Ouçam-me bem, bando de snobs. Nina Chanel Abney tende-nos um espelho deformante da nossa época, onde as linhas de fuga da modernidade de Picasso encontram a brutalidade imediata da imagem digital contemporânea. Esta artista norte-americana, nascida em 1982 em Chicago, desenvolve há duas décadas uma linguagem visual que interroga as nossas certezas com a eficácia de um golpe no estômago e a sofisticação de uma partitura de jazz.
A arquitetura do caos : Uma modernidade reinventada
Quando Abney se reapodera do legado cubista, ela não se limita a citar Picasso ou Braque. Ela desvia as suas inovações formais para criar um vocabulário plástico decididamente ancorado no século XXI. As suas composições fragmentadas evocam menos as Demoiselles d’Avignon do que a fragmentação dos nossos ecrãs, a proliferação dos nossos fluxos de informação, a saturação dos nossos feeds do Instagram. Esta filiação ao cubismo histórico não é nem nostálgica nem reverente : é estratégica.
A artista toma emprestado à modernidade europeia as suas ferramentas de desconstrução formal para analisar as estruturas de poder contemporâneas. As suas figuras geometrizadas, de contornos nítidos e cores saturadas, parecem fugidas de um universo digital onde o emoji disputa território com a arte conceptual. Esta estética da simplificação aparente esconde uma complexidade narrativa temível. Cada tela de Abney funciona como um testemunho visual em que se sobrepõem referências pop, crítica social e questionamentos identitários.
Em Catfish (2017), ela orquestra um balé de corpos nus em 5,5 metros, evocando simultaneamente o espírito das Demoiselles d’Avignon e a cultura do selfie erótico. Esta obra magistral ilustra perfeitamente o método de Abney : partir de um referente artístico canónico para interrogar os nossos comportamentos contemporâneos mais prosaicos. Os corpos das suas personagens, reduzidos às suas componentes geométricas essenciais, tornam-se ideogramas de desejo e mercantilização.
Esta abordagem neo-cubista permite à artista ultrapassar os limites da representação tradicional. Ao fragmentar os seus sujeitos, ela liberta-os das atribuições identitárias fixas. As suas personagens de rostos estilizados e corpos angulares escapam às categorizações raciais ou de género convencionais, criando um espaço de liberdade interpretativa que poucos artistas contemporâneos conseguem manter com tal constância.
O recurso a formas geométricas simples, círculos, triângulos e retângulos, nunca é gratuito em Abney. Trata-se de uma gramática visual que permite construir narrativas complexas a partir de elementos formais elementares. Esta economia de meios, herdada das vanguardas históricas, serve aqui um discurso crítico contemporâneo de rara acuidade. A artista demonstra assim que a inovação formal pode ainda ser um vetor de subversão política, desde que se saiba articulá-la a uma visão do mundo exigente.
A poética da imediaticidade : Uma estética da urgência
A obra de Abney mantém com a poesia contemporânea relações que poderíamos qualificar de osmóticas. Tal como alguns poetas da sua geração que praticam o corte digital ou a fragmentação sintática, ela procede por colisões semânticas e sobreposições visuais. As suas telas funcionam segundo uma lógica próxima da do verso livre: organizam os seus elementos segundo um ritmo interno que escapa às regras clássicas da composição.
Esta afinidade com a escrita poética manifesta-se particularmente no seu uso do texto. Palavras truncadas, acrónimos, onomatopéias surgem no meio das suas composições como tantos versos livres inscritos na matéria pictural. Em Untitled (FUCK TE OP) (2014), os fragmentos textuais, “BLACK”, “KILL”, “WOW”, pontuam o espaço visual com a força contundente de um poema de protesto. Estas inserções linguísticas nunca são redundantes com a imagem; criam, pelo contrário, efeitos de sentido por fricção, à semelhança dos melhores poetas contemporâneos que fazem emergir o sentido da colisão entre registos heterogéneos.
A artista domina a arte do atalho semântico, essa capacidade de condensar numa imagem única redes complexas de significados. Os seus títulos participam desta poética da condensação: Miss Opportunity, Sea & Seized testemunham um gosto pelo trocadilho que não é gratuito. Estes jogos de palavras revelam, pelo contrário, uma consciência aguda do poder subversivo da linguagem, essa capacidade que as palavras têm de se voltarem contra os seus usos convencionais para revelar verdades escondidas [1].
A temporalidade das suas obras acompanha a da poesia contemporânea: privilegia o instante decisivo, o momento da viragem onde o sentido se cristaliza. As suas composições capturam instantes de tensão máxima, manifestação, agressão policial e performance de género, e fixam-nas numa eternidade plástica que revela toda a carga poética. Esta estética do instantâneo permite à artista captar o espírito do tempo com uma precisão que uma abordagem mais tradicional da pintura narrativa não permitiria.
A influência do slam e do rap na sua obra merece ser destacada. Tal como estas formas de expressão, a arte de Abney privilegia o impacto imediato e a ressonância duradoura. As suas obras funcionam em vários níveis de leitura simultânea: acessíveis ao primeiro olhar, revelam progressivamente as suas camadas de significado mais profundas. Esta estratégia de revelação progressiva assemelha-se às técnicas dos melhores rappers, capazes de fazer coexistir na mesma música simplicidade melódica e complexidade textual.
A dimensão performativa das suas obras aproxima-as igualmente da poesia ação. Quando Abney ocupa o espaço público com as suas frescos ou transforma um campo de basquetebol em obra de arte, ativa uma poética da intervenção que ultrapassa o quadro tradicional da galeria. Estas obras in situ criam situações poéticas inesperadas onde a arte se mistura ao quotidiano segundo modalidades que recordam as melhores experimentações da poesia contemporânea [2].
