Ouçam-me bem, bando de snobs, a arte contemporânea tailandesa possui em Natee Utarit um espírito de agudeza notável, capaz de despedaçar as nossas certezas ocidentais com a precisão de um cirurgião e a elegância de um poeta. Este homem, nascido em 1970 em Banguecoque, não se limita a pintar: ele dissseca a herança pictórica ocidental com uma inteligência feroz, questionando os nossos cânones estéticos há mais de três décadas. As suas telas, de um realismo técnico impressionante, escondem sob o seu verniz impecável uma crítica acerba dos nossos pressupostos culturais. Eis um artista que empunha o pincel como Voltaire empunhava a pena: para iluminar tanto quanto para ferir.
A obra de Utarit desenrola-se como um labirinto conceptual onde cada série pictórica revela uma nova faceta do seu pensamento. Desde as suas primeiras interrogações sobre a natureza da imagem nos anos 1990 até à recente série Déjà vu concluída em 2024, o artista tailandês nunca deixou de questionar a validade das tradições artísticas ocidentais importadas no Sudeste Asiático. As suas composições, de uma complexidade narrativa surpreendente, misturam referências budistas e iconografia cristã, objetos contemporâneos e símbolos antigos, criando uma linguagem visual de uma riqueza inédita. Esta abordagem encontra o seu ápice na sua série monumental Optimism is Ridiculous: The Altarpieces (2014-2017), onde doze polípticos de inspiração renascentista desdobram um cosmos pictórico perturbador. Estas obras, pelo seu próprio formato, interpelam diretamente a tradição dos retábulos europeus ao mesmo tempo que propõem uma visão profundamente asiática do sagrado.
A abordagem de Utarit ressoa particularmente com as análises sociológicas de Zygmunt Bauman sobre a modernidade líquida [1]. A identidade cultural, segundo Bauman, já não é um dado fixo, mas torna-se um processo de construção permanente, sujeito aos fluxos e refluxos das influências exteriores. Essa fluidez identitária encontra em Utarit uma expressão pictórica impressionante. As suas telas funcionam como laboratórios sociológicos onde se experimenta o encontro entre Oriente e Ocidente. Em Nescientia (2014), por exemplo, o artista coloca lado a lado Buda, o Apolo do Belvedere e um crucifixo ornamentado, criando uma trindade sincrética que desafia as nossas categorias habituais. Essa justaposição não é fruto do acaso: materializa visualmente os processos de hibridação cultural analisados por Bauman. A identidade tailandesa contemporânea, segundo esta leitura, já não pode ser concebida em oposição à influência ocidental, mas deve integrá-la num processo dialético criador. As personagens que povoam essas composições, muitas vezes tailandeses vestidos com trajes de época europeia, encarnam essa negociação identitária permanente. Eles navegam num espaço pictórico onde as referências se misturam, contaminam-se mutuamente, criando novas formas de significado. Essa abordagem sociológica da arte permite a Utarit ultrapassar a simples denúncia pós-colonial para propor uma visão mais nuançada das trocas culturais. As suas obras sugerem que a dominação cultural ocidental, real de facto, não impede o surgimento de formas artísticas híbridas capazes de subverter os seus modelos. O artista tailandês desenvolve assim uma estética de resistência criativa, onde a apropriação se torna um ato de emancipação. As suas telas demonstram que a modernidade líquida, longe de dissolver as especificidades culturais, pode tornar-se o solo fértil de novas expressões artísticas. Essa perspetiva sociológica ilumina particularmente a sua série recente Déjà vu (2019-2024), onde a hipótese de uma viagem do Buda ao Ocidente antigo inverte as relações de poder históricas. Ao imaginar uma anterioridade oriental às formas artísticas ocidentais, Utarit propõe uma arqueologia alternativa das nossas referências estéticas. Essa abordagem revela quão frágeis e construídas são as nossas certezas sobre a origem das formas artísticas. A análise baumaniana permite assim compreender como Utarit usa a pintura para mapear as transformações identitárias da sociedade tailandesa contemporânea.
