Ouçam-me bem, bando de snobs : existe na arte contemporânea uma jovem artista líbia que recusa certezas fáceis, preferindo tecer a sua linguagem nos interstícios onde se encontram o têxtil e a arquitectura, a memória e o deslocamento. Nour Jaouda, nascida em 1997, trabalha entre Londres e Cairo, criando tapeçarias e instalações que interrogam as noções de lugar, identidade e espiritualidade com uma acuidade rara. A sua obra, apresentada na 60.ª Bienal de Veneza em 2024 e atualmente exposta na Spike Island (Bristol) até janeiro de 2026, coloca questões essenciais sobre o que significa habitar o mundo contemporâneo num estado de mobilidade perpétua.
A poesia como cartografia do exílio
A obra de Jaouda encontra uma das suas âncoras mais profundas na poesia palestiniana de Mahmoud Darwish. As três tapeçarias apresentadas em Veneza inspiram-se diretamente na personificação das oliveiras em Darwish, essas árvores que encarnam tanto o enraizamento como o desenraizamento. Darwish escrevia desde uma posição de exílio, procurando na linguagem poética uma pátria portátil. Jaouda faz o mesmo com o têxtil, criando o que chama “uma paisagem de memória que existe num espaço liminar”. A referência aos figueiras da sua avó em Bengazi, materializada em Where the fig tree cannot be fenced (2023), prolonga esta meditação sobre a árvore como metáfora da pertença impossível. As formas vegetais são desconstruídas até se tornarem quase irreconhecíveis, condensadas numa paisagem de verdes sobrepostos onde as lacunas funcionam como silêncios poéticos.
O que é notável é a maneira como Jaouda traduz a sintaxe poética em vocabulário têxtil. Cada recorte, cada montagem, cada tingimento funciona como uma metáfora materializada. Os teóricos pós-coloniais Edward Said e Stuart Hall, que Jaouda cita como influências intelectuais, analisaram como a identidade cultural se forma de maneira fluida e não fixa. Jaouda adota esta perspetiva teórica mas transpoem-na para o domínio do sensível, criando obras que encarnam literalmente este processo de vir a ser. Os seus têxteis não representam a identidade, eles a performam.
A escritora libanesa Etel Adnan, cuja citação Jaouda retoma, “os lugares geográficos tornam-se conceitos espirituais” [1], oferece outro ponto de ancoragem. Adnan, que também viveu entre várias línguas e geografias, compreendia que o deslocamento não é apenas físico mas ontológico. Os lugares tornam-se conceitos, os mapas tornam-se meditações. Dust that never settles (2024), com os seus azuis oceânicos e verdes que se fundem, materializa esta ideia de uma geografia que se recusa a fixar. A lentidão do processo de criação, tingimento vegetal que demora vinte e quatro horas para impregnar o tecido, depois mais vinte e quatro horas para secar, impõe uma temporalidade meditativa próxima da da escrita poética. Cada prega do tecido transportada nas malas torna-se parte integrante da obra, inscrição material da viagem, arquivo táctil do deslocamento.
A arquitetura como limiar do sagrado
Se a poesia fornece o enquadramento conceptual, é a arquitetura que estrutura formalmente o trabalho de Jaouda. O seu interesse pelo arquiteto egípcio AbdelWahed El-Wakil, conhecido pela utilização da arquitetura vernacular e da geometria divina, não é fortuito. El-Wakil defendia a ideia de que os edifícios não precisam de ser permanentes. Esta visão encontra um eco direto na prática de Jaouda, para quem os têxteis podem ser enrolados, transportados, reinstalados em novos contextos.
