Ouçam-me bem, bando de snobs, Liang Yuanwei está aqui, e vocês nem sabem. No seu atelier em Pequim, esta artista chinesa nascida em 1977 tece obstinadamente o seu próprio universo estético, longe dos fogos artificiais que parecem hoje definir a arte contemporânea chinesa. As suas telas, onde se entrelaçam motivos florais pintados minuciosamente, são como mapas topográficos de um território interior, um espaço onde o próprio tempo parece suspenso.
Não se enganem. A obra de Liang não é uma simples celebração da beleza ou um exercício decorativo. É uma meditação visual, uma forma de resistência silenciosa. Numa época em que a arte parece frequentemente reduzida a uma sucessão de efeitos espetaculares e mensagens ruidosas, Liang Yuanwei convida-nos a abrandar, a observar, a contemplar. Um convite que todos deveríamos aceitar, se ainda tivéssemos a capacidade de atenção necessária.
O que mais impressiona no trabalho de Liang é essa presença obsessiva dos motivos florais. Flores, mais flores, sempre flores. Mas atenção, não se enganem! Não se trata de flores naturais, como aquelas que admiraríamos num jardim ou num ramo. Não, as flores de Liang são motivos industriais, retirados de tecidos manufaturados, essas estampas omnipresentes no nosso quotidiano às quais já nem prestamos atenção. Essas flores, simbolizando ao mesmo tempo a natureza e a sua imitação comercial, tornam-se sob os seus pincéis meticulosos as peças de um fascinante jogo conceptual.
Liang Yuanwei trabalha como uma arqueóloga invertida. Em vez de exumar as marcas do passado, ela enterra o presente sob camadas sucessivas de significado. Cada tela é o resultado de um protocolo rigoroso: a artista divide a sua tela em secções, trabalha numa secção por dia, sem jamais voltar ao trabalho do dia anterior. Um processo que evoca irresistivelmente a técnica ancestral do afresco, onde o artista tinha de pintar sobre um reboco ainda fresco, obrigando assim a um trabalho por secções, chamadas “giornate” (as jornadas) [1].
Esta analogia com o afresco não é fortuita e leva-nos ao coração de uma das dimensões essenciais da obra de Liang: o seu diálogo com a história da arte ocidental. Depois de explorar durante anos as possibilidades formais dos motivos florais, a artista voltou-se para o estudo aprofundado dos afrescos romanos antigos e do Renascimento italiano. Em 2016, ela deslocou-se a Roma para estudar a arte romana do século IV e as técnicas de restauro dos afrescos. Esta imersão numa tradição pictórica milenar influenciou profundamente a sua compreensão da materialidade da pintura e da sua relação com o tempo.
O estudo dos afrescos permitiu-lhe perceber a pintura não apenas como um meio expressivo, mas como um processo temporal concreto, onde cada jornada de trabalho se inscreve materialmente na obra final. Como ela própria explica: “Nas pinturas murais romanas antigas e nas do Renascimento, há uma compreensão tanto simples como profunda do mundo visual, que atravessou toda a cultura ocidental” [2]. Esta dimensão temporal, que impregna a própria técnica de Liang, recorda-nos as reflexões de Henri Bergson sobre a duração como experiência qualitativa do tempo, distinta do tempo cronométrico.
Para Bergson, o tempo vivido não pode reduzir-se a uma sucessão de instantes mensuráveis. É antes uma duração pura, um fluxo contínuo onde passado e presente se interpenetram. “A duração pura”, escreve ele em “Ensaio sobre os dados imediatos da consciência”, “é a forma que assume a sucessão dos nossos estados de consciência quando o nosso eu se deixa viver, quando se abstém de estabelecer uma separação entre o estado presente e os estados anteriores” [3]. Esta conceção bergsoniana do tempo encontra um eco impressionante no processo criativo de Liang Yuanwei, onde cada jornada de trabalho se inscreve num contínuo indivisível, cada gesto pictórico carregando em si a memória dos gestos anteriores.
As telas de Liang, com os seus motivos repetitivos mas nunca idênticos, encarnam essa tensão entre o instante e a duração. Cada flor pintada é simultaneamente um momento isolado de criação e um elemento de uma totalidade que só se revela na duração. A obra inteira torna-se assim um mapa do tempo vivido, um espaço onde a duração bergsoniana se materializa diante dos nossos olhos.
Mas a obra de Liang não se limita a dialogar com a filosofia ocidental. Ela também se inspira nas fontes da tradição pictórica chinesa, nomeadamente na pintura letrada da dinastia Yuan (1271-1368). Como revelou numa entrevista: “Comecei a interessar-me pela arte da dinastia Song, depois pela da dinastia Yuan, que marca o início da pintura letrada. Esses letrados usavam as suas obras para expressar as suas ideias políticas, as suas afiliações e as suas aspirações” [4].
O que fascina Liang nessa tradição é a maneira como os artistas letrados souberam desenvolver uma linguagem pictórica codificada para expressar posições filosóficas e políticas. A técnica do traço do pincel, a escolha dos motivos, a composição, todos esses elementos formais estavam carregados de significados que só os iniciados podiam decifrar. Da mesma forma, Liang usa a repetição obsessiva de motivos florais como uma linguagem cifrada, um sistema de sinais que fala sobre a nossa relação com o tempo, com a beleza, com a indústria e com a tradição.
Essa dimensão de código secreto leva-nos a considerar a obra de Liang sob o ângulo da teoria linguística de Saussure. Para o linguista suíço, o signo linguístico une não uma coisa e um nome, mas um conceito (o significado) e uma imagem acústica (o significante). Na arte de Liang, os motivos florais funcionam como significantes visuais cujo significado não é fixo mas flutuante, dependente do contexto e da interpretação.