A obra de Utarit mantém também um diálogo frutuoso com a tradição literária do realismo mágico, particularmente na sua dimensão subversiva e na sua capacidade de revelar a estranha familiaridade do quotidiano. À semelhança de escritores como Gabriel García Márquez ou Isabel Allende, o artista tailandês destaca-se na arte de fazer emergir o maravilhoso do banal e o insólito do familiar. As suas composições funcionam segundo essa mesma lógica narrativa, onde a realidade está constantemente posta em causa pela intrusão de elementos incongruentes. Na sua série Tales of Yesterday, Today and Tomorrow (2009), os brinquedos de crianças convivem com os grandes mestres da pintura europeia, criando um universo onde as hierarquias temporais e culturais desmoronam-se. Esta estética do maravilhoso quotidiano tem a sua origem numa compreensão profunda dos mecanismos literários do realismo mágico. O artista procede por acumulação de detalhes hiper-realistas que, pela sua justaposição inesperada, geram um sentimento de estranheza. As suas naturezas-mortas, de execução técnica irrepreensível, integram elementos anacrónicos ou deslocados que perturbam a lógica narrativa tradicional. Esta abordagem permite-lhe questionar as nossas certezas perceptivas com a mesma eficácia com que os romancistas do boom latino-americano questionavam as certezas políticas e sociais. A influência do realismo mágico manifesta-se também na sua forma de tratar a história. Tal como Márquez em Cem Anos de Solidão, Utarit concebe o tempo histórico como um eterno retorno onde passado e presente se interpenetram. As suas telas propõem uma temporalidade cíclica onde as referências artísticas do passado europeu ressurgem no contexto tailandês contemporâneo, criando ecos perturbadores. Esta concepção literária do tempo histórico permite-lhe ultrapassar a simples crítica pós-colonial para propor uma visão mais complexa das trocas culturais. As suas obras sugerem que a história artística não segue uma progressão linear, mas procede por regressos, reinvenções e metamorfoses. A série Optimism is Ridiculous ilustra perfeitamente esta abordagem temporal não linear. Os retábulos de Utarit funcionam como máquinas do tempo, onde os códigos iconográficos da Renascença se misturam com as preocupações contemporâneas tailandesas. Esta fusão temporal, característica do realismo mágico, permite ao artista revelar as permanências que atravessam a história humana para lá das especificidades culturais. A influência literária transparece também na sua conceção narrativa da pintura. Cada tela conta uma história, mas uma história fragmentada, aberta, que exige do espetador um trabalho de interpretação ativa. Esta dimensão narrativa aproxima o seu trabalho do conto contemporâneo, onde a elipse e a alusão substituem a descrição exaustiva. As suas composições pictóricas funcionam assim como textos visuais cujo sentido emerge da confrontação entre diferentes sistemas de referências. O artista desenvolve uma verdadeira poética da hibridação cultural, onde a beleza nasce da colisão criadora entre universos estéticos aparentemente incompatíveis.
O génio de Utarit reside na sua capacidade de utilizar a técnica pictórica ocidental mais clássica para subverter os seus fundamentos ideológicos. Formado na tradição académica europeia na universidade Silpakorn de Banguecoque, fundada por um escultor italiano, domina perfeitamente os códigos do realismo ocidental. Esta mestria técnica não constitui para ele uma submissão, mas torna-se o instrumento da sua libertação criativa. As suas telas testemunham uma virtuosidade impressionante no tratamento da luz, da perspetiva e do modelado, rivalizando com os maiores mestres europeus. Contudo, esta perfeição técnica serve um projeto artístico radicalmente subversivo. O artista usa a excelência do seu pincel para melhor desviar os códigos que tão bem domina.
