Слушайте меня внимательно, кучка снобов, пора поговорить о Дереке Форджуре (род. 1974), художнике, который превращает нестабильность в поэзию и газетную бумагу, в золото. Не то золото, что у спекулянтов, а золото алхимиков, тех, кто понимает, что истинная ценность заключается в трансформации. В его художественной вселенной каждый слой материала становится слоем смысла, каждая рваная часть, откровением, каждое выступление, медитацией о нашем общем состоянии.
Фордджо не просто художник, он архитектор уязвимости, хореограф неопределённости. В своей мастерской в Бронксе он дирижирует визуальной симфонией, где картон становится драгоценным, а газетная бумага, чувствительной кожей. Его техника столь же сложна, как фуга Баха: он наслаивает до десяти слоёв материалов на свои полотна, создавая рельефную топографию, которая бросает вызов традиционной плоскости живописи. Financial Times с его характерным лососевым оттенком становится его излюбленным медиумом, выбором, который не случаен. Эта газета, библия мирового капитализма, перерабатывается, трансформируется, подрывается, чтобы стать основой размышлений о ценности, эффективности и нестабильности.
Возьмем “SCORE” (2023), его последнюю выставку в галерее Petzel. Само название представляет собой семантическую партитуру с множественными значениями: набирать очки, вести счёт, сочинять музыку, вырезать поверхность. Эта полисемия резонирует с многомерным подходом Фордджо. На этой выставке он создает полный художественный экосистему, где живопись, скульптура, инсталляция и перформанс взаимно отвечают и обогащают друг друга.
Инсталляция “Wunderkammer” особенно ярко отражает его мышление. На двух уровнях она ставит тонкую, но острую институциональную критику. На верхнем этаже роскошные витрины демонстрируют изысканные скульптуры в приглушённой и контролируемой атмосфере. В подвале исполнители с трудом приводят в действие механизмы, оживляющие диорамы сверху. Это пространственное разделение напоминает марксистскую теорию инфраструктуры и надстройки, но Фордджо переосмысливает её для нашей эпохи постоянного зрелища.
В “CONfidence MAN” (2023) элегантно одетый чёрный мужчина держит разноцветные шары. Произведение играет на двусмысленности термина “confidence”: доверие и мошенничество переплетаются в сложном танце. Безупречный костюм персонажа отсылает к “zoot suits” 1940-х годов, ярким костюмам, которые были одновременно выражением стиля и актом культурного сопротивления. Эти шары, символы стремлений или спасательные круги? Эта двойственность напоминает размышления Франца Фанона о масках колонизированных, ежедневных перформансах выживания и сопротивления.
Перформанс стоит в центре творчества Фордджо, не просто как тема, а как экзистенциальное условие. В “Arena” (2023) он создает круглое пространство для перформанса с землёй, утрамбованной в пол, и деревянными трибунами. Дважды в день танцоры под руководством хореографа Сидры Белл исполняют партитуру движений, исследующих напряжения между индивидуальной уязвимостью и коллективной силой. Это произведение откликается на теории Антонина Арто о театре жестокости, где перформанс становится ритуалом трансформации.
Музыка Ханны Мэйри из Black Banjo Reclamation Project сопровождает эти выступления, добавляя звуковой слой, который погружает произведение в традицию культурного сопротивления. Банджо, инструмент африканского происхождения, заимствованный белой американской культурой, здесь возвращается к своим корням, создавая нечто по-настоящему современное. Это то, что Стюарт Холл назвал бы моментом культурной артикуляции, где прошлое и настоящее встречаются, чтобы породить новые возможности значения.
Спортсмены, населяющие его полотна, не просто фигуры в движении. В “Swimming Lessons” (2023) Фордджор превращает сцену обучения плаванию в размышление о передаче опыта и выживании. Вода, двусмысленный элемент опасности и освобождения, становится средством преобразования. Это произведение вступает в диалог с теориями Гастона Башляра о материальном воображении воды, одновременно отражая сложную историю доступа к общественным бассейнам в сегрегированной Америке.
Его серия о темнокожих жокеях особенно мощна в своём умении переплетать историю и современную аллегорию. Эти работы напоминают золотой век афроамериканских жокеев в конце XIX века, а затем их систематическое исключение с американских ипподромов. В “The Second Factor of Production” (2021) жокеи запечатлены в постоянном движении, их силуэты множатся, как в хронофотографии Этьена-Жюля Маре. Эта ритмическая повторяемость вызывает концепцию Делёза о различии и повторении, где каждая итерация приносит тонкое, но значимое изменение.
