Ouçam-me bem, bando de snobs, está na altura de falar de Urs Fischer, nascido em 1973, este escultor suíço que se diverte a contrariar as nossas expectativas com uma arte que flerta constantemente com a destruição. Sim, leu bem: a destruição. Mas não qualquer uma. Fischer pratica a arte da decomposição como um mestre pasteleiro manusearia os seus ingredientes, com uma precisão cirúrgica e um sentido apurado do espetáculo.
Nesta selva artística contemporânea onde cada criador tenta desesperadamente destacar-se, Fischer escolheu o caminho da metamorfose perpétua, lembrando estranhamente o conceito heracliteano do “panta rhei”, tudo flui, tudo muda. As suas esculturas em cera que se consomem lentamente, as suas instalações que propositadamente apodrecem, as suas estruturas arquitetónicas que parecem desafiar a gravidade: tudo na sua obra grita-nos que nada é permanente. É como se o próprio Heraclito tivesse tomado posse de uma galeria de arte contemporânea para nos demonstrar que nunca se pode entrar duas vezes no mesmo rio.
Tomemos as suas famosas esculturas em cera. Em 2011, ele cria uma réplica em tamanho real de “O Rapto das Sabinas” de Giambologna, esta obra magistral do Renascimento, para a transformar numa gigantesca vela que arde durante toda a Bienal de Veneza. Aqui está uma apropriação magistral do conceito nietzschiano do eterno retorno, mas com uma torção irónica: em vez de regressar eternamente, a obra destrói-se metodicamente a si própria, questionando a nossa relação obsessiva com a conservação da arte.
As suas esculturas em cera que se consomem lentamente obrigam-nos a confrontar a nossa própria mortalidade, mas de uma maneira estranhamente alegre. Há algo de libertador na forma como ele abraça a destruição como parte integrante do processo criativo. É um memento mori que não nos deprime, mas antes nos convida a celebrar o momento presente.
No mundo de Fischer, a destruição não é um fim em si mesma, mas um meio de criação. As suas instalações monumentais, como “You” (2007), onde faz cavar um buraco enorme no chão de uma galeria, não são simples atos de vandalismo institucional. Não, representam uma reflexão profunda sobre a própria natureza do espaço e a nossa relação com ele. É como Gordon Matta-Clark sob ácido, se quiserem, mas com uma dose extra de provocação suíça.
A prática de Fischer é marcada por uma dualidade fascinante entre o monumental e o efémero. As suas esculturas gigantes em alumínio, como “Big Clay #4” (2013-2014), uma obra colossal de 12 metros de altura, parecem desafiar o tempo enquanto celebram a insignificância do gesto criativo. É precisamente aí que reside o seu génio: na capacidade de transformar um simples pedaço de barro num monumento titânico, mantendo ao mesmo tempo a marca do gesto original, como um memento mori contemporâneo que nos lembra que até as obras mais imponentes são apenas o fruto de um instante fugaz.
Fischer malabariza com escadas como um prestidigitador com as suas cartas. Ele amplia desmesuradamente objetos do quotidiano, criando situações surreais que teriam feito sorrir André Breton. Mas, ao contrário dos surrealistas que procuravam transcender a realidade, Fischer esforça-se por nos trazê-la de volta, lembrando-nos constantemente a materialidade das coisas. As suas obras estão ancoradas numa realidade física incontornável, mesmo quando parecem desafiar as leis da física.
O trabalho de Fischer insere-se numa tradição filosófica que remonta a Demócrito e ao seu conceito de atomismo. Tal como o filósofo grego via o mundo composto por átomos em constante movimento no vazio, Fischer cria um universo artístico onde os objetos, os materiais e os conceitos estão em perpétua recomposição. As suas instalações não são estáticas, mas vivas, em constante mutação, como se o artista tivesse conseguido capturar a essência mesmo da mudança.
Tomemos as suas “Problem Paintings”, essa série onde sobrepõe imagens de frutas ou objetos do quotidiano sobre retratos de atores de Hollywood dos anos 1940. Estas obras não são meros exercícios de estilo pós-pop art. Não, elas representam uma crítica acerada da nossa sociedade da imagem, onde a celebridade e o anonimato se cruzam num bailado absurdo. É Andy Warhol que encontra René Magritte num elevador avariado, se quiserem uma imagem.