Esta estratégia de desvio atinge o seu auge na sua série recente Déjà vu (2019-2024), onde a hipótese fantasiosa de uma viagem do Buda para o Ocidente antigo inverte totalmente os nossos pressupostos sobre a origem das formas artísticas. Ao imaginar uma influência budista na arte greco-romana, Utarit propõe uma arqueologia alternativa das nossas referências estéticas. Esta abordagem revela quão frágeis e construídas permanecem as nossas certezas sobre a anterioridade ocidental. A exposição Déjà vu: Buddha is Hiding, apresentada simultaneamente em Singapura em 2024 nos espaços do STPI e do Private Museum [2], constitui a culminação desta reflexão de seis anos.
O artista também se destaca na arte do pastiche inteligente. As suas referências aos mestres europeus, Van Eyck, Holbein, Velázquez e Caravaggio, nunca são simples citações decorativas, mas inserem-se numa abordagem crítica coerente. Na sua série Pictorial Statement (2000), sobrepõe paisagens fotográficas tailandesas em reproduções exatas de obras-primas ocidentais, criando um diálogo visual impressionante entre dois sistemas de representação. Esta técnica de sobreposição revela os pressupostos ideológicos escondidos por trás da aparente neutralidade da imagem.
O seu método de trabalho, meticulosamente documentado, revela um processo criativo de rigor exemplar. Utarit começa por pintar em grisalha, técnica herdada dos mestres antigos, antes de adicionar a cor por glacis sucessivos. Esta abordagem tradicional do ofício pictórico permite-lhe atingir uma precisão técnica notável, onde cada detalhe contribui para o efeito global. No entanto, esta perfeição formal frequentemente esconde mensagens políticas e sociais de grande agudeza. As suas telas recentes incorporam elementos contemporâneos, grafitis, objetos industriais, referências à arte conceptual, que perturbam a serenidade aparente das suas composições.
A utilização de modelos reais, muitas vezes pessoas próximas ou encontros fortuitos como o mágico bengalês Samlee, ancora o seu trabalho na realidade social contemporânea da Tailândia. Este método permite-lhe evitar a armadilha da arte decorativa para manter uma ligação viva com a sua época. Os seus retratos, de realismo impressionante, revelam a complexidade identitária da sociedade tailandesa moderna, dividida entre tradições locais e influências globalizadas.
O impacto internacional da sua obra testemunha a sua capacidade de ultrapassar os particularismos culturais para atingir uma dimensão universal. As suas exposições na Europa, América e em toda a Ásia têm um sucesso crítico constante, provando que o seu discurso artístico ressoa além das fronteiras geográficas e culturais. A participação recente de Utarit na exposição colateral da Bienal de Veneza 2024 The Spirits of Maritime Crossing [3] confirma o seu crescente reconhecimento internacional.
No entanto, apesar deste reconhecimento mundial, Utarit permanece profundamente enraizado no seu contexto tailandês. A sua prática diária, ritmada por uma disciplina rigorosa, começando no estúdio às 6h30 e saindo às 19h, testemunha uma ética de trabalho influenciada pela filosofia budista. Esta disciplina não é uma constrição, mas um florescimento, como ilustra a sua paixão pela arte do bonsai que alimenta a sua reflexão artística. A atenção ao detalhe, a paciência necessária para o crescimento, a aceitação dos ciclos naturais: tantas lições que o artista transpõe na sua prática pictórica.
A obra de Utarit questiona igualmente as nossas relações com a temporalidade artística. As suas séries desenvolvem-se ao longo de vários anos, Optimism is Ridiculous durante três anos e Déjà vu durante seis anos, revelando uma concepção do tempo criativo que se opõe à imediaticidade contemporânea. Esta temporalidade longa permite-lhe aprofundar as suas intuições iniciais até à exaustão do seu potencial expressivo. Cada série funciona como um ciclo completo de investigações plásticas e conceptuais, onde cada obra enriquece e complexifica a reflexão global.