A instalação Before the Last Sky (2025), apresentada na Bienal de arte islâmica, é um exemplo desta abordagem. A obra inclui três amplas tapeçarias suspensas desde o teto até ao chão, representando as posturas da oração islâmica, sujud, ruqu’ e julus. Estes têxteis estão suspensos em portais metálicos desconstruídos, criando uma inversão de perspetiva: as portas descem do céu em vez de se elevarem do chão. A instalação utiliza os motivos dos merlões islâmicos, essas formas arquitetónicas ornamentais que coroam as mesquitas. Os merlões interessam a Jaouda porque constituem um espaço liminar, alternando entre cheio e vazio, terra e céu, material e espiritual. Ela concentra-se nos espaços negativos entre os merlões, criando significado a partir do que está ausente. Esta abordagem revela uma compreensão sofisticada da estética islâmica, que evita a representação figurativa para expressar o divino através da repetição geométrica.
O tapete de oração, forma recorrente na obra de Jaouda, constitui o seu paradigma arquitetónico por excelência. Este pedaço de tecido comum torna-se um espaço sagrado através do ato da oração. Cria um “terceiro espaço” temporário, um limiar que pode ser desdobrado em qualquer lugar. Esta portabilidade do sagrado ressoa profundamente com a experiência de mobilidade que caracteriza a vida da artista. As estruturas em aço que ela incorpora, portais e arcos recuperados nos mercados do Cairo, funcionam como esqueletos arquitetónicos. Elas criam uma estrutura sem interromper o espaço, convidando o espectador a circular ao redor, através dele. Para The Shadow of every tree na Art Basel 2024, Jaouda construiu um amplo portal de aço que se estendia por toda a largura do espaço, obrigando os visitantes a atravessar esse limiar. O portal recusava o acesso direto enquanto convidava à exploração.
Esta atenção às estruturas que organizam o espaço sem o compartimentar lembra os moucharabieh, essas grades de madeira vazadas que permitem ver sem ser visto. Os têxteis de Jaouda funcionam de maneira semelhante: criam espaços mas permanecem permeáveis. A instalação The iris grows on both sides of the fence (2025) em Spike Island, concebida como uma tenda em colaboração com os artesãos de Chariah-el-Khayamia no Cairo, cria um local de luto coletivo pelos paisagens desraizados. A escolha do íris de Faqqua, flor nacional da Palestina, para enfeitar esta tenda não é inocente. Esta flor, símbolo de resistência e esperança, cresce dos dois lados da barreira. A arquitetura têxtil de Jaouda recusa divisões binárias: ela cria espaços onde coexistem múltiplas histórias, múltiplas geografias. As suas obras não são nem pinturas nem esculturas, habitam o entremeio, recusando classificações rígidas.
O processo como filosofia
O processo criativo de Jaouda encarna filosoficamente a sua visão. Ela começa por esboçar as formas geométricas e orgânicas que encontra: treliças de mesquitas cairotes, motivos florais, elementos arquitetónicos vitorianos. Estas formas planas são transformadas em objetos que ela recorta, molda, rasga, reconstrói e cose. O vocabulário que utiliza é revelador: “desconstrução”, “destruição”, “descolagem”. Esta abordagem paradoxal, construir pela desconstrução, encontra a sua justificação nos pensadores pós-coloniais que ela menciona. Hall e Said demonstraram que as identidades culturais se formam de maneira fluida através do movimento.
A tintura vegetal, processo lento e imprevisível, confere aos pigmentos uma agente própria. As cores infiltram-se nas fibras, transformam a materialidade do tecido. No Cairo, as suas obras revestem-se de amarelos quentes, azuis profundos. Em Londres, as cores arrefecem, verdes surdos, castanhos, violetas. A cor torna-se uma língua que ultrapassa a linguagem verbal. Esta prática nómada inscreve fisicamente o deslocamento na obra. Jaouda afirma que esta “existência sem raízes” [2] constitui o coração da sua pesquisa. As obras possuem esta qualidade rara de serem simultaneamente completas e incompletas. Esta indeterminação reflete a convicção da artista que a identidade cultural é “um processo constante de tornar-se” [3]. Os têxteis não têm nem início nem fim, participam de uma continuidade que ultrapassa o objeto individual.
