Слушайте меня внимательно, кучка снобов, которые ходят по галереям в кашемировых шарфах и архитектурных очках. Я расскажу вам о Дженни Савилл, родившейся в 1970 году, этой британской художнице, которая взрывает нормы изображения тела с тонкостью ядерного взрыва и точностью нейрохирурга.
Плоть. Всегда плоть. С момента своего громкого появления в современном искусстве Савилл утвердилась как верховная жрица новой формы фигуративной живописи, в которой живописный материал становится столь же внутренним, как и сама плоть. Её монументальные полотна, часто превышающие два метра в высоту,, это не просто изображение тел, а почти телесные проявления, которые захватывают вас своей физической сущностью. Это искусство, которое буквально берет за душу.
История начинается в Glasgow School of Art, где молодая Савилл уже развивала увлечение изображением женского тела. Стипендия в Цинциннати стала переломным моментом. Именно там, на американских улицах, она открыла для себя эти пышные тела, которые станут её визитной карточкой. Она наблюдала с восхищением за этими фигурами, бросающими вызов традиционным эстетическим канонам. Этот опыт, сочетаясь с последующими наблюдениями в операционных по пластической хирургии, сформировал её уникальное художественное видение.
Возьмем “Propped” (1992), проданное на аукционе за 9,5 миллионов евро в 2018 году, что было рекордом для живого художника в то время. Это массивное полотно представляет монументальный обнаженный женский образ с надписями, выгравированными в краске задом наперед. Савилл переосмысливает традицию женского ню с осознанной жестокостью, которая отзывается в размышлениях Симоны де Бовуар о женском теле как социальном конструкте. Тело перестает быть объектом желания и становится субъектом собственной истории, отмеченной клеймами общества, которое его ограничивает и формирует. Надписи, преднамеренно сделанные нечитаемыми феминистскими цитатами, создают напряжение между текстом и плотью, между дискурсом о теле и его физической реальностью.
“Plan” (1993) идет еще дальше в этом исследовании. На этом огромном полотне женское тело отмечено контурными линиями, как топографическая карта плоти. Эти клинические пометки, вдохновленные предоперационными разметками в пластической хирургии, превращают тело в территорию, которую нужно завоевать, изменить. Это резкая критика индустрии красоты, а также глубокое размышление о нашем отношении к телу в эпоху его технической воспроизводимости.
В “Closed Contact” (1995-1996), созданной в сотрудничестве с фотографом Гленом Лучфордом, Савилл доводит эксперимент до того, что прижимает собственное тело к плексигласовой пластине. Результатом стала серия изображений, где плоть, сжатая и деформированная, становится неузнаваемой. Эта работа отмечает поворотный момент в её практике, вводя перформативное измерение, обогащающее её живопись.
Техника Савилл так же жестока, как и изысканна. Она наносит краску густыми слоями, создавая тактильную поверхность, которая почти просит к себе прикоснуться. Ее широкие и взрывные мазки кисти контрастируют с зонами хирургической точности, особенно в изображении глаз и ртов. Эта техническая двойственность отражает постоянное напряжение в её творчестве между необработанной материальностью тела и его психологическим измерением.
“Matrix” (1999) знаменует значительную эволюцию в её обращении с гендером. В этом произведении изображено тело с двусмысленными половыми признаками, размывающими границы между мужским и женским. Фигура, монументальная как всегда, занимает пространство с тревожащим присутствием. Гениталии, расположенные на переднем плане, напрямую сталкивают зрителя с его предрассудками о сексуальной идентичности. Это произведение, которое замечательно предвосхищает современные дебаты о гендерной флюидности.
“Fulcrum” (1999) возможно представляет собой апогей её первого периода. Это монументальное полотно почти в пять метров в ширину изображает три переплетённых женских тела, создающих гору плоти, которая бросает вызов любым традиционным представлениям о красоте. Композиция напоминает барочные скульптурные группы, но переносит эту помпезность в решительно современный контекст. Тела, в своей внушительной массе, становятся плотским пейзажем, новой формой возвышенного, превосходящей традиционные эстетические категории.
В своём художественном развитии Савилл постепенно отошла от чистого анатомического изображения, чтобы исследовать форму плотского кубизма. Её недавние работы, такие как серия “Fate” (2018), накладывают несколько точек зрения на одно и то же тело, создавая композиции, в которых плоть кажется умноженной в пространстве. Этот подход отзывается теориями Мориса Мерло-Понти о феноменологии восприятия, где тело уже не просто объект в пространстве, а фокус всего жизненного опыта.
Трансгрессия у Савилл заключается не столько в её сюжетах, сколько в способе их обработки. Она берёт каноны классической живописи, ню, портрета, монументальности и переворачивает их словно окровавленную перчатку. Её подход напоминает контролируемое насилие Фрэнсиса Бэкона, но в то время как Бэкон искажал своих моделей, Савилл переосмысливает их, создавая новую грамматику тела.
Влияние её наблюдений в операционных особенно очевидно в таких работах, как “Hybrid” (1997). Это полотно показывает тело, составленное из различных частей, словно лоскутное одеяло из плоти. Это напоминает анатомические пласты эпохи Возрождения, но с современным измерением, вызывающим ассоциации с возможностями и страхами, связанными с изменением тела. Таким образом, произведение становится комментарием нашего времени, где тело всё больше воспринимается как податливое, изменяемое по желанию.