As instalações alimentares de Fischer merecem ser destacadas. A sua “Bread House” (2004-2005), uma casa construída inteiramente em pão, não é apenas uma simples piada arquitetónica. É uma meditação profunda sobre a natureza perecível das nossas construções mais ambiciosas. O pão, esse alimento fundamental, torna-se aqui um material de construção destinado à decomposição, criando uma tensão palpável entre permanência e impermanência. É como se Fischer tivesse decidido pegar no conceito heideggeriano do ser-para-a-morte e o transformar numa experiência sensorial total.
O artista leva ainda mais longe esta reflexão com as suas instalações participativas como “YES” (2013), onde convida o público a criar esculturas em argila que secarão e se desintegrarão com o tempo. Esta democratização do ato criativo não deixa de lembrar os happenings dos anos 1960, mas Fischer adiciona-lhes uma dimensão extra: a consciência aguda da finitude. Cada participante torna-se simultaneamente criador e destruidor, numa dança macabra que celebra a criatividade humana ao mesmo tempo que aceita a sua natureza efémera.
Os espelhos desempenham um papel importante na obra de Fischer, não como simples superfícies refletoras, mas como portais para outras dimensões da perceção. As suas instalações espelho devolvem-nos a nossa própria imagem deformada, fragmentada, multiplicada, criando um diálogo complexo entre o espectador e a obra. É como se Lacan tivesse decidido tornar-se artista contemporâneo: o estádio do espelho torna-se uma experiência física, tangível, por vezes até vertiginosa.
Fischer destaca-se especialmente na sua capacidade de criar momentos de surpresa absoluta. As suas esculturas motorizadas, como essas cadeiras de escritório que se deslocam autonomamente no espaço da exposição, criam situações onde o inesperado se torna a norma. É um teatro do absurdo onde os objetos ganham vida, não para nos divertir, mas para nos confrontar com as nossas próprias expectativas em relação à arte e à realidade.
O artista manipula também a nossa perceção do espaço com uma mestria desconcertante. As suas aberturas nas paredes das galerias não são simples buracos, mas portais que revelam a natureza construída dos nossos espaços de exposição. É como se Fischer tivesse decidido pegar no conceito kantiano do espaço como forma a priori da sensibilidade e o invertesse como uma luva.
Num mundo de arte contemporânea frequentemente previsível, onde cada artista parece ter encontrado a sua niche confortável, Fischer permanece intangível. Recusa ser aprisionado numa assinatura estilística única, preferindo explorar constantemente novas direções. Esta abordagem pode parecer dispersa, mas revela na realidade uma coerência profunda: a de um artista que compreende que a arte, tal como a própria vida, está em perpétuo movimento.
Fischer não hesita em confrontar as contradições inerentes ao mundo da arte contemporânea. As suas obras monumentais, produzidas com meios tecnológicos sofisticados, coexistem com intervenções mais modestas, quase artesanais. Esta tensão entre alta tecnologia e baixa tecnologia, entre o espetacular e o íntimo, cria uma dinâmica fascinante que reflete os paradoxos da nossa época.
A sua prática artística questiona também a nossa relação com o valor na arte. Como avaliar uma obra destinada a desaparecer? O que resta quando uma escultura de cera terminou de se consumir? Estas questões remetem-nos para indagações filosóficas fundamentais sobre a natureza da arte e o seu lugar na nossa sociedade mercantil. Fischer não propõe respostas simples, mas convida-nos a refletir sobre estas questões de forma lúdica e provocante.
A utilização que Fischer faz das novas tecnologias é particularmente interessante. As suas esculturas digitalizadas em 3D e depois ampliadas a uma escala monumental representam uma fusão fascinante entre o gesto artístico tradicional e as possibilidades oferecidas pela tecnologia contemporânea. É como se o artista procurasse reconciliar o artesanato tradicional com a era digital, criando obras que existem simultaneamente em várias dimensões da realidade.
O que torna a obra de Fischer tão pertinente hoje é a sua capacidade de captar o espírito da nossa era: um período marcado pela instabilidade, incerteza e transformação constante. A sua arte recorda-nos que a beleza pode residir na impermanência, que a destruição pode ser criativa, e que a arte mais significativa é aquela que ousa questionar os seus próprios fundamentos.
