Ouçam-me bem, bando de snobs: é tempo de falar de Wim Delvoye sem rodeios, este artista belga que transforma merda em ouro e catedrais em máquinas industriais há mais de trinta anos. Nascido em 1965 em Wervik, nesta Flandres ocidental onde as tradições se mesclam às modernidades mais inesperadas, Delvoye construiu uma obra que resiste a classificações precipitadas e desafia as conveniências burguesas da arte contemporânea. A sua prática artística, oscilando entre o ornamento mais refinado e a escatologia mais direta, interroga as nossas certezas sobre a arte, o gosto e o valor numa sociedade de consumo desregrada.
A arte de Delvoye prospera no confronto perpétuo entre universos que tudo parece separar. As suas máquinas Cloaca, esses dispositivos científicos que digerem mecanicamente o alimento para produzir excrementos autênticos, coexistem com as suas esculturas góticas de uma precisão cirúrgica, cortadas a laser em aço corten. Esta coexistência aparentemente contraditória revela uma lógica profunda que atravessa toda a sua obra: a da hibridação sistemática entre o nobre e o trivial, o sagrado e o profano, o artesanal e o industrial.
Desde as suas primeiras obras na década de 1980, Delvoye desenvolve esta estética do oxímoro. Os seus galões de gás decorados com motivos Delft ou as tábuas de engomar ornamentadas com brasões heráldicos operam uma inversão das hierarquias culturais estabelecidas. Ao aplicar os códigos da arte decorativa flamenga tradicional a objetos utilitários contemporâneos, o artista revela o arbitrário dos nossos julgamentos estéticos e questiona a fronteira artificial entre arte nobre e artesanato popular.
Esta abordagem atinge o seu apogeu com o projeto Cloaca, desenvolvido no início dos anos 2000. Esta máquina digestiva, fruto de uma colaboração com cientistas e engenheiros, reproduz fielmente o processo de digestão humana num conjunto de cubas, tubos e sistemas de regulação térmica. Alimentada diariamente com pratos preparados por grandes chefs, a máquina produz excrementos que o artista acondiciona e comercializa como obras de arte. Para além da provocação evidente, Cloaca interroga a noção de utilidade na arte e a transformação de toda produção em mercadoria. Como diz o próprio Delvoye: “A arte é inútil e tudo o que é inútil é arte” [1].
Esta filosofia da inutilidade assumida entra em profunda ressonância com as teorias sociológicas desenvolvidas por Pierre Bourdieu sobre a distinção social e os mecanismos de legitimação cultural. A obra de Delvoye pode ser lida como uma experimentação em grande escala dos conceitos bourdieusianos de capital cultural e de habitus de classe. Ao desviar sistematicamente os códigos de prestígio cultural, o artista revela a sua dimensão arbitrária e construída.
A sociologia bourdieusiana esclarece particularmente o uso que Delvoye faz dos signos de distinção social. As suas tatuagens em porcos, que misturam motivos punk, logótipos de luxo e imagética Disney, operam uma transgressão calculada das fronteiras simbólicas que estruturam o espaço social. Ao aplicar símbolos de alta costura Louis Vuitton na pele de animais destinados ao abate, o artista revela o caráter fetichista do consumo de luxo e questiona os mecanismos de atribuição de valor nas nossas sociedades capitalistas.
Esta dimensão sociológica amplifica-se com a deslocalização da sua “Art Farm” para a China. Ao explorar os diferenciais de custo da mão-de-obra mundial, Delvoye encena as lógicas da globalização neoliberal. Os seus porcos tatuados tornam-se literalmente “obras de arte que crescem”, encarnação perfeita da ideologia capitalista que transforma toda atividade humana em fonte de lucro. O artista orquestra assim uma alusão mordaz à financeirização da existência.
O trabalho de Delvoye sobre as tatuagens em porcos revela também os mecanismos de dominação simbólica analisados por Bourdieu. Ao apropriar-se dos códigos visuais de subculturas marginalizadas (bikers, punks) para os projetar em animais de criação, o artista evidencia os processos de exclusão e estigmatização que operam no campo cultural. Esta transgressão controlada das normas dominantes permite revelar o seu caráter historicamente construído e socialmente determinado.