Сам творческий процесс Фордджора, это перформанс контролируемой уязвимости. Каждый слой, который он добавляет, рискует задушить то, что находится под ним. Каждый надрез угрожает целостности поверхности. Это напряжение между конструкцией и разрушением напоминает японскую концепцию кинцуги, где трещины объекта подчеркиваются золотом, а не скрываются. У Фордджора разрывы и ссадины поверхности становятся откровениями, точками входа к более глубоким истинам.
В “Chorus of Maternal Grief” (2020) он рассматривает вопрос коллективного горя через серию портретов матерей, потерявших детей, от Мэми Тилл-Мобли до Тамики Палмер. Это произведение отсылает к плакальщицам греческой трагедии, женщинам, чьё публичное рыдание давало голос коллективной боли. Но Фордджор идёт дальше: он превращает эти фигуры боли в иконы сопротивления и достоинства.
Цветовые палитры Фордджора вибрируют почти галлюцинаторной интенсивностью, создавая неожиданные гармонии, которые бросают вызов традиционным цветовым конвенциям. В “Sonic Boom” (2023), его монументальной фреске для МОКА в Лос-Анджелесе, цвета взрываются, словно визуальная фанфара, превращая фасад музея в праздник традиции фанфар исторически чёрных университетов.
Его подход к пространству столь же инновационен. В “SHELTER” (2020), его инсталляции в Музее современного искусства Сент-Луиса, он создал иммерсивную среду из гофрированного листа и глинистой земли, где звук дождя имитировался хитрой механической системой. Это произведение превращало стерильное пространство музея в место контролируемой нестабильности, заставляя посетителей физически взаимодействовать с нестабильностью территории.
Педагогический аспект его работы нельзя упускать из виду. Преподаватель в Yale School of Art и бывший обладатель кафедры Алекса Кэтца в Cooper Union, Фордджор понимает важность передачи опыта. Его недавний проект Contemporary Arts Memphis направлен на создание возможностей для молодых художников из неблагополучных сообществ. Эта инициатива отзывается на размышления Джозефа Бойса о социальной роли художника и искусстве как силе социального преобразования.
Работа Фордджура с марионетками, особенно в “Fly Away” (2020), добавляет новое измерение к его исследованию перформанса и контроля. Сотрудничая с марионеточником Ником Леханом, он создает спектакли, которые ставят под вопрос динамику власти и автономию. Эти представления напоминают теории Генриха фон Клейста о театре марионеток, где грация парадоксально рождается из отказа от сознательного контроля.
Его недавняя выставка “Magic, Mystery & Legerdemain” (2022) в галерее David Kordansky продолжает размышления об иллюзии и власти. Вдохновляясь историей афроамериканских иллюзионистов, таких как Блэк Херман, Фордджур исследует магию как метафору социального привилегирования: кто имеет право публично обманывать? Кто может заставить свою аудиторию отказаться от недоверия? Эти вопросы перекликаются с анализами В.Э.Б. Дюбуа о “двойном сознании” афроамериканцев.
В своих самых последних инсталляциях Фордджур продвигает исследование границ между реальным и иллюзорным еще дальше. “Score” включает живые перформансы, размывающие границы между зрителем и участником. Этот подход напоминает эксперименты Баухауса, где искусство, перформанс и архитектура сливались, создавая полное погружение. Но если Баухаус искал модернистскую утопию, Фордджур принимает сложность и неопределенность нашей эпохи.
Творчество Фордджура приглашает нас по-новому осмыслить наше отношение к уязвимости. В мире, одержимом внешним видом силы и контроля, он напоминает, что именно в нашей способности признавать и принимать общую хрупкость заключается наша человечность. Как писал Эдуар Глисан, отношение к миру проходит через принятие собственной непрозрачности, собственных зон тени и неопределенности.
Преобразуя скромные материалы в произведения ослепительной сложности, хореографируя нестабильность в танец сопротивления и празднования, Фордджур создает искусство, которое одновременно глубоко личное и универсально созвучное. Его работы, не окна в идеальный мир, а зеркала, отражающие наш собственный облик со всеми его трещинами и красотами. Его творчество напоминает, что общая уязвимость может стать нашей величайшей силой.
