artístico apesar do sucesso comercial. Continua a pintar com as mãos, a criar performances ao vivo, a ultrapassar os limites da sua arte enquanto permanece fiel à sua visão original.
Se alguns críticos veem no seu trabalho uma mera extensão da cultura “kawaii” japonesa, é porque não olharam com atenção suficiente. As suas obras são atravessadas por uma tensão constante entre o encantador e o inquietante, o espontâneo e o dominado, o infantil e o profundamente adulto. É precisamente essa complexidade que faz da sua arte algo mais do que uma simples expressão da cultura pop japonesa.
O seu percurso é ainda mais notável porque é autodidata. Enquanto os diplomas das grandes escolas frequentemente servem como passe livre, ela impôs-se pela única força da sua visão e prática. Poderia quase encarnar aquilo que Dubuffet procurava na Arte Bruta: uma criação livre de qualquer condicionamento cultural, mesmo que, paradoxalmente, o seu trabalho se inscreva profundamente na cultura visual contemporânea.
Rokkaku navega entre Berlim, Porto e Tóquio, criando uma arte que transcende fronteiras culturais enquanto mantém uma profundidade pessoal. Ela representa uma nova geração de artistas globais que bebem nas suas raízes culturais enquanto criam uma linguagem visual universal. O seu sucesso crescente testemunha uma sede de sinceridade e autenticidade num meio intelectual frequentemente dominado pela pose.
É fascinante ver como ela conseguiu transformar o que poderia ter sido apenas uma técnica original, pintar com os dedos, numa verdadeira assinatura artística. Esta abordagem táctil da pintura é uma filosofia da criação que coloca o corpo e o instinto no centro do processo artístico. Rokkaku recorda-nos que a arte ainda pode ser uma experiência direta, visceral, emocionalmente carregada. Ela prova que a simplicidade não é inimiga da profundidade, e que a espontaneidade pode coexistir com o domínio técnico.
O seu sucesso comercial poderia ser visto como uma forma de apropriação pelo mercado de arte, mas também testemunha uma sede autêntica por uma arte que fala diretamente às emoções, que não precisa de ser explicada por páginas e páginas de teoria crítica para ser apreciada. No nosso meio artístico, muitas vezes hermético e elitista, é uma lufada de ar fresco.
