Ouçam-me bem, bando de snobs : aqui está um artista que se recusa a desviar o olhar perante o apocalipse quotidiano das nossas metrópoles contemporâneas. Sayre Gomez, mestre do hiper-realismo californiano, confronta-nos com uma verdade que preferimos ignorar por detrás dos nossos ecrãs e filtros do Instagram. As suas telas, de uma precisão técnica estonteante, revelam a poesia escondida no lixo da nossa civilização consumista. Cada pincelada, cada brilho de néon defeituoso, cada autocolante descolado testemunha uma humanidade que sobrevive nas fendas do capitalismo tardio.
A obra de Gomez baseia-se num paradoxo fundamental: como pode a ilusão perfeita revelar uma verdade mais autêntica do que a própria realidade? As suas pinturas, realizadas com aerógrafo segundo técnicas emprestadas a decoradores de Hollywood, transformam as paisagens urbanas de Los Angeles em alegorias contemporâneas. Em Palm Tower, essa antena disfarçada de palmeira sob um céu digno de Tiepolo, o artista expõe a máscara da nossa infraestrutura tecnológica. O sublime pictural encontra a trivialidade industrial numa fricção que gera um desconforto profundo, uma sensação de catástrofe iminente que atravessa toda a sua obra.
Esta estética da desilusão encontra raízes numa tradição literária europeia particularmente rica. A abordagem de Gomez evoca irresistivelmente o universo de J.G. Ballard, aquele explorador das patologias da modernidade tardia. Tal como o autor britânico nos seus romances de antecipação urbana, Gomez revela como os nossos ambientes moldam a nossa psique coletiva. Os centros comerciais abandonados, os painéis publicitários decrépitos e os carros queimados das suas telas recordam as paisagens mentais de Ballard, onde a tecnologia e o desejo consumista geram novas formas de alienação. Em Crash ou A Floresta de Cristal, Ballard já descrevia essa estetização da violência urbana que Gomez materializa nas suas composições cuidadosamente orquestradas [1].
O artista partilha com o escritor essa fascinação pelos espaços liminares, essas zonas onde a civilização revela as suas falhas. As suas pinturas de lojas fechadas, terrenos baldios espalhados de lixo e sinalização defeituosa constituem tantos territórios psicogeográficos onde se cristalizam as tensões da nossa época. Ballard falava de “ficção especulativa” para descrever as suas explorações dos futuros prováveis; Gomez pratica uma “pintura especulativa” que revela os presentes escondidos das nossas metrópoles. As suas obras respetivas operam por acumulação de detalhes aparentemente anodinos que, uma vez reunidos, desenham um retrato impiedoso da nossa condição contemporânea.
Esta dimensão crítica da arte de Gomez também se ilumina pela sua relação com a imagética cinematográfica, particularmente com o cinema de ficção científica distópica. A influência da sétima arte na sua prática vai além da simples referência estética para se tornar num modo operatório. As suas telas funcionam como planos-sequência imóveis, paragens de imagem extraídas de um filme invisível que documentaria a agonia do Sonho Americano. Esta abordagem cinematográfica manifesta-se na sua mestria da luz, nos seus enquadramentos precisos e na sua capacidade de criar uma tensão narrativa a partir de elementos estáticos.
A obra de Gomez dialoga particularmente com a estética do film noir e do cinema de série B dos anos 1950 e 1960, essas produções que já exploravam as zonas de sombra do sonho americano. Tal como nos filmes de Don Siegel ou de Samuel Fuller, as suas pinturas revelam uma América subterrânea, aquela dos excluídos e dos espaços deserdados. As suas composições noturnas, banhadas por néons pálidos e iluminações artificiais, evocam a imagética expressionista do film noir ao mesmo tempo que a atualizam no contexto da metrópole contemporânea.
Ainda mais, Gomez inscreve-se na linhagem do cinema de ficção científica pessimista, de Blade Runner de Ridley Scott aos filmes de John Carpenter. As suas paisagens urbanas partilham com essas obras uma visão crepuscular da modernidade, onde a tecnologia, longe de libertar a humanidade, submete-a a novas formas de opressão. As torres de telecomunicações disfarçadas de vegetação, os ecrãs omnipresentes e as infraestruturas degradadas das suas telas evocam esses futuros distópicos onde a fronteira entre o orgânico e o artificial se desvanece perigosamente.
O tratamento da cor em Gomez também empresta ao vocabulário cromático do cinema fantástico e de terror. Os seus pores do sol com tonalidades químicas, as suas iluminações de néon saturadas e os seus céus apocalípticos fazem lembrar a paleta visual de filmes como Suspiria de Dario Argento ou Mandy de Panos Cosmatos. Esta colorimetria expressionista transforma o banal em inquietante, o familiar em ameaçador, revelando as potencialidades de horror escondidas no nosso quotidiano urbano.
O artista desenvolve uma gramática visual que empresta aos códigos do cinema de género para transformar a realidade documental numa experiência estética perturbadora. As suas técnicas de composição, herdadas dos decoradores de cenários de Hollywood, criam uma hiperrealidade que revela os mecanismos de construção das nossas imaginações coletivas. Cada detalhe das suas telas é calculado com a precisão de um diretor de fotografia, cada efeito de luz pensado como um elemento narrativo. Esta abordagem cinematográfica da pintura permite a Gomez ultrapassar a simples representação para criar verdadeiros ambientes imersivos.