A sua abordagem ao sagrado é particularmente interessante. Numa sociedade tailandesa maioritariamente budista, Utarit não se limita a opor Oriente e Ocidente, mas explora as convergências espirituais entre tradições religiosas. As suas composições revelam correspondências perturbadoras entre iconografias budista e cristã, sugerindo raízes comuns para além das diferenças doutrinárias. Esta abordagem sincrética do religioso permite-lhe ultrapassar as divisões confessionais para explorar a universalidade da experiência espiritual humana.
O artista desenvolve assim uma estética do reconhecimento mútuo, onde as diferentes tradições culturais podem encontrar-se sem se negar. As suas telas propõem um modelo de intercâmbio cultural baseado no respeito e na curiosidade recíproca em vez da dominação. Esta visão otimista, apesar do título pessimista da sua série mais famosa, transparece na própria beleza das suas composições. Pois Utarit continua, acima de tudo, a ser um pintor da beleza, capaz de revelar a graça escondida nas situações mais complexas.
A sua técnica pictórica atinge uma maturidade notável nas suas obras recentes. A série Historia (2023) testemunha um domínio completo dos meios expressivos, onde cada efeito plástico serve o propósito conceptual. Os seus empastes subtis, os seus glacis transparentes, os seus modelados com uma precisão cirúrgica: tudo contribui para criar imagens de uma intensidade impressionante. Esta virtuosidade técnica nunca é gratuita, mas está sempre ao serviço de uma visão artística coerente.
A influência de Utarit na cena artística contemporânea tailandesa permanece considerável. As suas inovações plásticas e conceptuais inspiram uma nova geração de artistas asiáticos preocupados em reconciliar a herança local com a linguagem internacional. O seu exemplo prova que é possível desenvolver uma prática artística autenticamente contemporânea sem renegar as suas raízes culturais.
As suas colaborações recentes com o atelier STPI de Singapura abrem novas perspetivas ao seu trabalho. A exploração das técnicas de impressão e de fabricação do papel permite-lhe enriquecer o seu vocabulário plástico ao mesmo tempo que aprofunda a reflexão sobre os intercâmbios culturais. Estas experiências técnicas testemunham uma curiosidade artística intacta após mais de trinta anos de carreira.
A obra de Utarit lembra-nos que a arte contemporânea não pode ser compreendida sem ter em conta as dinâmicas pós-coloniais que atravessam a nossa época. As suas telas revelam o quanto as hierarquias culturais herdadas do passado colonial continuam a influenciar as nossas perceções estéticas. Contudo, longe de se limitar a denunciar esses desequilíbrios, o artista propõe caminhos de reconciliação criativa entre as culturas.
O seu percurso exemplifica a possibilidade de uma globalização cultural respeitadora das diversidades locais. Formado nos cânones ocidentais, nutrido de referências universais, Utarit continua, no entanto, profundamente tailandês na sua sensibilidade e preocupações. Esta síntese bem-sucedida entre o local e o global constitui talvez a sua contribuição mais preciosa para a arte contemporânea.
Natee Utarit encarna assim uma figura de artista-pensador capaz de transformar os legados do passado em visões de futuro. As suas telas, de uma beleza inegável, contêm os germes de uma compreensão renovada das relações interculturais. Num mundo atravessado por tensões identitárias, a sua obra propõe um modelo de diálogo respeitador entre as civilizações. Eis o que faz a grandeza deste artista: a sua capacidade de transformar a crítica em celebração, a denúncia em reconciliação, o conflito em harmonia criativa.
- Bauman, Zygmunt. Modernidade Líquida. Cambridge: Polity Press, 2000.
- “Natee Utarit: Déjà vu: O Buda está Escondido.” STPI Creative Workshop & Gallery, Singapura, 28 de setembro – 1 de dezembro de 2024.
- “Os Espíritos da Travessia Marítima.” Exposição paralela da 60.ª Bienal de Veneza, Palazzo Smith Mangilli Valmarana, 20 de abril – 24 de novembro de 2024.
- Utarit, Natee. Entrevista com o autor. Art Plugged, 2024.