Habitar o entredois
Chegados ao fim desta exploração, o que reter? O trabalho de Jaouda resiste às simplificações, recusa as pertenças nítidas, cultiva a ambiguidade produtiva. A coerência entre a sua abordagem conceptual e a sua implementação material impressiona: a mobilidade não é um tema que ela ilustra, é a condição mesma da sua prática. Os têxteis que se dobram, transportam, reinstalam incorporam literalmente a ideia de uma identidade portátil. O tapete de oração que cria um espaço sagrado em qualquer lugar onde é colocado torna-se metáfora desta possibilidade de levar consigo o seu lugar, a sua história.
Num mundo onde os fluxos migratórios se intensificam, onde milhões de pessoas vivem entre vários países, várias línguas, várias culturas, a obra de Jaouda oferece um modelo para pensar esta condição não como um défice mas como uma riqueza, como a capacidade de habitar vários mundos simultaneamente. A dimensão espiritual merece ser enfatizada. Num meio de arte contemporânea frequentemente alérgico às questões religiosas, Jaouda assume plenamente esta dimensão sem cair na ilustração piegas. O seu interesse pela oração islâmica, pelos espaços sagrados, não resulta de uma abordagem identitária defensiva mas de uma interrogação sincera sobre o que constitui um lugar sagrado.
A qualidade poética das suas obras, essa capacidade de condensar realidades complexas em formas evocativas em vez de descritivas, distingue-as de certa arte conceptual que privilegia o discurso sobre a experiência sensorial. Os têxteis de Jaouda funcionam em vários níveis: podem ser apreciados pela sua beleza formal, pelas suas cores sumptuosas; mas oferecem-se também a leituras mais profundas para quem aceita abrandar. Esta polissemia é uma força. Seria tentador ver nesta obra uma simples reação à crise geopolítica contemporânea. Seria reduzi-la. Certamente, a presença do íris palestiniano, o título Before the Last Sky que faz referência a Said, a referência aos figos de Benghazi ancoram a obra na atualidade trágica. Mas Jaouda recusa a arte como ilustração direta do político. Ela opera a um nível mais subtil, criando espaços onde podem coexistir a beleza e o luto.
O que torna o seu trabalho necessário é essa capacidade de manter a complexidade, de resistir às simplificações binárias. Numa época em que os discursos se alimentam de divisões cortantes, nós contra eles, aqui contra ali, Jaouda propõe formas que habitam deliberadamente o espaço intermédio. Os seus tecidos não são nem orientais nem ocidentais, nem tradicionais nem contemporâneos. Eles existem neste espaço do “nem nem” que é também um “e e”, afirmando a possibilidade de pertenças múltiplas. A obra de Jaouda recorda-nos que a arte não tem como missão fornecer respostas definitivas, mas sim manter abertas as questões essenciais. O que significa pertencer a um lugar quando se vive entre vários mundos? Como carregar consigo a sua cultura sem a cristalizar em folclore? Como criar o sagrado? Como construir pela desconstrução?
Estas interrogações atravessam os seus tecidos sem jamais se resolverem em certezas confortáveis. É precisamente essa tensão produtiva, esse equilíbrio precário entre enraizamento e desenraizamento, presença e ausência, material e espiritual que faz a força do seu trabalho. Num século que se anuncia dominado pelas migrações, onde a questão do que significa ter ou não ter um lugar se colocará com uma acuidade crescente, a obra de Jaouda oferece bem mais do que uma reflexão estética. Ela propõe um modo de existência, uma maneira de habitar o mundo que reconcilia a mobilidade com a necessidade de pertença. Os seus tecidos não são objetos para contemplação passiva, mas propostas existenciais, convites a repensar a nossa relação com o lugar, com a identidade, com o sagrado. É por isso que Nour Jaouda conta entre as vozes artísticas mais importantes da sua geração.
- Etel Adnan, Journey to Mount Tamalpais, The Post-Apollo Press, 1986
- Sofia Hallström, “Artist Nour Jaouda’s landscapes of memory”, Art Basel, março de 2024
- Lu Rose Cunningham, “In Conversation with Nour Jaouda”, L’Essenziale Studio Vol.08, abril de 2025