A influência do cinema no seu trabalho manifesta-se também na sua conceção serial da criação. Como um realizador a desenvolver um universo fílmico coerente através de várias obras, Gomez constrói metodicamente uma mitologia pessoal de Los Angeles. As suas séries X-Scapes, Halloween City ou Heaven ‘N’ Earth funcionam como episódios de uma saga visual que cartografa as mutações da metrópole californiana. Esta abordagem serial permite-lhe aprofundar as suas obsessões temáticas ao mesmo tempo que varia os ângulos de abordagem, criando um corpus de notável coerência narrativa.
A precisão técnica de Gomez, longe de ser um simples feito de habilidade, constitui uma posição estética e política. Numa época em que a imagem digital banalizou a manipulação visual, o seu regresso ao saber-fazer artesanal do aerógrafo afirma a persistência da mão humana face à automatização. As suas esculturas de barreiras de estacionamento, reproduzidas com um cuidado obsessivo a partir de materiais reciclados, questionam a nossa relação com a autenticidade num mundo saturado de simulacros.
Esta busca pela hiper-realidade revela paradoxalmente a artificialidade dos nossos ambientes contemporâneos. Ao reproduzir fielmente as texturas degradadas, as superfícies riscadas e as cores desbotadas dos seus temas urbanos, Gomez expõe os processos de desgaste e deterioração que afetam os nossos espaços de vida. As suas telas tornam-se arquivos da deliquescência, testemunhos da fragilidade das nossas construções humanas perante o tempo e os elementos.
O artista desenvolve também uma reflexão profunda sobre os códigos visuais da representação contemporânea. As suas pinturas de montras, com os seus reflexos complexos e superfícies estratificadas, questionam a nossa perceção da realidade na era dos ecrãs omnipresentes. Como ele próprio afirma: “A fotografia já não pode apresentar a verdade de maneira objetiva. Gosto da ideia de tentar compreender a verdade ou de a encontrar de uma forma indireta. A verdade é algo subjetivo” [2].
Esta consciência da subjetividade inerente a toda representação coloca Gomez numa posição crítica face às pretensões documentais da arte contemporânea. As suas composições, cuidadosamente organizadas a partir de elementos díspares recolhidos no seu arquivo fotográfico pessoal e nas bases de dados digitais de imagens, assumem plenamente o seu caráter construído. Esta abordagem pós-fotográfica revela os mecanismos de produção dos nossos imaginários visuais enquanto questiona o valor de verdade atribuído à imagem.
A obra de Gomez enriquece-se de uma dimensão sociológica particularmente pertinente no contexto contemporâneo americano. As suas representações da pobreza urbana, dos sem-abrigo e dos espaços abandonados testemunham as fraturas sociais que atravessam a sociedade californiana. Longe de qualquer voyeurismo compassivo, as suas telas revelam com uma frieza clínica os mecanismos de exclusão e marginalização que operam nas nossas metrópoles.
Esta abordagem documental encontra a sua força na capacidade de revelar o extraordinário no ordinário, o espetacular no trivial. As suas pinturas de centros comerciais abandonados, terrenos baldio e veículos acidentados transformam os sintomas da crise urbana em objetos estéticos perturbadores. Esta estetização da miséria social poderia parecer problemática, mas Gomez evita o risco da complacência pela rigorosidade da sua abordagem e pela distância crítica que mantém face aos seus sujeitos.
As suas esculturas de manequins e objetos do quotidiano, pintadas em monocromos saturados, questionam os mecanismos de fetichização comercial que regem as nossas sociedades de consumo. Estes objetos familiares, congelados no seu invólucro colorido, tornam-se relíquias de uma civilização futura, vestígios arqueológicos do nosso presente consumista. Esta abordagem museográfica revela a obsolescência programada que afeta não só os nossos objetos mas também os nossos espaços de vida e as nossas relações sociais.
O artista desenvolve uma estética da ruína contemporânea que revela os ciclos de destruição-reconstrução que marcam a evolução urbana. As suas representações de estaleiros, demolições e terrenos industriais abandonados testemunham a violência criativa do capitalismo, a sua capacidade de transformar perpetuamente o espaço urbano conforme as flutuações económicas. Esta geografia da instabilidade revela os mecanismos de acumulação primitiva que continuam a operar nas nossas metrópoles contemporâneas.
A obra de Sayre Gomez constitui um testemunho essencial da nossa época, um espelho implacável colocado às nossas ilusões coletivas. As suas pinturas, de uma beleza perturbadora, revelam a poesia escondida nos escombros da nossa modernidade tardia. Elas lembram-nos que a arte autêntica muitas vezes nasce da confrontação com aquilo que preferimos ignorar, nessas zonas de sombra onde se revelam as contradições do nosso tempo. Face à aceleração tecnológica e à crescente desmaterialização das nossas experiências, Gomez reafirma a necessidade de olhar verdadeiramente, de tomar o tempo para observação e contemplação. O seu hiper-realismo paradoxal convida-nos a redescobrir a complexidade do real, além das simplificações mediáticas e dos filtros digitais que moldam a nossa percepção contemporânea.
- J.G. Ballard, Crash (1973) e A Floresta de Cristal (1966), romances que exploram as mutações psicológicas induzidas pelos ambientes tecnológicos e urbanos.
- Entrevista com Sayre Gomez, GQ Magazine, fevereiro de 2024.