Гигантизм её полотен, это не просто вопрос масштаба, это философский выбор. В традиции западного искусства монументальность была зарезервирована для благородных сюжетов, религиозных сцен, исторических битв. Савилл использует этот формат для обычных тел, часто отмеченных несовершенством, создавая напряжение между величием формата и кажущейся обыденностью сюжета. Этот подход отзывается размышлениями Вальтера Беньямина о демократизации искусства, но инвертирует процесс: вместо того чтобы делать искусство доступным для масс, она делает массы монументальными.
Её использование цвета заслуживает особого внимания. Палитра, в которой доминируют розовые, красные и молочно-белые оттенки, вызывает ассоциации с живой, пульсирующей плотью. Но она не боится вводить более холодные тона, синие и зелёные, которые намекают на синяк, разложение, напоминая, что тело, это также место смертности. Эта цветовая напряжённость способствует экзистенциальной глубине её произведений.
Материнство стало центральной темой в её недавних работах. Её изображения матерей с детьми вписываются в долгую живописную традицию, но подрывают её каноны. Там, где традиция изображала материнство как идеализированный опыт, Савилл показывает его физический, порой жестокий аспект. Тела матерей и детей сливаются друг с другом, создавая композиции, вызывающие ассоциации как с симбиозом, так и с борьбой.
В своих последних работах Савилл все больше исследует границу между фигуративным и абстрактным. Тела частично растворяются в вихрях краски, словно сама живописная материя восстает против ограничения формы. Эта эволюция свидетельствует о художественном взрослении, которое не жертвует своей первоначальной силой.
Ее серия “Предки” (2018) знаменует значительный поворот. Эти произведения включают явные отсылки к истории искусства, в частности к итальянскому Возрождению, но радикально их трансформируют. Фигуры переплетаются и накладываются друг на друга, создавая плотские свидетельства, размывающие границы между прошлым и настоящим, между индивидуальным и коллективным.
Обращает на себя внимание обработка пространства в ее работах. В отличие от традиции портрета, которая часто помещает субъект в определенный контекст, фигуры Савилл кажутся плавающими в неопределенном пространстве. Это отсутствие пространственного контекста усиливает их физическое присутствие, придавая им универсальное измерение. Тела становятся современными архетипами, воплощениями нашего сложного отношения к телесности.
Перформативный аспект ее творчества нельзя игнорировать. Хотя Савилл в первую очередь известна как живописец, ее практика зачастую включает важное физическое измерение. Будь то в ее фотографических коллаборациях или в манере работы с живописью, она вовлекает собственное тело в творческий процесс. Этот перформативный аспект налагает прямую связь между актом рисования и изображаемым субъектом.
Вопрос взгляда является центральным в ее произведениях. Ее фигуры часто смотрят на нас прямо, с интенсивностью, которая бросает вызов любой объективизации. Этот прямой взгляд создает сложные отношения со зрителем, сочетающие вызов и уязвимость. Он заставляет нас признать собственную роль вуайериста, одновременно утверждая автономию изображенного субъекта.
Ее последний корпус работ знаменует значительную эволюцию. Тела уже не просто массы плоти, а становятся пространствами трансформации и метаморфозы. Границы между фигурами стираются, создавая гибриды, напоминающие метаморфозы Овидия, но укорененные в жестокой современности. Это новое художественное направление предлагает более широкое размышление о текучей идентичности и изменчивой природе тела в цифровую эпоху.
Политический аспект ее творчества, хотя и никогда не является дидактическим, неоспорим. Выбирая изображать тела, отклоняющиеся от доминирующих эстетических норм, показывая плоть во всей ее уязвимости и силе, Савилл предлагает неявную критику стандартов красоты и систем власти, которые их навязывают. Ее творчество можно прочитать как феминистский манифест, который не выражается словами, а чистым физическим присутствием.
Ее вклад в историю искусства уже обеспечен. Ей удалось переосмыслить фигуративную живопись в эпоху, когда многие считали ее устаревшей. Слиянием наследия великой живописи с современным восприятием она создала уникальный живописный язык, который напрямую говорит о нашем телесном опыте в XXI веке.
Дженни Савилл, не просто художница, рисующая тела. Она философ плоти, использующая живопись как инструмент исследования. Ее творчество заставляет нас столкнуться с собственной телесностью, предрассудками о красоте и сложными отношениями с нашим кожным оболочком. В все более виртуальном мире ее работы напоминают нам с глубокой неотложностью, что прежде всего мы, существа из плоти и крови.
Вот в чем истинная сила Савилла: она не просто изображает тело, она его переосмысливает. Она не просто пишет плоть, она делает из неё манифест. А вы, жалкие снобы в кашемировых шарфах, пора признать, что истинное величие современного искусства заключается не в эфемерных концепциях, а в его способности заставить нас почувствовать, физически и эмоционально, реальность нашего человеческого бытия. Перед полотном Савилла невозможно оставаться в интеллектуальной абстракции: тело восстанавливает свои права во всей своей красоте и несовершенстве.