A estratégia do desvio : A arte como arma de precisão
A eficácia crítica de Abney assenta numa estratégia de desvio de rara sofisticação. A artista nunca denuncia frontalmente; prefere infiltrar os códigos visuais dominantes para os subverter por dentro. Esta abordagem oblíqua permite-lhe atingir um público muito mais vasto do que fariam obras explicitamente militantes, conservando ao mesmo tempo uma radicalidade política inegável.
As suas colaborações com marcas como Nike Jordan ou Timberland ilustram perfeitamente esta tática. Ao aceitar trabalhar para gigantes do capitalismo contemporâneo, Abney não trai as suas convicções: ela infiltra-as. Os seus designs para estas marcas introduzem sub-repticiamente as suas obsessões formais e temáticas no universo do consumo em massa. Esta estratégia de entrismo cultural revela-se redutoramente eficaz: permite que os seus códigos visuais contaminem o espaço público segundo modalidades inéditas.
A artista entende intuitivamente que a crítica mais eficaz procede por sedução em vez de repulsa. As suas telas atraem primeiro pelo impacto visual imediato, cores vibrantes, composições dinâmicas e referências pop familiares, antes de revelar a sua carga crítica [3]. Esta estética do cavalo de Troia permite a Abney atingir públicos que de outro modo rejeitariam arte abertamente política.
O uso de humor da artista integra esta estratégia de desarmar a crítica. Quando ela representa Condoleezza Rice em bikini em Randaleeza (2008), a artista recorre à caricatura em vez da denúncia direta. Esta abordagem satírica, herdeira da tradição da caricatura política, revela-se mais devastadora do que um retrato acusatório convencional. O humor torna-se aqui uma reveladora química que traz à tona as contradições dos seus temas.
A multiplicidade dos níveis de leitura das suas obras constitui outro aspeto desta estratégia. Cada tela de Abney pode ser apreciada pela sua pureza formal, pelas suas referências culturais, pela sua carga política ou pela sua dimensão lúdica [4]. Esta polissemia assumida permite-lhe alcançar simultaneamente públicos com expectativas divergentes, criando um espaço de diálogo crítico raro na arte contemporânea.
A artista domina também a arte da alusão e da sugestão. Em vez de representar explicitamente a violência policial, prefere jogar com a inversão dos papéis raciais, como na sua série de 2015 onde policiais negros prendem suspeitos brancos. Esta abordagem contrafactual obriga o espectador a questionar os seus próprios preconceitos enquanto revela a arbitrariedade das relações de dominação contemporâneas.
O legado e a inovação : Rumo a uma estética pós-identitária
Nina Chanel Abney insere-se numa linhagem de artistas afro-americanos que revolucionaram a arte contemporânea, desde Jean-Michel Basquiat a Kara Walker passando por Kerry James Marshall. Mas ela distingue-se pela sua capacidade de ultrapassar as designações identitárias sem as ignorar. As suas obras interrogam a questão racial americana ao mesmo tempo que recusam limitar-se a ela.
Esta posição singular permite-lhe desenvolver uma arte verdadeiramente pós-identitária, que integra as conquistas das lutas pela reconhecimento sem se enclausurar nelas. As suas personagens estilizadas, com identidades propositadamente ambíguas, personificam esta aspiração a um universal que não negue as particularidades. A artista demonstra assim que é possível falar de raça sem racializar, evocar o género sem essencializar.
A sua influência na jovem geração de artistas americanos já é patente. Muitos pintores emergentes adotam os seus códigos formais, geometrização das figuras, uso de cores saturadas e inserção de textos, para desenvolver as suas próprias pesquisas. Esta influência estilística testemunha a pertinência das suas inovações formais bem como o seu potencial de desenvolvimento.
A exposição LIE DOGGO na Jack Shainman Gallery marca uma nova etapa na evolução da artista. Ao investir na escultura e na arte digital, Abney demonstra que a sua linguagem visual pode adaptar-se a todos os suportes. Esta capacidade de adaptação testemunha a solidez conceptual da sua abordagem: para além dos efeitos de superfície, é, de facto, uma visão do mundo coerente que se expressa através das suas obras.
A artista encarna uma geração de artistas que cresceram com a internet e as redes sociais, e que integram naturalmente estas referências na sua prática. As suas obras revelam as estruturas de poder que governam as nossas interações digitais enquanto exploram as possibilidades estéticas destes novos territórios. Esta dupla consciência, crítica e criativa, faz dela uma das figuras mais relevantes da arte contemporânea americana.
Nina Chanel Abney lembra-nos que a arte pode ainda ser um espaço de resistência e de invenção, desde que se aceite perturbar as categorias estabelecidas. A sua obra testemunha uma época em mutação onde os antigos referenciais vacilam sem que os novos estejam ainda estabilizados. Nesta incerteza generalizada, ela traça linhas de fuga que permitem entrever outros possíveis. Talvez aí resida a sua principal força: convencer-nos de que a arte pode ainda mudar o nosso olhar sobre o mundo, e consequentemente, contribuir para o transformar.
- Saltz, Jerry, “How to Be an Artist”, Simon & Schuster, 2020.
- Abney, Nina Chanel, citada em Fuller, Daniel, “Nina Chanel Abney: How To Live Bold”, Upstate Diary, 2024.
- Abney, Nina Chanel, entrevista com Jamillah James, Royal Flush (catálogo de exposição), Nasher Museum of Art, 2017.
- O’Leary, Erin, “The Remixed Symbology of Nina Chanel Abney”, Contemporary Art Review Los Angeles, 2018.