A análise sociológica da obra de Delvoye não pode ignorar a sua dimensão institucional. Expondo as suas criações nos locais mais prestigiados da arte contemporânea (Bienal de Veneza, Documenta, museus internacionais), o artista utiliza a legitimidade institucional para fazer aceitar propostas que, noutros contextos, seriam rejeitadas como vulgares ou deslocadas. Esta estratégia revela os mecanismos de consagração artística e a sua capacidade de transformar qualquer objeto em obra de arte legítima.
A sociologia do gosto desenvolvida por Bourdieu encontra na obra de Delvoye um terreno de experimentação particularmente rico. Ao misturar sistematicamente os registos estéticos, o artista produz objetos inclassificáveis que perturbam os sistemas habituais de classificação. As suas malas Rimowa ornadas com motivos persas, os seus pneus esculpidos com rendas góticas ou as suas betoneiras transformadas em catedrais operam uma confusão deliberada dos códigos de classe que revela o arbitrarismo das hierarquias estéticas.
Esta abordagem sociológica é acompanhada por uma reflexão aprofundada sobre a arquitectura gótica e os seus significados contemporâneos. A apropriação que Delvoye faz do vocabulário arquitectónico medieval não se limita a uma simples paródia decorativa, mas a uma análise crítica dos mecanismos de património e dos seus desafios políticos.
A arquitectura gótica, que nasceu no século XII na Île-de-France, constitui uma das inovações técnicas e estéticas mais notáveis da arte ocidental. O seu sistema de abóbadas com cruzamentos de ogivas, arcos-botantes e contrafortes permitiu criar edifícios com uma altura e luminosidade inéditas, transformando radicalmente a experiência espiritual dos fiéis. Esta revolução arquitectónica é acompanhada por uma renovação completa da linguagem ornamental, caracterizada pela proliferação de motivos vegetais, animais e humanos de extraordinária complexidade.
Delvoye apropria-se deste legado arquitectónico não para o celebrar nostalgicamente, mas para revelar as potencialidades críticas contemporâneas. As suas esculturas góticas, feitas em aço corten cortado a laser, actualizam as inovações técnicas medievais ao utilizar as tecnologias de produção mais avançadas. Esta actualização tecnológica não é uma simples modernização formal, mas uma reflexão sobre as condições sociais e económicas da criação arquitectónica.
A arquitectura gótica medieval estava indissociavelmente ligada a um sistema de produção artesanal altamente especializado, envolvendo corporações de pedreiros, escultores, vidreiros e carpinteiros cujo conhecimento era transmitido de geração em geração. Ao externalizar a produção das suas obras góticas para ateliers chineses ou iranianos, Delvoye evidencia a transformação contemporânea das condições de produção artística e arquitectónica. Esta deslocalização revela a evolução das relações entre concepção e execução na economia globalizada.
A dimensão espiritual da arquitectura gótica encontra em Delvoye uma tradução particularmente complexa. Se as catedrais medievais aspiravam ao céu para aproximar os fiéis do divino, as máquinas industriais decoradas com motivos góticos pelo artista ancoram essa aspiração na materialidade mais prosaica. As suas betoneiras, bulldozers e camiões de lixo transformados em catedrais móveis operam uma inversão irónica da transcendência gótica.
Esta ironia arquitectónica revela as mutações contemporâneas da relação com o sagrado. Nas nossas sociedades secularizadas, as antigas funções espirituais da arquitectura deslocaram-se para outros objetos: os centros comerciais, os estádios, os aeroportos. Ao aplicar a ornamentação gótica a estas novas catedrais do consumo e da mobilidade, Delvoye revela a persistência de necessidades espirituais desviadas para objetos profanos.
A análise arquitetónica da obra de Delvoye não pode ignorar a sua dimensão urbanística. As suas esculturas góticas, frequentemente monumentais, são concebidas para se inserirem no espaço público contemporâneo. Esta inserção revela as tensões entre o património histórico e o desenvolvimento urbano que caracterizam as nossas metrópoles contemporâneas. Ao criar objetos que emprestam simultaneamente às formas medievais e às funções industriais modernas, o artista propõe uma síntese crítica destas temporalidades conflituosas.
A apropriação contemporânea do gótico por Delvoye insere-se numa longa tradição do renascimento arquitetónico que atravessa os séculos XVIII e XIX europeus. Este movimento neogótico, ilustrado por arquitetos como Viollet-le-Duc em França ou Augustus Pugin em Inglaterra, procurava recuperar uma autenticidade arquitetónica perdida face às transformações industriais. Delvoye prolonga esta tradição ao mesmo tempo que a subverte: onde os neogóticos idealizavam a Idade Média, o artista contemporâneo revela as contradições dessa idealização.