As flores que Liang pinta incessantemente são sinais ambivalentes. De um lado, remetem aos tecidos industriais de onde provêm, símbolos da produção em massa e da padronização estética. Do outro, pelo processo meticuloso da sua reprodução pictórica, transformam-se em objetos únicos, carregados de uma presença singular. Como Saussure demonstrou para a linguagem, o significado emerge aqui não da relação entre o signo e seu referente, mas das relações diferenciais entre os signos dentro de um sistema.
Este jogo de sinais é particularmente evidente na sua série emblemática “Golden Notes” (2010), em que duas telas gémeas imensas apresentam o mesmo motivo floral tratado com variações subtis de cor e textura. Como explica a artista: “Nesta pintura dupla, não usei a cor ouro em lado algum, mas criei a impressão de ouro através das relações entre as cores” [5]. Este feito pictórico ilustra perfeitamente como, no sistema semiótico de Liang, o significado emerge não dos elementos isolados mas das suas relações recíprocas.
O interesse de Liang pela linguística estrutural não é explícito nas suas declarações, mas a sua obra manifesta uma consciência aguçada dos mecanismos de significado que governam a nossa perceção do mundo. Ao transformar motivos florais industriais em sinais artísticos complexos, ela convida-nos a reconsiderar a nossa relação com as imagens que saturam o nosso ambiente quotidiano.
Esta exploração das estruturas de significado conduz-nos a outra dimensão fundamental da obra de Liang: a sua crítica implícita à sociedade de consumo. Ao escolher como ponto de partida do seu trabalho motivos florais provenientes de tecidos produzidos em série, a artista aponta para a banalização da beleza no nosso mundo industrializado. Como ela explica: “Queria deliberadamente esvaziar essas imagens do seu valor. As flores são o elemento decorativo mais banal que existe, e ao repetir constantemente esses motivos, torno-os cada vez mais pálidos” [6].
Esta abordagem evoca a crítica à sociedade do espetáculo desenvolvida por Guy Debord. Para o pensador francês, a nossa sociedade contemporânea caracteriza-se por uma acumulação infinita de espetáculos, onde “tudo o que era vivido diretamente afastou-se para uma representação” [7]. Os motivos florais que Liang apropria são precisamente tais espetáculos: imitações industriais da natureza, representações padronizadas da beleza que perderam todo o vínculo com a experiência direta.
Mas onde Debord adota uma postura frontalmente crítica, Liang desenvolve uma estratégia mais subtil. Em vez de rejeitar essas imagens espetaculares, ela sujeita-as a um processo de transformação que as reinveste com uma presença autêntica. Pelo seu trabalho manual minucioso, pela atenção extrema que dedica a cada detalhe, combate a alienação espetacular desde o interior mesmo das suas formas. As suas flores, embora derivadas de motivos industriais, recuperam sob o seu pincel uma singularidade perdida, uma aura que Walter Benjamin poderia reconhecer.
Este processo de transformação é particularmente evidente na sua série “2013”, onde a artista explorou de forma sistemática as possibilidades de um mesmo motivo floral. Ao longo das telas, este motivo inicialmente reconhecível metamorfoseia-se progressivamente, tornando-se cada vez mais abstrato até se transformar numa pura exploração da cor e da textura. Esta evolução formal ilustra perfeitamente a forma como Liang consegue transcender os seus materiais de partida, transmutando o espetáculo em experiência.
A arte de Liang Yuanwei confronta-nos com uma contradição produtiva: por um lado, aceita plenamente as condições do nosso mundo industrializado e consumista; por outro lado, resiste-lhe através de uma prática lenta, atenta, quase meditativa. Esta tensão não é resolvida, mas mantida viva em cada uma das suas obras, convidando-nos também a habitar este espaço intermédio, o lugar onde a crítica e a aceitação podem coexistir.
Num mundo onde a arte contemporânea chinesa é frequentemente percebida através do prisma redutor do comentário político ou da apropriação irónica dos símbolos tradicionais, Liang Yuanwei traça um caminho singular. A sua obra, embora profundamente inserida no contexto chinês, transcende fronteiras culturais para nos falar de preocupações universais: o tempo, a beleza, a autenticidade, a repetição.
Se tivesse que reter apenas uma coisa do seu trabalho, talvez fosse esta capacidade rara de transformar o ordinário em extraordinário, não através de um gesto espetacular ou provocador, mas por um compromisso paciente com a matéria. Em cada uma das suas telas, Liang recorda-nos que a atenção é a forma mais radical de generosidade. Num mundo que valoriza a velocidade e a eficiência, a sua arte é um elogio à lentidão e à presença. E nestes tempos dispersos que são os nossos, não é exatamente disso que precisamos?
- Procaccini, A. (2018). “A técnica do afresco e os ‘dias’ de trabalho”. Studi di Conservazione e Restauro, vol. 45.
- Liang, Y. (2017). Entrevista com Artron News, “Com os afrescos, a pop art e a pintura caligráfica: o percurso artístico ‘retroativo’ de Liang Yuanwei”, 27 de abril de 2017.
- Bergson, H. (1889). Ensaio sobre os dados imediatos da consciência. Paris: Félix Alcan.
- Liang, Y. (2017). “A artista feminina mais representativa dos anos 70 na China: a minha linguagem artística é uma escolha racional”, entrevista para YT Novos Media, 19 de agosto de 2017.
- Liang, Y. (2010). “Liang Yuanwei fala sobre a criação da exposição ‘Golden Notes'”, Artforum China, 15 de novembro de 2010.
- Liang, Y. (2014). “Flores e símbolos: entrevista sobre o processo criativo”, Trueart, 3 de fevereiro de 2014.
- Debord, G. (1967). A Sociedade do Espetáculo. Paris: Buchet/Chastel.