A precisão técnica das esculturas góticas de Delvoye interroga também as relações entre artesanato e indústria que estruturam a produção arquitetónica contemporânea. Ao utilizar o corte laser para reproduzir motivos tradicionalmente esculpidos à mão, o artista revela as potencialidades expressivas das tecnologias digitais. Esta hibridização técnica propõe uma alternativa à oposição estéril entre tradição artesanal e modernidade industrial.
O ornamento gótico, em Delvoye, funciona como um analisador das transformações contemporâneas do trabalho artístico. A extrema complexidade dos seus motivos requer um saber-fazer técnico considerável, mas este saber-fazer é agora mediado por máquinas digitais que transformam o gesto artesanal tradicional. Esta transformação revela a evolução das condições de produção artística na economia pós-industrial.
A arquitetura gótica de Delvoye questiona também as modalidades contemporâneas da encomenda artística. Ao contrário das catedrais medievais, financiadas pela comunidade dos fiéis e inscritas em projetos coletivos seculares, as suas obras inserem-se no mercado da arte contemporânea e nas suas lógicas especulativas. Esta inscrição mercantil transforma radicalmente o estatuto social e simbólico da arquitetura gótica.
A receção crítica da obra de Delvoye revela as resistências que suscita a sua abordagem de transgressão estética. Acusado ora de cinismo comercial, ora de facilidade provocatória, o artista polariza as reações do mundo da arte. Esta polarização revela os enjeux ideológicos que atravessam o campo artístico contemporâneo e as dificuldades em pensar simultaneamente inovação estética e crítica social.
A exposição das suas obras em instituições patrimoniais prestigiadas (Louvre, Museu Rodin, Museus Reais de Bruxelas) constitui uma estratégia de legitimação particularmente habilidosa. Ao confrontar as suas criações com as obras-primas da arte clássica, Delvoye revela a relatividade histórica dos julgamentos estéticos e interroga os mecanismos de canonização artística.
Esta estratégia institucional acompanha-se de uma reflexão aprofundada sobre as condições contemporâneas de receção da arte. Ao criar obras que funcionam simultaneamente como atrações espetaculares e propostas conceptuais sofisticadas, Delvoye propõe uma síntese original entre cultura popular e cultura erudita que interroga as hierarquias tradicionais do gosto.
O sucesso internacional de Wim Delvoye testemunha a capacidade da sua arte para falar a públicos muito diversos. Esta transversalidade revela o surgimento de uma cultura artística mundializada que ultrapassa os particularismos nacionais, preservando, ao mesmo tempo, especificidades locais. O artista flamengo consegue assim universalizar referências culturais particulares, inserindo-as em problemáticas contemporâneas partilhadas.
A obra de Wim Delvoye constitui um laboratório privilegiado para pensar as mutações da arte contemporânea na globalização neoliberal. Ao hibridar sistematicamente os códigos estéticos, o artista revela as transformações profundas que afetam a produção, a difusão e a receção artística nas nossas sociedades pós-industriais. O seu trabalho oferece uma análise crítica particularmente lúcida dos mecanismos de comercialização que afetam todos os sectores da cultura contemporânea.
Para além das suas provocações espectaculares, a arte de Delvoye propõe uma reflexão profunda sobre as condições de possibilidade de uma prática artística crítica no contexto contemporâneo. Ao assumir plenamente a sua inscrição nas lógicas mercantis que denuncia, o artista desenvolve uma forma de resistência imanente que evita os perigos da denúncia moralizadora, preservando potencial crítico efectivo.
Esta posição paradoxal faz de Wim Delvoye uma figura emblemática da arte contemporânea europeia, capaz de conjugar inovação estética e análise social sem sacrificar nem a complexidade formal nem a pertinência crítica. A sua obra testemunha a vitalidade de uma tradição artística flamenga que, de Bosch a Brueghel, nunca deixou de questionar as certezas da sua época com uma mistura única de ironia e virtuosidade técnica.
- Paul Laster, “A Arte é Inútil: Uma Conversa com Wim Delvoye”, Sculpture Magazine, 12 de julho de 2019.
